Repertuar
Wybierz tytuł lub przejdź do strony z kalendarium
500 mil
500 mil to ciepły, poruszający film drogi laureata BAFT-y Morgana Matthewsa, w którym subtelny humor przeplata się ze wzruszeniem, a historia przywodzi na myśl wrażliwość Billy’ego Elliota i emocjonalną szczerość Był sobie chłopiec.
Nastoletni Finn (Roman Griffin Davis, znany z Jojo Rabbit) i jego młodszy brat Charlie (Dexter Sol Ansell, Rycerz siedmiu królestw) uciekają z domu, by uniknąć rozdzielenia po rozstaniu rodziców. Ich celem jest dzikie zachodnie wybrzeże Irlandii oraz dom ukochanego dziadka Johna (Bill Nighy, To właśnie miłość) – ostatnia bezpieczna przystań w ich rozpadającym się świecie.
Przed nimi 500 mil niełatwej podróży, podczas której muszą polegać na sprycie, uroku osobistym i życzliwości napotkanych ludzi – zwłaszcza wolnej duchem ulicznej muzykantki Cáit (Maisie Williams, Gra o tron).
500 mil to jednak coś więcej niż film drogi. To szczera, pozbawiona fałszywej nuty i głęboko refleksyjna opowieść o rodzinie, nadziei i potrzebie bliskości, która w finale nabiera nowego znaczenia i sprawia, że po seansie wraca się myślami do pierwszych scen.
Nastoletni Finn (Roman Griffin Davis, znany z Jojo Rabbit) i jego młodszy brat Charlie (Dexter Sol Ansell, Rycerz siedmiu królestw) uciekają z domu, by uniknąć rozdzielenia po rozstaniu rodziców. Ich celem jest dzikie zachodnie wybrzeże Irlandii oraz dom ukochanego dziadka Johna (Bill Nighy, To właśnie miłość) – ostatnia bezpieczna przystań w ich rozpadającym się świecie.
Przed nimi 500 mil niełatwej podróży, podczas której muszą polegać na sprycie, uroku osobistym i życzliwości napotkanych ludzi – zwłaszcza wolnej duchem ulicznej muzykantki Cáit (Maisie Williams, Gra o tron).
500 mil to jednak coś więcej niż film drogi. To szczera, pozbawiona fałszywej nuty i głęboko refleksyjna opowieść o rodzinie, nadziei i potrzebie bliskości, która w finale nabiera nowego znaczenia i sprawia, że po seansie wraca się myślami do pierwszych scen.
ANATOMIA UPADKU | DKF KAMERA
Życie szczęśliwej rodziny we francuskich Alpach zostaje przerwane, gdy Samuel ginie w wyniku upadku. Skoczył sam, poślizgnął się czy może z balkonu wypchnęła go Sandra, żona i matka? Śledczym brakuje dowodów, w sprawie brakuje świadków. Na oczach opinii publicznej Sandra będzie musiała spowiadać się z najdrobniejszych i najintymniejszych szczegółów swojego małżeństwa, które mogą zaważyć o wyroku. Proces, który nurtuje wszystkich, toczy się również w głowach widzów, a pytanie jest oczywiste i brzmi: "Czy to zrobiła?".
Prowadzenie: Dominika Stachowiak, Anna Czerwińska
Prowadzenie: Dominika Stachowiak, Anna Czerwińska
BARANEK SHAUN I KUDŁATA BESTIA | DZIECIAKI, DO KINA!
W wieczór Halloween na farmie Mossy Bottom ekscytacja przeradza się w przerażenie, gdy niezdarny Farmer niszczy pole dyniowe. Shaun próbuje naprawić to za pomocą eksperymentów naukowych, ale sytuacja wymyka się spod kontroli, gdy w lesie pojawia się dzika bestia...
BASIA. RADZĘ SOBIE | PORANEK RODZINNY
Basia zawsze jest sobą. Zadaje dużo pytań i szuka odpowiedzi. Mówi, co myśli, i jest pełna zaraźliwej radości życia. Zawsze gotowa do zabawy, nie może się doczekać rodzinnego wyjazdu na grzyby! Nawet niepewne sytuacje, jak nagły remont mieszkania, nowa opiekunka, czy nauka jazdy na nartach, nie są jej straszne. Dlaczego? Bo Basia radzi sobie ze wszystkim! Serial „Basia” to adaptacja uwielbianych książek Zofii Staneckiej i Marianny Oklejak. Przedstawione w nim przygody zachęcają do odwagi w byciu sobą oraz uczą poszanowania dla świata. Odcinki, które zobaczymy w trakcie seansu: Basia i remont, Basia i wyprawa na grzyby, Basia i opiekunka, Basia i telefon, Basia i narty
BEST OF ANNECY 2026 | ANIMUZA
The Annecy International Animation Film Festival traverses the world far and wide with its “Best of Annecy 2026” program combining a selection of shorts, mainly winning films from the latest Festival with one tailor-made opening sequence by second year students from GOBELINS Paris.
Międzynarodowy Festiwal Filmów Animowanych w Annecy dociera do najodleglejszych zakątków świata dzięki programowi „Best of Annecy 2026”, który łączy najlepsze festiwalowe filmy krótkometrażowe – głównie zwycięzców ostatniej edycji – ze specjalnie przygotowaną sekwencją otwierającą, stworzoną przez studentów i studentki II roku paryskiej szkoły GOBELINS.
PROGRAM (73 min.):
1. La chambre aux coccinelles, GOBELINS Paris – Léana COURTOIS, Rachel Marazano, Adrienne MOURIER, Elio Nicoletti, Paola PITASSI, Capucine VILLAR, France 2026, 0’45”
A child moves from world to world, each representing a film genre, and grows up through her discoveries.
Bohaterka przemieszcza się z jednego świata do drugiego, z których każdy reprezentuje inny gatunek filmowy. Dzięki swoim odkryciom dorasta.
2. My Bellyaching Skin / Les Pelures d'estomac, Étienne BONNET, France 2026, 6’12”
When my body suddenly started breaking out in a rash, I naturally assumed at first that it was a skin problem. But what if the cause of my itching was actