Repertuar
Wybierz tytuł lub przejdź do strony z kalendarium
TAJEMNICZY PREZENT | MDAG 2026
[PL]
Od ponad dwóch dekad w Boże Narodzenie do domu Inger i Arne Sandnesów w norweskim Valldal trafia tajemnicza paczka pełna prezentów dla całej rodziny, podpisana zawsze tą samą wiadomością: „Wesołych Świąt od nas wszystkich z Arendal”. Pomimo licznych prób, śledztw i medialnego zainteresowania, nadawca pozostaje nieznany. W te święta wnuki – dziewięcioletnia Edle i sześcioletni Brage – postanawiają rozwiązać zagadkę raz na zawsze. Razem z ojcem Magnusem, który otrzymał pierwszą paczkę, i matką Silje – dokumentalistką i reżyserką filmu – wyruszają na detektywistyczną wyprawę, by odkryć, kto stoi za tym niezwykłym prezentem. To, co zaczyna się jako zabawna rodzinna przygoda, szybko prowadzi do głębszej, poruszającej historii. Pierwsza paczka pojawiła się w roku, w którym starszy brat Magnusa – Hans Petter zmarł tragicznie. Śledztwo dzieci odkrywa więzi rodzinne, pamięć o stracie i emocje, które kształtują ich życie. Film łączy elementy cinema vérité z opowieścią o dziecięcej ciekawości i magii świąt. To pełna humoru, wzruszeń i niespodziewanych odkryć opowieść o tradycji, pamięci i największej tajemnicy ze wszystkich – życiu i jego niespodziewanych zakrętach.
[ENG]
For over two decades, at Christmas, a mysterious package filled with gifts for the whole family has arrived at the home of Inger and Arne Sandnes in Valldal, Norway, always signed with the same message: “Merry Christmas from all of us in Arendal.” Despite numerous attempts, investigations, and media attention, the sender remains unknown. This Christmas, grandchildren – nine-year-old Edle and six-year-old Brage – decide to solve the mystery once and for all. Together with their father Magnus, who received the first package, and their mother Silje, a documentary filmmaker and director of the film, they set out on a detective adventure to uncover who is behind this extraordinary gift. What begins as a fun family adventure quickly unfolds into a deeper, moving story. The first package arrived the year Magnus’ older brother, Hans Petter, tragically passed away. The children’s investigation uncovers family bonds, memories of loss, and emotions that shape their lives. The film combines elements of cinéma vérité with a story of childlike curiosity and Christmas magic, creating a narrative full of humor, emotion, and unexpected discoveries – a tale of tradition, memory, and the greatest mystery of all: life and its unforeseen twists.
Od ponad dwóch dekad w Boże Narodzenie do domu Inger i Arne Sandnesów w norweskim Valldal trafia tajemnicza paczka pełna prezentów dla całej rodziny, podpisana zawsze tą samą wiadomością: „Wesołych Świąt od nas wszystkich z Arendal”. Pomimo licznych prób, śledztw i medialnego zainteresowania, nadawca pozostaje nieznany. W te święta wnuki – dziewięcioletnia Edle i sześcioletni Brage – postanawiają rozwiązać zagadkę raz na zawsze. Razem z ojcem Magnusem, który otrzymał pierwszą paczkę, i matką Silje – dokumentalistką i reżyserką filmu – wyruszają na detektywistyczną wyprawę, by odkryć, kto stoi za tym niezwykłym prezentem. To, co zaczyna się jako zabawna rodzinna przygoda, szybko prowadzi do głębszej, poruszającej historii. Pierwsza paczka pojawiła się w roku, w którym starszy brat Magnusa – Hans Petter zmarł tragicznie. Śledztwo dzieci odkrywa więzi rodzinne, pamięć o stracie i emocje, które kształtują ich życie. Film łączy elementy cinema vérité z opowieścią o dziecięcej ciekawości i magii świąt. To pełna humoru, wzruszeń i niespodziewanych odkryć opowieść o tradycji, pamięci i największej tajemnicy ze wszystkich – życiu i jego niespodziewanych zakrętach.
[ENG]
For over two decades, at Christmas, a mysterious package filled with gifts for the whole family has arrived at the home of Inger and Arne Sandnes in Valldal, Norway, always signed with the same message: “Merry Christmas from all of us in Arendal.” Despite numerous attempts, investigations, and media attention, the sender remains unknown. This Christmas, grandchildren – nine-year-old Edle and six-year-old Brage – decide to solve the mystery once and for all. Together with their father Magnus, who received the first package, and their mother Silje, a documentary filmmaker and director of the film, they set out on a detective adventure to uncover who is behind this extraordinary gift. What begins as a fun family adventure quickly unfolds into a deeper, moving story. The first package arrived the year Magnus’ older brother, Hans Petter, tragically passed away. The children’s investigation uncovers family bonds, memories of loss, and emotions that shape their lives. The film combines elements of cinéma vérité with a story of childlike curiosity and Christmas magic, creating a narrative full of humor, emotion, and unexpected discoveries – a tale of tradition, memory, and the greatest mystery of all: life and its unforeseen twists.
UCISZONE | MDAG 2026
[PL]
Po tym, jak ruch #MeToo przełamał kulturowe milczenie wokół przemocy ze względu na płeć, osoby doznające przemocy szybko zaczęły mierzyć się z nową formą zastraszania – pozwami o zniesławienie, wykorzystywanymi przez domniemanych sprawców wobec kobiet, które zdecydowały się podzielić swoją historią. Prawniczka Jennifer Robinson pokazuje, jak system prawny bywa używany do podważania wiarygodności, wtórnej wiktymizacji i finansowego wyniszczania. Dzięki wyjątkowemu dostępowi do bohaterek i dziennikarzy stojących w centrum głośnych sporów sądowych na całym świecie, poznajemy m.in. historię Brittany Higgins – byłej pracowniczki australijskiego parlamentu, aktywistki działającej na rzecz przeciwdziałania przemocy; Cataliny Ruiz-Navarro – latynoamerykańskiej dziennikarki i współzałożycielki feministycznego magazynu „Volcánicas”; oraz Amber Heard – hollywoodzkiej aktorki i rzeczniczki praw kobiet, która znalazła się w centrum jednego z najgłośniejszych procesów o zniesławienie ostatnich lat. „Uciszone”, autorstwa nagrodzonych Międzynarodową Nagrodą Emmy twórców Seliny Miles i Blayke’a Hoffmana, to poruszający i niezwykle aktualny film, który obnaża systemowe mechanizmy podtrzymujące status quo w wymiarze sprawiedliwości.
[ENG]
After #MeToo broke the cultural silence on gendered violence, survivors swiftly found themselves facing a new kind of silencing and fear as defamation laws became weaponised by alleged perpetrators against women for speaking out. International human rights lawyer Jennifer Robinson takes audiences inside the courtroom and behind the headlines to reveal how the legal system is being used to discredit, re-victimise and financially ruin survivors.
Robinson brings unrivalled access to the women and journalists at the centre of high-profile legal battles across the globe, including Brittany Higgins, Australian former political staffer, survivor and advocate against gendered violence; Catalina Ruiz-Navarro, Latin American journalist and co-founder of the feminist magazine Volcánicas and Amber Heard, Hollywood actor and advocate who found herself at the centre of one of the most high-profile
defamation battles in recent history. From International Emmy Award-winning filmmakers Selina Miles and Blayke Hoffman, SILENCED is a powerful, emotional and urgent documentary that challenges the devastating flaws maintaining the status quo within the justice system.
Po tym, jak ruch #MeToo przełamał kulturowe milczenie wokół przemocy ze względu na płeć, osoby doznające przemocy szybko zaczęły mierzyć się z nową formą zastraszania – pozwami o zniesławienie, wykorzystywanymi przez domniemanych sprawców wobec kobiet, które zdecydowały się podzielić swoją historią. Prawniczka Jennifer Robinson pokazuje, jak system prawny bywa używany do podważania wiarygodności, wtórnej wiktymizacji i finansowego wyniszczania. Dzięki wyjątkowemu dostępowi do bohaterek i dziennikarzy stojących w centrum głośnych sporów sądowych na całym świecie, poznajemy m.in. historię Brittany Higgins – byłej pracowniczki australijskiego parlamentu, aktywistki działającej na rzecz przeciwdziałania przemocy; Cataliny Ruiz-Navarro – latynoamerykańskiej dziennikarki i współzałożycielki feministycznego magazynu „Volcánicas”; oraz Amber Heard – hollywoodzkiej aktorki i rzeczniczki praw kobiet, która znalazła się w centrum jednego z najgłośniejszych procesów o zniesławienie ostatnich lat. „Uciszone”, autorstwa nagrodzonych Międzynarodową Nagrodą Emmy twórców Seliny Miles i Blayke’a Hoffmana, to poruszający i niezwykle aktualny film, który obnaża systemowe mechanizmy podtrzymujące status quo w wymiarze sprawiedliwości.
[ENG]
After #MeToo broke the cultural silence on gendered violence, survivors swiftly found themselves facing a new kind of silencing and fear as defamation laws became weaponised by alleged perpetrators against women for speaking out. International human rights lawyer Jennifer Robinson takes audiences inside the courtroom and behind the headlines to reveal how the legal system is being used to discredit, re-victimise and financially ruin survivors.
Robinson brings unrivalled access to the women and journalists at the centre of high-profile legal battles across the globe, including Brittany Higgins, Australian former political staffer, survivor and advocate against gendered violence; Catalina Ruiz-Navarro, Latin American journalist and co-founder of the feminist magazine Volcánicas and Amber Heard, Hollywood actor and advocate who found herself at the centre of one of the most high-profile
defamation battles in recent history. From International Emmy Award-winning filmmakers Selina Miles and Blayke Hoffman, SILENCED is a powerful, emotional and urgent documentary that challenges the devastating flaws maintaining the status quo within the justice system.
Warsztaty komiksowe
Na warsztatach komiksowych będziemy tworzyć narrację za pomocą rysunku. Nauczymy się podstaw i różnych technik rysunkowych, a także dowiemy się jakie znaczenie ma odpowiedni plan wydarzeń, kadr oraz typografia. Uczestnicy na każdych zajęciach dostaną zadania rozwijające kreatywność, wyobraźnię oraz pewność siebie poprzez twórczą zabawę.
Warsztaty Ręko-Dzielni - maj 2026
Ręko-dzielnia to warsztaty tkania, filcowania, haftu, szydełka, makramy i innych technik rękodzielniczych.
Jeśli chcesz nauczyć się tworzyć rzeczy piękne i użyteczne, a jednocześnie zająć ręce i dać głowie odpocząć, zapraszamy do nas! Krok po kroku poznasz tajniki rękodzieła w nowoczesnej odsłonie. Warsztaty prowadzone są w cyklach – każdą technikę poznajemy od podstaw przez kilka kolejnych zajęć. Dzierganie jest modne i wygodne! Uwaga – to wciąga!
Wiek: od lat 10 do 100
Koszt pojedynczych zajęć razem z materiałami wykorzystywanymi podczas zajęć:
– w ramach miesięcznego karnetu – 50zł
– poza karnetem – 80zł
Zapisy pod numerem telefonu 530 378 800.
Ilość miejsc ograniczona.
Jeśli chcesz nauczyć się tworzyć rzeczy piękne i użyteczne, a jednocześnie zająć ręce i dać głowie odpocząć, zapraszamy do nas! Krok po kroku poznasz tajniki rękodzieła w nowoczesnej odsłonie. Warsztaty prowadzone są w cyklach – każdą technikę poznajemy od podstaw przez kilka kolejnych zajęć. Dzierganie jest modne i wygodne! Uwaga – to wciąga!
Wiek: od lat 10 do 100
Koszt pojedynczych zajęć razem z materiałami wykorzystywanymi podczas zajęć:
– w ramach miesięcznego karnetu – 50zł
– poza karnetem – 80zł
Zapisy pod numerem telefonu 530 378 800.
Ilość miejsc ograniczona.
Warsztaty teatralne 4-6 lat
CZYM JEST TEATR KIDS?
To więcej niż zajęcia! Podczas warsztatów dzieci wyruszają w podróż do świata humorystycznych spektakli. Tworzą własne opowieści, uczą się wierszy i piosenek oraz wspólnie z bohaterami szukają kreatywnych rozwiązań. Na zajęciach pojawiają się lalki teatralne, rekwizyty i muzyka, by w pełni rozwijać dziecięcą wyobraźnię.
CO ROZWINIE TWOJE DZIECKO?
ODWAGĘ – ośmieli się przed publicznością i zyska pewność siebie.
KREATYWNOŚĆ – nauczy się myśleć nieszablonowo i znajdować własne rozwiązania.
WSPÓŁPRACĘ – pozna siłę wspólnego działania i przyjaźni.
WYOBRAŹNIĘ – rozwinie swój potencjał twórczy i otworzy się na nowe pomysły.
PRAWIDŁOWĄ DYKCJĘ– dzięki zabawom z wierszami i piosenkami.
Warsztaty poprowadzi Magda Młynarczyk.
Pedagożka teatralna, reżyserka. Absolwentka reżyserii teatru lalek w Akademii Sztuk Teatralnych im. S. Wyspiańskiego, filia we Wrocławiu. Ukończyła teatrologię na Uniwersytecie Wrocławskim oraz studio pantomimy we Wrocławskim Teatrze Pantomimy im. H. Tomaszewskiego. Przez wiele lat koordynowała projekty i współprowadziła Fundację Pantomima. Autorskie spektakle i projekty realizuje w Teatrze Formalina, którego jest założycielką. Realizowała spektakle m.in. w Ach!Teatrze, Instytucie im. J. Grotowskiego, Czasoprzestrzeni, Muzeum Teatralnym we Wrocławiu, Teatrze Capitol we Wrocławiu, Teatrze Guliwer w Warszawie, Lubuskim Teatrze w Zielonej Górze, Teatrze Rabcio czy Teatrze Figur w Krakowie. Jako pedagożka działa w założonej przez siebie grupie Teatrowo oraz w Studiu Sztuki Aktorskiej STA.
W pracy teatralnej z najmłodszymi czerpię z ich wrodzonych umiejętności i predyspozycji, starając się wesprzeć dzieci w ich rozwoju. Staram się słuchać ich potrzeb i podążać za nimi, nie oceniając i wspierając ich wrażliwość i indywidualność. Bardzo ważne jest dla mnie rozwijanie wyobraźni dzieci, uważności oraz otwieranie ich na pomysły innych.
Informacje dodatkowe:
Godziny:
- godz. 16:15 dla dzieci w wieku 4-6 lat
- godz. 17:00 dla dzieci z klas I-III
Koszt pojedynczych zajęć:
– w ramach miesięcznego karnetu – 25zł
– poza karnetem – 35zł
Warsztaty będą odbywały się 1x w tygodniu i zakończone będą lekcją pokazową dla rodziców.
Ilość miejsc ograniczona.
Zapisy:
nr: +48 530 378 800 lub mailowo:domkultury@dkazk.
To więcej niż zajęcia! Podczas warsztatów dzieci wyruszają w podróż do świata humorystycznych spektakli. Tworzą własne opowieści, uczą się wierszy i piosenek oraz wspólnie z bohaterami szukają kreatywnych rozwiązań. Na zajęciach pojawiają się lalki teatralne, rekwizyty i muzyka, by w pełni rozwijać dziecięcą wyobraźnię.
CO ROZWINIE TWOJE DZIECKO?
ODWAGĘ – ośmieli się przed publicznością i zyska pewność siebie.
KREATYWNOŚĆ – nauczy się myśleć nieszablonowo i znajdować własne rozwiązania.
WSPÓŁPRACĘ – pozna siłę wspólnego działania i przyjaźni.
WYOBRAŹNIĘ – rozwinie swój potencjał twórczy i otworzy się na nowe pomysły.
PRAWIDŁOWĄ DYKCJĘ– dzięki zabawom z wierszami i piosenkami.
Warsztaty poprowadzi Magda Młynarczyk.
Pedagożka teatralna, reżyserka. Absolwentka reżyserii teatru lalek w Akademii Sztuk Teatralnych im. S. Wyspiańskiego, filia we Wrocławiu. Ukończyła teatrologię na Uniwersytecie Wrocławskim oraz studio pantomimy we Wrocławskim Teatrze Pantomimy im. H. Tomaszewskiego. Przez wiele lat koordynowała projekty i współprowadziła Fundację Pantomima. Autorskie spektakle i projekty realizuje w Teatrze Formalina, którego jest założycielką. Realizowała spektakle m.in. w Ach!Teatrze, Instytucie im. J. Grotowskiego, Czasoprzestrzeni, Muzeum Teatralnym we Wrocławiu, Teatrze Capitol we Wrocławiu, Teatrze Guliwer w Warszawie, Lubuskim Teatrze w Zielonej Górze, Teatrze Rabcio czy Teatrze Figur w Krakowie. Jako pedagożka działa w założonej przez siebie grupie Teatrowo oraz w Studiu Sztuki Aktorskiej STA.
W pracy teatralnej z najmłodszymi czerpię z ich wrodzonych umiejętności i predyspozycji, starając się wesprzeć dzieci w ich rozwoju. Staram się słuchać ich potrzeb i podążać za nimi, nie oceniając i wspierając ich wrażliwość i indywidualność. Bardzo ważne jest dla mnie rozwijanie wyobraźni dzieci, uważności oraz otwieranie ich na pomysły innych.
Informacje dodatkowe:
Godziny:
- godz. 16:15 dla dzieci w wieku 4-6 lat
- godz. 17:00 dla dzieci z klas I-III
Koszt pojedynczych zajęć:
– w ramach miesięcznego karnetu – 25zł
– poza karnetem – 35zł
Warsztaty będą odbywały się 1x w tygodniu i zakończone będą lekcją pokazową dla rodziców.
Ilość miejsc ograniczona.
Zapisy:
nr: +48 530 378 800 lub mailowo:domkultury@dkazk.
Warsztaty teatralne dla klas I-III
CZYM JEST TEATR KIDS?
To więcej niż zajęcia! Podczas warsztatów dzieci wyruszają w podróż do świata humorystycznych spektakli. Tworzą własne opowieści, uczą się wierszy i piosenek oraz wspólnie z bohaterami szukają kreatywnych rozwiązań. Na zajęciach pojawiają się lalki teatralne, rekwizyty i muzyka, by w pełni rozwijać dziecięcą wyobraźnię.
CO ROZWINIE TWOJE DZIECKO?
ODWAGĘ – ośmieli się przed publicznością i zyska pewność siebie.
KREATYWNOŚĆ – nauczy się myśleć nieszablonowo i znajdować własne rozwiązania.
WSPÓŁPRACĘ – pozna siłę wspólnego działania i przyjaźni.
WYOBRAŹNIĘ – rozwinie swój potencjał twórczy i otworzy się na nowe pomysły.
PRAWIDŁOWĄ DYKCJĘ– dzięki zabawom z wierszami i piosenkami.
Warsztaty poprowadzi Magda Młynarczyk.
Pedagożka teatralna, reżyserka. Absolwentka reżyserii teatru lalek w Akademii Sztuk Teatralnych im. S. Wyspiańskiego, filia we Wrocławiu. Ukończyła teatrologię na Uniwersytecie Wrocławskim oraz studio pantomimy we Wrocławskim Teatrze Pantomimy im. H. Tomaszewskiego. Przez wiele lat koordynowała projekty i współprowadziła Fundację Pantomima. Autorskie spektakle i projekty realizuje w Teatrze Formalina, którego jest założycielką. Realizowała spektakle m.in. w Ach!Teatrze, Instytucie im. J. Grotowskiego, Czasoprzestrzeni, Muzeum Teatralnym we Wrocławiu, Teatrze Capitol we Wrocławiu, Teatrze Guliwer w Warszawie, Lubuskim Teatrze w Zielonej Górze, Teatrze Rabcio czy Teatrze Figur w Krakowie. Jako pedagożka działa w założonej przez siebie grupie Teatrowo oraz w Studiu Sztuki Aktorskiej STA.
W pracy teatralnej z najmłodszymi czerpię z ich wrodzonych umiejętności i predyspozycji, starając się wesprzeć dzieci w ich rozwoju. Staram się słuchać ich potrzeb i podążać za nimi, nie oceniając i wspierając ich wrażliwość i indywidualność. Bardzo ważne jest dla mnie rozwijanie wyobraźni dzieci, uważności oraz otwieranie ich na pomysły innych.
Informacje dodatkowe:
Godziny:
- godz. 16:15 dla dzieci w wieku 4-6 lat
- godz. 17:00 dla dzieci z klas I-III
Koszt pojedynczych zajęć:
– w ramach miesięcznego karnetu – 25zł
– poza karnetem – 35zł
Warsztaty będą odbywały się 1x w tygodniu i zakończone będą lekcją pokazową dla rodziców.
Ilość miejsc ograniczona.
Zapisy:
nr: +48 530 378 800 lub mailowo:domkultury@dkazk.
To więcej niż zajęcia! Podczas warsztatów dzieci wyruszają w podróż do świata humorystycznych spektakli. Tworzą własne opowieści, uczą się wierszy i piosenek oraz wspólnie z bohaterami szukają kreatywnych rozwiązań. Na zajęciach pojawiają się lalki teatralne, rekwizyty i muzyka, by w pełni rozwijać dziecięcą wyobraźnię.
CO ROZWINIE TWOJE DZIECKO?
ODWAGĘ – ośmieli się przed publicznością i zyska pewność siebie.
KREATYWNOŚĆ – nauczy się myśleć nieszablonowo i znajdować własne rozwiązania.
WSPÓŁPRACĘ – pozna siłę wspólnego działania i przyjaźni.
WYOBRAŹNIĘ – rozwinie swój potencjał twórczy i otworzy się na nowe pomysły.
PRAWIDŁOWĄ DYKCJĘ– dzięki zabawom z wierszami i piosenkami.
Warsztaty poprowadzi Magda Młynarczyk.
Pedagożka teatralna, reżyserka. Absolwentka reżyserii teatru lalek w Akademii Sztuk Teatralnych im. S. Wyspiańskiego, filia we Wrocławiu. Ukończyła teatrologię na Uniwersytecie Wrocławskim oraz studio pantomimy we Wrocławskim Teatrze Pantomimy im. H. Tomaszewskiego. Przez wiele lat koordynowała projekty i współprowadziła Fundację Pantomima. Autorskie spektakle i projekty realizuje w Teatrze Formalina, którego jest założycielką. Realizowała spektakle m.in. w Ach!Teatrze, Instytucie im. J. Grotowskiego, Czasoprzestrzeni, Muzeum Teatralnym we Wrocławiu, Teatrze Capitol we Wrocławiu, Teatrze Guliwer w Warszawie, Lubuskim Teatrze w Zielonej Górze, Teatrze Rabcio czy Teatrze Figur w Krakowie. Jako pedagożka działa w założonej przez siebie grupie Teatrowo oraz w Studiu Sztuki Aktorskiej STA.
W pracy teatralnej z najmłodszymi czerpię z ich wrodzonych umiejętności i predyspozycji, starając się wesprzeć dzieci w ich rozwoju. Staram się słuchać ich potrzeb i podążać za nimi, nie oceniając i wspierając ich wrażliwość i indywidualność. Bardzo ważne jest dla mnie rozwijanie wyobraźni dzieci, uważności oraz otwieranie ich na pomysły innych.
Informacje dodatkowe:
Godziny:
- godz. 16:15 dla dzieci w wieku 4-6 lat
- godz. 17:00 dla dzieci z klas I-III
Koszt pojedynczych zajęć:
– w ramach miesięcznego karnetu – 25zł
– poza karnetem – 35zł
Warsztaty będą odbywały się 1x w tygodniu i zakończone będą lekcją pokazową dla rodziców.
Ilość miejsc ograniczona.
Zapisy:
nr: +48 530 378 800 lub mailowo:domkultury@dkazk.
WE WANT THE FUNK | MDAG 2026
[PL]
Czym jest funk? To pytanie okazuje się znacznie bardziej złożone, niż nam się wydaje. „Potrzebujemy tylko perkusisty” – mówił kiedyś Sly Stone. Czy to muzyka, w której liczy się przede wszystkim rytm? Film idzie głębiej. Funk stał się ścieżką dźwiękową końca lat 60., gdy Afroamerykanie coraz odważniej i wyraźniej wyrażali swoją tożsamość. W pełnym energii filmie oglądamy olśniewające występy artystów takich, jak James Brown, Sly & the Family Stone, Parliament Funkadelic, Labelle, Fela Kuti, a także twórców, którzy pojawili się później. W tę muzyczną opowieść zostały wplecione wywiady ze współczesnymi muzykami i ambasadorami funku, takimi jak Questlove, Prince Paul i David Byrne, którzy omawiają rozległą konstelację tego brzmienia – od powojennej polityki, socjologii i nauki, po korzenie legendarnych rytmów.
[ENG]
What is funk? This question proves far more complex than it seems. “All we need is a drummer,” once said Sly Stone. Is it music where rhythm alone matters most? The film goes further. Funk became the soundtrack of the late 1960s, as African Americans increasingly and boldly expressed their identity. In this energetic film, we witness brilliant performances by artists such as James Brown, Sly & the Family Stone, Parliament Funkadelic, Labelle, Fela Kuti, and later innovators. Interwoven are interviews with contemporary musicians and funk ambassadors, including Questlove, Prince Paul, and David Byrne, who explore the extensive constellation of funk – from postwar politics, sociology, and science to the roots of legendary rhythms. The film also examines funk from the perspectives of religion, geography, and music theory.
Czym jest funk? To pytanie okazuje się znacznie bardziej złożone, niż nam się wydaje. „Potrzebujemy tylko perkusisty” – mówił kiedyś Sly Stone. Czy to muzyka, w której liczy się przede wszystkim rytm? Film idzie głębiej. Funk stał się ścieżką dźwiękową końca lat 60., gdy Afroamerykanie coraz odważniej i wyraźniej wyrażali swoją tożsamość. W pełnym energii filmie oglądamy olśniewające występy artystów takich, jak James Brown, Sly & the Family Stone, Parliament Funkadelic, Labelle, Fela Kuti, a także twórców, którzy pojawili się później. W tę muzyczną opowieść zostały wplecione wywiady ze współczesnymi muzykami i ambasadorami funku, takimi jak Questlove, Prince Paul i David Byrne, którzy omawiają rozległą konstelację tego brzmienia – od powojennej polityki, socjologii i nauki, po korzenie legendarnych rytmów.
[ENG]
What is funk? This question proves far more complex than it seems. “All we need is a drummer,” once said Sly Stone. Is it music where rhythm alone matters most? The film goes further. Funk became the soundtrack of the late 1960s, as African Americans increasingly and boldly expressed their identity. In this energetic film, we witness brilliant performances by artists such as James Brown, Sly & the Family Stone, Parliament Funkadelic, Labelle, Fela Kuti, and later innovators. Interwoven are interviews with contemporary musicians and funk ambassadors, including Questlove, Prince Paul, and David Byrne, who explore the extensive constellation of funk – from postwar politics, sociology, and science to the roots of legendary rhythms. The film also examines funk from the perspectives of religion, geography, and music theory.
WIEDŹMY | MDAG 2026
[PL]
Hybrydowy film eseistyczny na pograniczu kina dokumentalnego, performansu i feministycznego manifestu. Punktem wyjścia jest figura czarownicy – historycznie prześladowanej kobiety, której ciało, seksualność i gniew stały się przedmiotem kontroli. Reżyserka splata własne doświadczenia z kolektywną pamięcią przemocy, tworząc opowieść o wstydzie, oporze i odzyskiwaniu sprawczości. Narrację filmu budują rytuały, gesty, głos i cielesna obecność bohaterek. Performans staje się tu narzędziem emancypacji, a kamera – świadkiem procesu odzyskiwania kontroli nad narracją o kobiecym ciele. Film nie opowiada historii w klasyczny sposób, lecz buduje transową przestrzeń, w której prywatne doświadczenie przechodzi w polityczny akt sprzeciwu. Inspiracją były tu zarówno historyczne procesy czarownic, jak i współczesne formy kontroli nad kobieca seksualnością. Zdjęcia realizowane były w warunkach bliskich rytuałowi. Film powstał jako rozwinięcie performatywnej praktyki Mai Holand, łączącej sztuki wizualne, choreografię i pracę z głosem.
[ENG]
A hybrid essay film on the border between documentary cinema, performance, and a feminist manifesto. Its starting point is the figure of the witch – a historically persecuted woman whose body, sexuality, and anger became objects of control. The director intertwines her own experiences with the collective memory of violence, crafting a story about shame, resistance, and the reclaiming of agency. The film’s narrative is built through rituals, gestures, voice, and the embodied presence of its protagonists. Performance becomes a tool of emancipation, and the camera bears witness to the process of reclaiming control over the narrative of the female body. Rather than telling a story in a classical sense, the film creates a trance-like space in which private experience transforms into a political act of resistance. The film draws inspiration from both historical witch trials and contemporary forms of control over female sexuality. The cinematography was created under conditions close to ritual. The film emerged as an extension of Maja Holand’s performative practice, combining visual arts, choreography, and voice work.
Hybrydowy film eseistyczny na pograniczu kina dokumentalnego, performansu i feministycznego manifestu. Punktem wyjścia jest figura czarownicy – historycznie prześladowanej kobiety, której ciało, seksualność i gniew stały się przedmiotem kontroli. Reżyserka splata własne doświadczenia z kolektywną pamięcią przemocy, tworząc opowieść o wstydzie, oporze i odzyskiwaniu sprawczości. Narrację filmu budują rytuały, gesty, głos i cielesna obecność bohaterek. Performans staje się tu narzędziem emancypacji, a kamera – świadkiem procesu odzyskiwania kontroli nad narracją o kobiecym ciele. Film nie opowiada historii w klasyczny sposób, lecz buduje transową przestrzeń, w której prywatne doświadczenie przechodzi w polityczny akt sprzeciwu. Inspiracją były tu zarówno historyczne procesy czarownic, jak i współczesne formy kontroli nad kobieca seksualnością. Zdjęcia realizowane były w warunkach bliskich rytuałowi. Film powstał jako rozwinięcie performatywnej praktyki Mai Holand, łączącej sztuki wizualne, choreografię i pracę z głosem.
[ENG]
A hybrid essay film on the border between documentary cinema, performance, and a feminist manifesto. Its starting point is the figure of the witch – a historically persecuted woman whose body, sexuality, and anger became objects of control. The director intertwines her own experiences with the collective memory of violence, crafting a story about shame, resistance, and the reclaiming of agency. The film’s narrative is built through rituals, gestures, voice, and the embodied presence of its protagonists. Performance becomes a tool of emancipation, and the camera bears witness to the process of reclaiming control over the narrative of the female body. Rather than telling a story in a classical sense, the film creates a trance-like space in which private experience transforms into a political act of resistance. The film draws inspiration from both historical witch trials and contemporary forms of control over female sexuality. The cinematography was created under conditions close to ritual. The film emerged as an extension of Maja Holand’s performative practice, combining visual arts, choreography, and voice work.
WOLNOŚĆ PO WŁOSKU
„Wolność po włosku” to elektryzujący portret wybitnej włoskiej pisarki Goliardy Sapienzy, jednej z najbardziej niezwykłych kobiet lat 80. – niepokornej outsiderki wymykającej się wszelkim kategoriom, która latami czekała na odkrycie. Prezentowany na MFF w Cannes, najnowszy film Mario Martone („Nostalgia”) to opowieść o przyjaźni, siostrzeństwie i potrzebie wolności.
Bohaterka filmu to dojrzała, wyzwolona kobieta – złodziejka, kochanka i niespełniona pisarka. Aby związać koniec z końcem, Goliarda (Valeria Golino) jest w stanie wiele zaryzykować. Gdy w końcu trafia do więzienia, zaprzyjaźnia się z młodszymi od siebie kobietami. Po wyjściu na wolność, w trakcie upalnego rzymskiego lata, dzięki nim odrodzi się na nowo. Na tle burzliwych realiów Włoch lat 80., w cieniu ideologii, represji i rozczarowań, „Wolność po włosku” stawia pytanie o możliwość autentycznej wolności. Czy kobieta może odnaleźć swoje miejsce w świecie, który próbuje ją zamknąć w jednej z patriarchalnych ról?
Goliarda Sapienza to jedna z najwybitniejszych współczesnych włoskich pisarek, której status kultowej przyniosła wydana dopiero pośmiertnie powieść „Sztuka radości”. Portretowana w „Wolności po włosku” przez ikonę włoskiego kina, Valerię Golino, Sapienza nie traciła z oczu swojej wrażliwości i pasji, a przede wszystkim nie dała sobie odebrać prawa do życia na własnych zasadach. Golino umiejętnie pokazuje sprzeczności, które łączyła w sobie jej bohaterka: intelekt i zmysłowość, brawurę i czułość, melancholię i bunt. Mario Martone z właściwą sobie precyzją i głębią psychologiczną kreśli portret kobiety, która śmiało wyprzedzała swoje czasy.
Bohaterka filmu to dojrzała, wyzwolona kobieta – złodziejka, kochanka i niespełniona pisarka. Aby związać koniec z końcem, Goliarda (Valeria Golino) jest w stanie wiele zaryzykować. Gdy w końcu trafia do więzienia, zaprzyjaźnia się z młodszymi od siebie kobietami. Po wyjściu na wolność, w trakcie upalnego rzymskiego lata, dzięki nim odrodzi się na nowo. Na tle burzliwych realiów Włoch lat 80., w cieniu ideologii, represji i rozczarowań, „Wolność po włosku” stawia pytanie o możliwość autentycznej wolności. Czy kobieta może odnaleźć swoje miejsce w świecie, który próbuje ją zamknąć w jednej z patriarchalnych ról?
Goliarda Sapienza to jedna z najwybitniejszych współczesnych włoskich pisarek, której status kultowej przyniosła wydana dopiero pośmiertnie powieść „Sztuka radości”. Portretowana w „Wolności po włosku” przez ikonę włoskiego kina, Valerię Golino, Sapienza nie traciła z oczu swojej wrażliwości i pasji, a przede wszystkim nie dała sobie odebrać prawa do życia na własnych zasadach. Golino umiejętnie pokazuje sprzeczności, które łączyła w sobie jej bohaterka: intelekt i zmysłowość, brawurę i czułość, melancholię i bunt. Mario Martone z właściwą sobie precyzją i głębią psychologiczną kreśli portret kobiety, która śmiało wyprzedzała swoje czasy.
WOLNOŚĆ PO WŁOSKU | SENIOR W MUZIE
„Wolność po włosku” to elektryzujący portret wybitnej włoskiej pisarki Goliardy Sapienzy, jednej z najbardziej niezwykłych kobiet lat 80. – niepokornej outsiderki wymykającej się wszelkim kategoriom, która latami czekała na odkrycie. Prezentowany na MFF w Cannes, najnowszy film Mario Martone („Nostalgia”) to opowieść o przyjaźni, siostrzeństwie i potrzebie wolności.
Bohaterka filmu to dojrzała, wyzwolona kobieta – złodziejka, kochanka i niespełniona pisarka. Aby związać koniec z końcem, Goliarda (Valeria Golino) jest w stanie wiele zaryzykować. Gdy w końcu trafia do więzienia, zaprzyjaźnia się z młodszymi od siebie kobietami. Po wyjściu na wolność, w trakcie upalnego rzymskiego lata, dzięki nim odrodzi się na nowo. Na tle burzliwych realiów Włoch lat 80., w cieniu ideologii, represji i rozczarowań, „Wolność po włosku” stawia pytanie o możliwość autentycznej wolności. Czy kobieta może odnaleźć swoje miejsce w świecie, który próbuje ją zamknąć w jednej z patriarchalnych ról?
Goliarda Sapienza to jedna z najwybitniejszych współczesnych włoskich pisarek, której status kultowej przyniosła wydana dopiero pośmiertnie powieść „Sztuka radości”. Portretowana w „Wolności po włosku” przez ikonę włoskiego kina, Valerię Golino, Sapienza nie traciła z oczu swojej wrażliwości i pasji, a przede wszystkim nie dała sobie odebrać prawa do życia na własnych zasadach. Golino umiejętnie pokazuje sprzeczności, które łączyła w sobie jej bohaterka: intelekt i zmysłowość, brawurę i czułość, melancholię i bunt. Mario Martone z właściwą sobie precyzją i głębią psychologiczną kreśli portret kobiety, która śmiało wyprzedzała swoje czasy.
Bohaterka filmu to dojrzała, wyzwolona kobieta – złodziejka, kochanka i niespełniona pisarka. Aby związać koniec z końcem, Goliarda (Valeria Golino) jest w stanie wiele zaryzykować. Gdy w końcu trafia do więzienia, zaprzyjaźnia się z młodszymi od siebie kobietami. Po wyjściu na wolność, w trakcie upalnego rzymskiego lata, dzięki nim odrodzi się na nowo. Na tle burzliwych realiów Włoch lat 80., w cieniu ideologii, represji i rozczarowań, „Wolność po włosku” stawia pytanie o możliwość autentycznej wolności. Czy kobieta może odnaleźć swoje miejsce w świecie, który próbuje ją zamknąć w jednej z patriarchalnych ról?
Goliarda Sapienza to jedna z najwybitniejszych współczesnych włoskich pisarek, której status kultowej przyniosła wydana dopiero pośmiertnie powieść „Sztuka radości”. Portretowana w „Wolności po włosku” przez ikonę włoskiego kina, Valerię Golino, Sapienza nie traciła z oczu swojej wrażliwości i pasji, a przede wszystkim nie dała sobie odebrać prawa do życia na własnych zasadach. Golino umiejętnie pokazuje sprzeczności, które łączyła w sobie jej bohaterka: intelekt i zmysłowość, brawurę i czułość, melancholię i bunt. Mario Martone z właściwą sobie precyzją i głębią psychologiczną kreśli portret kobiety, która śmiało wyprzedzała swoje czasy.
WPATRUJĄC SIĘ W SŁOŃCE
Film przybliża losy czterech bohaterek – kobiet, które na przestrzeni ostatniego stulecia mieszkały w regionie Altmark w północnych Niemczech. W okresie Cesarstwa Niemieckiego dziesięcioletnia Alma dorasta w junkierskiej wielodzietnej rodzinie, otoczona siostrami i ludźmi pracującymi we dworze. Obserwuje patriarchalny system, w którym toczy się życie dorosłych, niewiele z niego rozumiejąc. Erika żyje w cieniu II wojny światowej, a gdy ta się kończy spogląda wstecz na swoje życie, nad brzegiem rzeki, w której zniknie wraz z innymi kobietami. Jej siostrzenica Angelika dorasta w dysfunkcyjnej NRD-owskiej rodzinie. Dziewczyna pragnąca zakosztować dorosłego życia przyciąga uwagę nie tylko swojego kuzyna, ale także jego ojca. Nelly i jej siostra Lena przyjechały do tego, podupadłego w międzyczasie, gospodarstwa z Berlina już po zjednoczeniu Niemiec. Dziewczynkę prześladują sny, w których pojawiają się wydarzenia z przeszłości, a kiedy wydarzy się tragiczny wypadek, granice między przeszłością a teraźniejszością całkowicie się zacierają.
Historia opowiadana przez Maschę Schilinski, ma formę mozaiki i jest opowieścią o duchach z przeszłości, w której wszystko, co skrywane, tłumione i wyparte, tkwi w świadomości i wcześniej czy później daje o sobie znać. Fizyczna i psychiczna przemoc wobec kobiet, ich ucisk i dyskryminacja pojawiają się mimochodem, ale zawsze mają wpływ na losy bohaterek filmu.
Po premierze na festiwalu w Cannes krytycy zwracali też uwagę na niezwykły wizualny styl filmowego obrazu, ziarnistość kadru czy wysmakowane zdjęcia kręcone kamerą otworkową. Fotografia jest też centralnym motywem tej historii: dokumentem epoki, narzędziem pamięci, medium do przywoływania przeszłości i obiektem, wokół którego toczy się ta opowieść.
Mascha Schilinski, ur. 1984 w Berlinie Zachodnim. W 2008 roku ukończyła kurs mistrzowski scenopisarstwa w Szkole Filmowej w Hamburgu. Po przeprowadzce do Berlina, pracowała jako niezależna scenarzystka seriali i filmów telewizyjnych. Zadebiutowała filmem Die Tochter (2017). Później pracowała jako kierownik obsady w agencji aktorskiej Gesichter w Poczdamie-Babelsbergu. Jest wykładowczynią w projekcie „Film macht Schule” (Film Tworzy Szkołę), inicjatywie, w ramach której filmowcy przekazują swoją wiedzę młodszym pokoleniom. Jej drugi film pełnometrażowy Wpatrując się w słońce (2025) zdobył Nagrodę Jury podczas festiwalu filmowego w Cannes.
Historia opowiadana przez Maschę Schilinski, ma formę mozaiki i jest opowieścią o duchach z przeszłości, w której wszystko, co skrywane, tłumione i wyparte, tkwi w świadomości i wcześniej czy później daje o sobie znać. Fizyczna i psychiczna przemoc wobec kobiet, ich ucisk i dyskryminacja pojawiają się mimochodem, ale zawsze mają wpływ na losy bohaterek filmu.
Po premierze na festiwalu w Cannes krytycy zwracali też uwagę na niezwykły wizualny styl filmowego obrazu, ziarnistość kadru czy wysmakowane zdjęcia kręcone kamerą otworkową. Fotografia jest też centralnym motywem tej historii: dokumentem epoki, narzędziem pamięci, medium do przywoływania przeszłości i obiektem, wokół którego toczy się ta opowieść.
Mascha Schilinski, ur. 1984 w Berlinie Zachodnim. W 2008 roku ukończyła kurs mistrzowski scenopisarstwa w Szkole Filmowej w Hamburgu. Po przeprowadzce do Berlina, pracowała jako niezależna scenarzystka seriali i filmów telewizyjnych. Zadebiutowała filmem Die Tochter (2017). Później pracowała jako kierownik obsady w agencji aktorskiej Gesichter w Poczdamie-Babelsbergu. Jest wykładowczynią w projekcie „Film macht Schule” (Film Tworzy Szkołę), inicjatywie, w ramach której filmowcy przekazują swoją wiedzę młodszym pokoleniom. Jej drugi film pełnometrażowy Wpatrując się w słońce (2025) zdobył Nagrodę Jury podczas festiwalu filmowego w Cannes.
WSPINACZKA | MDAG 2026
[PL]
Pięciokrotna mistrzyni USA i jedna z najwybitniejszych wspinaczek na świecie – Emily Harrington jako pierwsza kobieta wspięła się w mniej niż 24 godziny na El Capitan w Yosemite. To kultowy cel wspinaczy, osiągany do tej pory wyłącznie przez mężczyzn, którego zdobycie zwyczajowo zajmuje sprawnemu alpiniście 2–3 dni, a i tak tylko 60% prób kończy się sukcesem. Film, oparty na zjawiskowych obrazach kalifornijskiej formacji skalnej, opowiada o fenomenie wspinaczki, wytrwałości, determinacji i poświęceniu w przełamywaniu własnych barier, a także fizycznej i emocjonalnej walce z własnymi ograniczeniami i presją czasu. To wyzwanie jest jednak czymś więcej niż tylko zdobyciem masywu – to dowód, że płeć nie ma znaczenia w zetknięciu z wielkością i majestatem gór. W sporcie, od dawna zdominowanym przez mężczyzn, wyczyn Harrington, która zdobyła już Mount Everest i najwyższe szczyty na każdym kontynencie, redefiniuje granice w życiu i sporcie udowadniając, że wspinaczka to nie tylko męski sport.
[ENG]
Five-time U.S. champion and one of the world’s most outstanding climbers, Emily Harrington became the first woman to climb El Capitan in Yosemite in under 24 hours. This iconic objective, previously reached only by men, usually takes even a highly skilled alpinist 2–3 days, and only about 60% of attempts end in success. Based on spectacular images of the Californian rock formation, the film tells a story of the phenomenon of climbing, perseverance, determination, and sacrifice in overcoming personal barriers, as well as the physical and emotional struggle against one’s own limitations and the pressure of time. Yet this challenge is about more than just conquering a massif - it is proof that gender does not matter when confronted with the grandeur and majesty of the mountains. In a sport long dominated by men, Harrington’s achievement - having already summited Mount Everest and the highest peaks on every continent - redefines boundaries in life and sport, proving that climbing is not only a men’s sport.
Pięciokrotna mistrzyni USA i jedna z najwybitniejszych wspinaczek na świecie – Emily Harrington jako pierwsza kobieta wspięła się w mniej niż 24 godziny na El Capitan w Yosemite. To kultowy cel wspinaczy, osiągany do tej pory wyłącznie przez mężczyzn, którego zdobycie zwyczajowo zajmuje sprawnemu alpiniście 2–3 dni, a i tak tylko 60% prób kończy się sukcesem. Film, oparty na zjawiskowych obrazach kalifornijskiej formacji skalnej, opowiada o fenomenie wspinaczki, wytrwałości, determinacji i poświęceniu w przełamywaniu własnych barier, a także fizycznej i emocjonalnej walce z własnymi ograniczeniami i presją czasu. To wyzwanie jest jednak czymś więcej niż tylko zdobyciem masywu – to dowód, że płeć nie ma znaczenia w zetknięciu z wielkością i majestatem gór. W sporcie, od dawna zdominowanym przez mężczyzn, wyczyn Harrington, która zdobyła już Mount Everest i najwyższe szczyty na każdym kontynencie, redefiniuje granice w życiu i sporcie udowadniając, że wspinaczka to nie tylko męski sport.
[ENG]
Five-time U.S. champion and one of the world’s most outstanding climbers, Emily Harrington became the first woman to climb El Capitan in Yosemite in under 24 hours. This iconic objective, previously reached only by men, usually takes even a highly skilled alpinist 2–3 days, and only about 60% of attempts end in success. Based on spectacular images of the Californian rock formation, the film tells a story of the phenomenon of climbing, perseverance, determination, and sacrifice in overcoming personal barriers, as well as the physical and emotional struggle against one’s own limitations and the pressure of time. Yet this challenge is about more than just conquering a massif - it is proof that gender does not matter when confronted with the grandeur and majesty of the mountains. In a sport long dominated by men, Harrington’s achievement - having already summited Mount Everest and the highest peaks on every continent - redefines boundaries in life and sport, proving that climbing is not only a men’s sport.
WSZĘDZIE DOBRZE, WSZĘDZIE ŹLE | MDAG 2026
[PL]
32-letnia aspirująca artystka wychowana w Pekinie w latach 90., a dziś mieszkająca w Berlinie, funkcjonuje pomiędzy dwoma skrajnie różnymi światami: alternatywną, chaotyczną i progresywną sceną niemieckiej stolicy oraz tradycyjnym, konserwatywnym i uporządkowanym życiem rodzinnym w Chinach. Każdy powrót do domu oznacza dla niej konieczność ponownego zdefiniowania własnej tożsamości, ambicji i relacji z innymi. Film z lekkością i autoironią ukazuje doświadczenie kulturowego zderzenia światów – nieustannego dostosowywania się do sprzecznych norm, oczekiwań i wartości narzucanych przez Wschód i Zachód. Tytułowe „dwie góry” stają się metaforą ciężaru tych sprzecznych presji: z jednej strony wolności, indywidualizmu i artystycznego eksperymentu, z drugiej – tradycji, rodziny i lojalności wobec własnych korzeni. Łącząc osobistą perspektywę z uniwersalnym pytaniem o przynależność, film opowiada o migracji nie jako jednorazowym geście, lecz jako nieustannym procesie negocjowania swojego miejsca w zglobalizowanym, a zarazem głęboko spolaryzowanym świecie.
[ENG]
A 32-year-old Chinese aspiring artist, raised in Beijing in the 1990s and now living in Berlin, exists between two completely different worlds: the alternative, chaotic, and progressive scene of the German capital and the traditional, conservative, and orderly life of her family in China. Every return home forces her to redefine her identity, ambitions, and relationships. The film, with lightness and self‑irony, depicts the experience of cultural “whiplash” – the constant adjustment to conflicting norms, expectations, and values imposed by East and West. The titular “two mountains” serve as a metaphor for the weight of these opposing pressures: freedom, individualism, and artistic experimentation on one side, tradition, family, and loyalty to her roots on the other. Combining a personal perspective with a universal question of belonging, the film portrays migration not as a single act, but as an ongoing process of negotiating one’s place in a globalized yet deeply polarized world.
32-letnia aspirująca artystka wychowana w Pekinie w latach 90., a dziś mieszkająca w Berlinie, funkcjonuje pomiędzy dwoma skrajnie różnymi światami: alternatywną, chaotyczną i progresywną sceną niemieckiej stolicy oraz tradycyjnym, konserwatywnym i uporządkowanym życiem rodzinnym w Chinach. Każdy powrót do domu oznacza dla niej konieczność ponownego zdefiniowania własnej tożsamości, ambicji i relacji z innymi. Film z lekkością i autoironią ukazuje doświadczenie kulturowego zderzenia światów – nieustannego dostosowywania się do sprzecznych norm, oczekiwań i wartości narzucanych przez Wschód i Zachód. Tytułowe „dwie góry” stają się metaforą ciężaru tych sprzecznych presji: z jednej strony wolności, indywidualizmu i artystycznego eksperymentu, z drugiej – tradycji, rodziny i lojalności wobec własnych korzeni. Łącząc osobistą perspektywę z uniwersalnym pytaniem o przynależność, film opowiada o migracji nie jako jednorazowym geście, lecz jako nieustannym procesie negocjowania swojego miejsca w zglobalizowanym, a zarazem głęboko spolaryzowanym świecie.
[ENG]
A 32-year-old Chinese aspiring artist, raised in Beijing in the 1990s and now living in Berlin, exists between two completely different worlds: the alternative, chaotic, and progressive scene of the German capital and the traditional, conservative, and orderly life of her family in China. Every return home forces her to redefine her identity, ambitions, and relationships. The film, with lightness and self‑irony, depicts the experience of cultural “whiplash” – the constant adjustment to conflicting norms, expectations, and values imposed by East and West. The titular “two mountains” serve as a metaphor for the weight of these opposing pressures: freedom, individualism, and artistic experimentation on one side, tradition, family, and loyalty to her roots on the other. Combining a personal perspective with a universal question of belonging, the film portrays migration not as a single act, but as an ongoing process of negotiating one’s place in a globalized yet deeply polarized world.
WSZYSCY NA KENMURE STREET | MDAG 2026
[PL]
13 maja 2021 roku w dzielnicy Pollokshields w Glasgow, jednej z najbardziej zróżnicowanych społeczności w Szkocji, brytyjski Home Office przeprowadził rano nalot na dom dwóch Sikhów i próbował ich deportować. Natychmiast wywołało to sprzeciw sąsiadów, którzy zorganizowali masowy protest i ruszyli na Kenmure Street, by temu zapobiec. Wkrótce dołączyli do nich inni mieszkańcy, przyciągnięci przez media społecznościowe. Otoczyli pojazd służb imigracyjnych, blokując go przez wiele godzin, co doprowadziło do zatrzymania ulicy i w efekcie uwolnienia mężczyzn. Film dokumentuje ten spontaniczny akt obywatelskiego oporu i ducha walki z establishmentem. Łączy nagrania nadesłane przez uczestników protestu, materiały archiwalne oraz sceny odtworzone na podstawie relacji świadków, oddając atmosferę tej wyjątkowej, ośmiogodzinnej konfrontacji. Pokazuje siłę społecznej solidarności oraz skuteczność pokojowego protestu i wspólnego działania.
[ENG]
On the morning of 13 May 2021, in Pollokshields, Glasgow – one of Scotland’s most diverse communities – the British Home Office raided the home of two Sikhs and attempted to deport them. This immediately sparked opposition from neighbors, who organized a mass protest and marched to Kenmure Street to intervene. Soon, more residents joined, drawn by social media. They surrounded the immigration vehicle, blocking it for several hours, effectively stopping the street and ultimately securing the release of the men. The film captures this spontaneous act of civic resistance and the spirit of defiance against the establishment. It combines footage submitted by protest participants, archival materials, and reenactments based on witness accounts, conveying the atmosphere of this extraordinary eight-hour confrontation. It highlights the power of community solidarity and the effectiveness of peaceful, collective action.
13 maja 2021 roku w dzielnicy Pollokshields w Glasgow, jednej z najbardziej zróżnicowanych społeczności w Szkocji, brytyjski Home Office przeprowadził rano nalot na dom dwóch Sikhów i próbował ich deportować. Natychmiast wywołało to sprzeciw sąsiadów, którzy zorganizowali masowy protest i ruszyli na Kenmure Street, by temu zapobiec. Wkrótce dołączyli do nich inni mieszkańcy, przyciągnięci przez media społecznościowe. Otoczyli pojazd służb imigracyjnych, blokując go przez wiele godzin, co doprowadziło do zatrzymania ulicy i w efekcie uwolnienia mężczyzn. Film dokumentuje ten spontaniczny akt obywatelskiego oporu i ducha walki z establishmentem. Łączy nagrania nadesłane przez uczestników protestu, materiały archiwalne oraz sceny odtworzone na podstawie relacji świadków, oddając atmosferę tej wyjątkowej, ośmiogodzinnej konfrontacji. Pokazuje siłę społecznej solidarności oraz skuteczność pokojowego protestu i wspólnego działania.
[ENG]
On the morning of 13 May 2021, in Pollokshields, Glasgow – one of Scotland’s most diverse communities – the British Home Office raided the home of two Sikhs and attempted to deport them. This immediately sparked opposition from neighbors, who organized a mass protest and marched to Kenmure Street to intervene. Soon, more residents joined, drawn by social media. They surrounded the immigration vehicle, blocking it for several hours, effectively stopping the street and ultimately securing the release of the men. The film captures this spontaneous act of civic resistance and the spirit of defiance against the establishment. It combines footage submitted by protest participants, archival materials, and reenactments based on witness accounts, conveying the atmosphere of this extraordinary eight-hour confrontation. It highlights the power of community solidarity and the effectiveness of peaceful, collective action.
WSZYSTKO NA SPRZEDAŻ | WAJDA: RE-WIZJE
W trakcie realizacji pewnego filmu aktor grający w nim główną rolę opuszcza plan filmowy i nie wraca na zdjęcia. Reżyser (Andrzej Łapicki) organizuje dalszą pracę nad filmem, jeździ samochodem po Warszawie i jej okolicach, spotyka się kolejno z żoną (Beata Tyszkiewicz), dawną partnerką Aktora (Elżbieta Czyżewska) oraz przyjacielem (Daniel Olbrychski), próbując zrozumieć przyczyny ucieczki i jednocześnie znaleźć sposób na dokończenie filmu. Coraz bardziej zagubiony i bezradny, czuje coraz większą obcość względem środowiskowych koterii, towarzyskich animozji i kłamstwa, w którym pławią się członkowie ekipy. Nad ranem dociera do bohaterów informacja o tragicznej śmierci aktora. Film trzeba jednak kręcić dalej.
Wszystko na sprzedaż to autotematyczna opowieść o utracie przyjaciela i wielkiego aktora. W tym bardzo osobistym filmie, do którego Wajda po raz pierwszy samodzielnie napisał oryginalny scenariusz, reżyser snuje refleksję nad fenomenem Zbigniewa Cybulskiego, portretuje rodzime środowisko filmowe oraz – jedyny raz w tak bezpośredni sposób – mówi o samym sobie. W alter ego Wajdy wcielił się Andrzej Łapicki, a pozostali aktorzy nasycają swoje postaci własnymi doświadczeniami i cechami charakterów. Dzięki temu Wszystko na sprzedaż staje się intymną, ale zarazem brawurowo nakręconą, ekspresyjną i najbardziej modernistyczną w karierze Wajdy odpowiedzią na słowa, które o reżyserze miał wygłosić niedługo przed śmiercią Cybulski: „powiedzcie mu, że jeszcze za mną zatęskni”.
[ENG]
During the film production, the actor playing the leading role suddenly leaves the set and never returns. The director (Andrzej Łapicki) tries to keep the project alive, driving through Warsaw and its surroundings and meeting, one after another, the actor’s wife (Beata Tyszkiewicz), his former partner (Elżbieta Czyżewska), and a close friend (Daniel Olbrychski), attempting both to understand the reasons for the disappearance and to find a way to complete the film. Increasingly lost and helpless, he feels ever more alienated from the cliques, social rivalries, and pervasive lies of the film community. By dawn, news reaches the characters of the actor’s tragic death—but the film must go on.
Everything for Sale is a self-reflective story about the loss of a friend and a great actor. In this deeply personal work, for which Wajda wrote an original screenplay on his own for the first time, the director considers the phenomenon of Zbigniew Cybulski, portrays the Polish film milieu, and—more directly than ever before—speaks about himself. Wajda’s alter ego is played by Andrzej Łapicki, while the remaining actors infuse their roles with their own experiences and personality traits. As a result, Everything for Sale becomes an intimate yet boldly shot, expressive, and the most overtly modernist film of Wajda’s career—a cinematic response to the words Cybulski was said to have uttered shortly before his death: “Tell him he’ll miss me yet.”
Wszystko na sprzedaż to autotematyczna opowieść o utracie przyjaciela i wielkiego aktora. W tym bardzo osobistym filmie, do którego Wajda po raz pierwszy samodzielnie napisał oryginalny scenariusz, reżyser snuje refleksję nad fenomenem Zbigniewa Cybulskiego, portretuje rodzime środowisko filmowe oraz – jedyny raz w tak bezpośredni sposób – mówi o samym sobie. W alter ego Wajdy wcielił się Andrzej Łapicki, a pozostali aktorzy nasycają swoje postaci własnymi doświadczeniami i cechami charakterów. Dzięki temu Wszystko na sprzedaż staje się intymną, ale zarazem brawurowo nakręconą, ekspresyjną i najbardziej modernistyczną w karierze Wajdy odpowiedzią na słowa, które o reżyserze miał wygłosić niedługo przed śmiercią Cybulski: „powiedzcie mu, że jeszcze za mną zatęskni”.
[ENG]
During the film production, the actor playing the leading role suddenly leaves the set and never returns. The director (Andrzej Łapicki) tries to keep the project alive, driving through Warsaw and its surroundings and meeting, one after another, the actor’s wife (Beata Tyszkiewicz), his former partner (Elżbieta Czyżewska), and a close friend (Daniel Olbrychski), attempting both to understand the reasons for the disappearance and to find a way to complete the film. Increasingly lost and helpless, he feels ever more alienated from the cliques, social rivalries, and pervasive lies of the film community. By dawn, news reaches the characters of the actor’s tragic death—but the film must go on.
Everything for Sale is a self-reflective story about the loss of a friend and a great actor. In this deeply personal work, for which Wajda wrote an original screenplay on his own for the first time, the director considers the phenomenon of Zbigniew Cybulski, portrays the Polish film milieu, and—more directly than ever before—speaks about himself. Wajda’s alter ego is played by Andrzej Łapicki, while the remaining actors infuse their roles with their own experiences and personality traits. As a result, Everything for Sale becomes an intimate yet boldly shot, expressive, and the most overtly modernist film of Wajda’s career—a cinematic response to the words Cybulski was said to have uttered shortly before his death: “Tell him he’ll miss me yet.”
WSZYSTKO, CO SIĘ ŚWIECI | MDAG 2026
[PL]
Biolożka morska dr Edie Widder wyrusza w przełomową podróż, aby odkryć tajemnicze światło bioluminescencji – zjawisko pozwalające organizmom morskim komunikować się i przetrwać w absolutnej ciemności oceanicznych głębin. Jako jedna z pierwszych kobiet w swojej dziedzinie Widder zmieniła postrzeganie głębin morskich – dawniej uznawanych za ciemną pustkę, dziś jako tętniący życiem i światłem świat. Film dokumentuje jej najśmielszy projekt: zjazd na głębokość ponad 1000 metrów w poszukiwaniu zjawiska „flashback”, czyli odpowiedzi świetlnej organizmów. Obserwujemy pionierską pracę Widder – od momentu, gdy po raz pierwszy uchwyciła światło bioluminescencji, przez tworzenie specjalnych kamer umożliwiających filmowanie bez zakłócania zjawiska, po pokonywanie trudności technicznych i ekstremalnego ciśnienia głębinowego. Jej badania odsłoniły „strefę zmierzchu” oceanu i zrewolucjonizowały nasze rozumienie życia w głębinach. Film łączy zapierające dech w piersiach zdjęcia 4K głębin morskich z bogatym materiałem archiwalnym, pokazując pasję, odwagę i wytrwałość Widder w eksploracji najciemniejszych zakątków planety.
[ENG]
Marine biologist Dr. Edie Widder embarks on a groundbreaking journey to uncover the mysterious light of bioluminescence – a phenomenon that allows marine organisms to communicate and survive in the absolute darkness of the ocean’s depths. As one of the first women in her field, Widder transformed our understanding of the deep sea – once perceived as a dark void, now revealed as a vibrant world of life and light.
The film follows her boldest project: a dive to over 1,000 meters in search of the “flashback” phenomenon, a light response emitted by marine organisms. Viewers witness Widder’s pioneering work – from capturing bioluminescence for the first time, to designing specialized cameras that film without disturbing the organisms, and overcoming technical and environmental challenges of extreme deep-sea pressure. Her research unveiled the ocean’s “twilight zone” and revolutionized how we understand life in the deep. Combining breathtaking 4K footage with archival material, the film showcases Widder’s passion, courage, and persistence as she explores the planet’s darkest depths.
Biolożka morska dr Edie Widder wyrusza w przełomową podróż, aby odkryć tajemnicze światło bioluminescencji – zjawisko pozwalające organizmom morskim komunikować się i przetrwać w absolutnej ciemności oceanicznych głębin. Jako jedna z pierwszych kobiet w swojej dziedzinie Widder zmieniła postrzeganie głębin morskich – dawniej uznawanych za ciemną pustkę, dziś jako tętniący życiem i światłem świat. Film dokumentuje jej najśmielszy projekt: zjazd na głębokość ponad 1000 metrów w poszukiwaniu zjawiska „flashback”, czyli odpowiedzi świetlnej organizmów. Obserwujemy pionierską pracę Widder – od momentu, gdy po raz pierwszy uchwyciła światło bioluminescencji, przez tworzenie specjalnych kamer umożliwiających filmowanie bez zakłócania zjawiska, po pokonywanie trudności technicznych i ekstremalnego ciśnienia głębinowego. Jej badania odsłoniły „strefę zmierzchu” oceanu i zrewolucjonizowały nasze rozumienie życia w głębinach. Film łączy zapierające dech w piersiach zdjęcia 4K głębin morskich z bogatym materiałem archiwalnym, pokazując pasję, odwagę i wytrwałość Widder w eksploracji najciemniejszych zakątków planety.
[ENG]
Marine biologist Dr. Edie Widder embarks on a groundbreaking journey to uncover the mysterious light of bioluminescence – a phenomenon that allows marine organisms to communicate and survive in the absolute darkness of the ocean’s depths. As one of the first women in her field, Widder transformed our understanding of the deep sea – once perceived as a dark void, now revealed as a vibrant world of life and light.
The film follows her boldest project: a dive to over 1,000 meters in search of the “flashback” phenomenon, a light response emitted by marine organisms. Viewers witness Widder’s pioneering work – from capturing bioluminescence for the first time, to designing specialized cameras that film without disturbing the organisms, and overcoming technical and environmental challenges of extreme deep-sea pressure. Her research unveiled the ocean’s “twilight zone” and revolutionized how we understand life in the deep. Combining breathtaking 4K footage with archival material, the film showcases Widder’s passion, courage, and persistence as she explores the planet’s darkest depths.
WYZNANIA PIEPRZYKA | MDAG 2026
[PL]
Po siedmiu latach spędzonych za granicą, w Polsce, chińska reżyserka Mo Tan wraca do domu na Księżycowy Nowy Rok, by ponownie poczuć emocjonalny wpływ swojej rodziny. Kiedy wróżka ostrzega ją, że pieprzyk na twarzy przyniesie jej nieszczęście, rodzice nalegają, by go usunęła. Mo odmawia, ale ich obsesja, pogłębiona przez rozbitą dynamikę rodziny i rozpadającą się relację, zaczyna doprowadzać Mo na skraj przepaści. Diagnoza raka piersi zmusza ją do konfrontacji zarówno z własną śmiertelnością, jak i niepokojącą możliwością, że jej los może być przesądzony. Łącząc surową dokumentalną intymność z animacjami poklatkowymi i tragikomicznym tonem, „Wyznania pieprzyka” zgłębiają tradycję, chorobę i pokoleniowe rany, które odbijają się echem w rodzinach. To historia rodziny walczącej o odbudowanie więzi, zrozumienie przeszłości i odnalezienie miłości w długim cieniu traumy.
[ENG]
After seven years abroad in Poland, Chinese filmmaker Mo Tan returns home for the Lunar New Year, only to be drawn back into the emotional pull of her family. When a fortune teller warns that a mole on her face will bring misfortune, her parents insist she have it removed. Mo refuses, but their fixation, compounded by a fractured family dynamic and her own unraveling relationship, begins to push her to the brink. A breast cancer diagnosis forces her to confront both her mortality and the unsettling possibility that fate might be real. Blending raw documentary intimacy with stop-motion animations and a tragicomic tone, “Confessions of a Mole” explores tradition, illness, and the generational wounds that echo through families. It’s a story of a family struggling to reconnect, make sense of the past, and rediscover love in the long shadow of trauma.
Po siedmiu latach spędzonych za granicą, w Polsce, chińska reżyserka Mo Tan wraca do domu na Księżycowy Nowy Rok, by ponownie poczuć emocjonalny wpływ swojej rodziny. Kiedy wróżka ostrzega ją, że pieprzyk na twarzy przyniesie jej nieszczęście, rodzice nalegają, by go usunęła. Mo odmawia, ale ich obsesja, pogłębiona przez rozbitą dynamikę rodziny i rozpadającą się relację, zaczyna doprowadzać Mo na skraj przepaści. Diagnoza raka piersi zmusza ją do konfrontacji zarówno z własną śmiertelnością, jak i niepokojącą możliwością, że jej los może być przesądzony. Łącząc surową dokumentalną intymność z animacjami poklatkowymi i tragikomicznym tonem, „Wyznania pieprzyka” zgłębiają tradycję, chorobę i pokoleniowe rany, które odbijają się echem w rodzinach. To historia rodziny walczącej o odbudowanie więzi, zrozumienie przeszłości i odnalezienie miłości w długim cieniu traumy.
[ENG]
After seven years abroad in Poland, Chinese filmmaker Mo Tan returns home for the Lunar New Year, only to be drawn back into the emotional pull of her family. When a fortune teller warns that a mole on her face will bring misfortune, her parents insist she have it removed. Mo refuses, but their fixation, compounded by a fractured family dynamic and her own unraveling relationship, begins to push her to the brink. A breast cancer diagnosis forces her to confront both her mortality and the unsettling possibility that fate might be real. Blending raw documentary intimacy with stop-motion animations and a tragicomic tone, “Confessions of a Mole” explores tradition, illness, and the generational wounds that echo through families. It’s a story of a family struggling to reconnect, make sense of the past, and rediscover love in the long shadow of trauma.
WYZNANIA SZWEDZKIEGO MĘŻCZYZNY | MDAG 2026
[PL]
Szwedzki samotny ojciec i feminista udaje się na konserwatywny męski zjazd w Danii. Zastanawia się, dlaczego takie spotkania są potrzebne, próbując zrozumieć gniew uczestniczących w nich mężczyzn. Jego podróż przeradza się w osobisty kryzys, w którym kwestionuje swoją rolę jako mężczyzny, taty oraz relację z własnym ojcem. Rozpoczyna się sześć lat zanurzenia w tzw. „manosferze”, które prowadzi go do fundamentalnej refleksji: co dzieje się z mężczyzną – a właściwie z każdym człowiekiem – gdy kwestionuje się pojęcie męskości? Film przedstawia internetową przestrzeń, w której ultramęskie narracje, mizoginia i poczucie krzywdy rozprzestrzeniają się poprzez media społecznościowe i fora dyskusyjne. Pokazuje, jak działa wspólnota, która zamiast budować dialog, pogłębia frustrację oraz agresję wobec kobiet i zmieniających się ról płciowych.
[ENG]
The Swedish single father and self-proclaimed feminist travels to a conservative men’s retreat in Denmark. He wonders why such gatherings exist, attempts to understand the anger of the men there, and confronts his own. His journey turns into a personal crisis, questioning his role as a man, as a father, and his relationship with his own father. Over six years immersed in the so-called “manosphere,” he arrives at a fundamental reflection: what happens to a man – or any human being – when the notion of masculinity is challenged? The film portrays the online world where hyper-masculine narratives, misogyny, and grievances spread through social media and discussion forums. It shows how these communities, instead of fostering dialogue, deepen frustration and aggression toward women and changing gender roles.
Szwedzki samotny ojciec i feminista udaje się na konserwatywny męski zjazd w Danii. Zastanawia się, dlaczego takie spotkania są potrzebne, próbując zrozumieć gniew uczestniczących w nich mężczyzn. Jego podróż przeradza się w osobisty kryzys, w którym kwestionuje swoją rolę jako mężczyzny, taty oraz relację z własnym ojcem. Rozpoczyna się sześć lat zanurzenia w tzw. „manosferze”, które prowadzi go do fundamentalnej refleksji: co dzieje się z mężczyzną – a właściwie z każdym człowiekiem – gdy kwestionuje się pojęcie męskości? Film przedstawia internetową przestrzeń, w której ultramęskie narracje, mizoginia i poczucie krzywdy rozprzestrzeniają się poprzez media społecznościowe i fora dyskusyjne. Pokazuje, jak działa wspólnota, która zamiast budować dialog, pogłębia frustrację oraz agresję wobec kobiet i zmieniających się ról płciowych.
[ENG]
The Swedish single father and self-proclaimed feminist travels to a conservative men’s retreat in Denmark. He wonders why such gatherings exist, attempts to understand the anger of the men there, and confronts his own. His journey turns into a personal crisis, questioning his role as a man, as a father, and his relationship with his own father. Over six years immersed in the so-called “manosphere,” he arrives at a fundamental reflection: what happens to a man – or any human being – when the notion of masculinity is challenged? The film portrays the online world where hyper-masculine narratives, misogyny, and grievances spread through social media and discussion forums. It shows how these communities, instead of fostering dialogue, deepen frustration and aggression toward women and changing gender roles.
YANUNI | MDAG 2026
[PL]
Juma Xipaia, przywódczyni rdzennych mieszkańców Amazonii z plemienia Xipaya, wspięła się na stanowisko pierwszej Sekretarz ds. Praw Ludności Rdzennej w Brazylii pod rządami prezydenta Luli. Walcząc o prawa swojej społeczności i ochronę lasów deszczowych, przetrwała sześć prób zamachu na życie, nieustannie stawiając czoła nielegalnemu wydobyciu złota, grabieżcom ziemi i chciwym korporacjom. Film ukazuje także jej relację z mężem, Hugo Lossem, szefem Specjalnych Operacji w brazylijskiej agencji ochrony środowiska IBAMA, który prowadzi ryzykowne misje rozbijania nielegalnych obozów górniczych w sercu Amazonii. Ich wspólna walka nabiera głębi, gdy Juma odkrywa, że jest w ciąży, co zmusza ją do podjęcia ważnych życiowych decyzji. Pełen epickich zdjęć przyrody i bezkompromisowej walki o przyszłość planety film jest poruszającym apelem o ochronę największego lasu deszczowego świata i praw rdzennej ludności, która go zamieszkuje.
[ENG]
Juma Xipaia, a leader of the Xipaya people in the Amazon, rose to become Brazil’s first Secretary of Indigenous Rights under President Lula. In her fight for her people and the rainforest, she survived six assassination attempts, continuously confronting illegal gold mining, land grabbers, and corporate threats to her territory. The film also portrays her relationship with her husband, Hugo Loss, head of Special Operations at Brazil’s environmental agency IBAMA, who undertakes dangerous missions to dismantle illegal mining camps deep in the Amazon. Their joint struggle gains new depth when Juma discovers she is pregnant, forcing her to make critical life decisions. Filled with epic images of nature and uncompromising activism for the planet’s future, the film is a moving appeal for the protection of the world’s largest rainforest and the rights of its indigenous inhabitants.
Juma Xipaia, przywódczyni rdzennych mieszkańców Amazonii z plemienia Xipaya, wspięła się na stanowisko pierwszej Sekretarz ds. Praw Ludności Rdzennej w Brazylii pod rządami prezydenta Luli. Walcząc o prawa swojej społeczności i ochronę lasów deszczowych, przetrwała sześć prób zamachu na życie, nieustannie stawiając czoła nielegalnemu wydobyciu złota, grabieżcom ziemi i chciwym korporacjom. Film ukazuje także jej relację z mężem, Hugo Lossem, szefem Specjalnych Operacji w brazylijskiej agencji ochrony środowiska IBAMA, który prowadzi ryzykowne misje rozbijania nielegalnych obozów górniczych w sercu Amazonii. Ich wspólna walka nabiera głębi, gdy Juma odkrywa, że jest w ciąży, co zmusza ją do podjęcia ważnych życiowych decyzji. Pełen epickich zdjęć przyrody i bezkompromisowej walki o przyszłość planety film jest poruszającym apelem o ochronę największego lasu deszczowego świata i praw rdzennej ludności, która go zamieszkuje.
[ENG]
Juma Xipaia, a leader of the Xipaya people in the Amazon, rose to become Brazil’s first Secretary of Indigenous Rights under President Lula. In her fight for her people and the rainforest, she survived six assassination attempts, continuously confronting illegal gold mining, land grabbers, and corporate threats to her territory. The film also portrays her relationship with her husband, Hugo Loss, head of Special Operations at Brazil’s environmental agency IBAMA, who undertakes dangerous missions to dismantle illegal mining camps deep in the Amazon. Their joint struggle gains new depth when Juma discovers she is pregnant, forcing her to make critical life decisions. Filled with epic images of nature and uncompromising activism for the planet’s future, the film is a moving appeal for the protection of the world’s largest rainforest and the rights of its indigenous inhabitants.
YO (MIŁOŚĆ JEST ZBUNTOWANYM PTAKIEM) | MDAG 2026
[PL]
Po śmierci przyjaciółki Anna przez dziesięć lat obsesyjnie odtwarza jej dom w skali 1:3 dla marionetki noszącej to samo imię. Gdy się poznały, Yo miała 73 lata, a Anna zaledwie 24 – mimo różnicy wieku połączyła je głęboka więź, która z czasem stała się fundamentem ich relacji. Tworząc miniaturową przestrzeń, Anna buduje świat, w którym historie mogą trwać, a ich bliskość nadal się rozwija. Film splata intymną rzeczywistość ostatniego roku życia Yo z twórczą reinterpretacją jej dramatycznych doświadczeń. Yo żyła na własnych zasadach, podważając społeczne oczekiwania wobec seksualności, macierzyństwa, starzenia się i śmierci. Zacierając granice pamięci, czasu i wyobraźni, film ukazuje siłę artystycznej kreacji jako sposobu przeżywania i dzielenia się żałobą oraz miłością.
[ENG]
Following the death of her friend Yo, Anna obsessively recreates her house at a 1:3 scale for a marionette bearing the same name. When they met, Yo was 73 and Anna only 24 - despite the age difference, they formed a deep bond that became the foundation of their relationship. By constructing this miniature space, Anna creates a world where Yo’s stories can continue and their closeness can endure. The film interlaces the intimate reality of Yo’s final year with a creative reinterpretation of her dramatic life. Yo lived on her own terms, challenging expectations around sexuality, motherhood, aging, and death. Blurring the boundaries between memory, time, and imagination, the film reveals the power of artistic creation as a way to process and share grief and love.
Po śmierci przyjaciółki Anna przez dziesięć lat obsesyjnie odtwarza jej dom w skali 1:3 dla marionetki noszącej to samo imię. Gdy się poznały, Yo miała 73 lata, a Anna zaledwie 24 – mimo różnicy wieku połączyła je głęboka więź, która z czasem stała się fundamentem ich relacji. Tworząc miniaturową przestrzeń, Anna buduje świat, w którym historie mogą trwać, a ich bliskość nadal się rozwija. Film splata intymną rzeczywistość ostatniego roku życia Yo z twórczą reinterpretacją jej dramatycznych doświadczeń. Yo żyła na własnych zasadach, podważając społeczne oczekiwania wobec seksualności, macierzyństwa, starzenia się i śmierci. Zacierając granice pamięci, czasu i wyobraźni, film ukazuje siłę artystycznej kreacji jako sposobu przeżywania i dzielenia się żałobą oraz miłością.
[ENG]
Following the death of her friend Yo, Anna obsessively recreates her house at a 1:3 scale for a marionette bearing the same name. When they met, Yo was 73 and Anna only 24 - despite the age difference, they formed a deep bond that became the foundation of their relationship. By constructing this miniature space, Anna creates a world where Yo’s stories can continue and their closeness can endure. The film interlaces the intimate reality of Yo’s final year with a creative reinterpretation of her dramatic life. Yo lived on her own terms, challenging expectations around sexuality, motherhood, aging, and death. Blurring the boundaries between memory, time, and imagination, the film reveals the power of artistic creation as a way to process and share grief and love.
Jeśli chcesz na bieżąco otrzymywać informacje o wydarzeniach, zapisz się do NEWSLETTERA.
Wysyłamy tylko istotne informacje o nowościach, zmianach lub odwołanych wydarzenia.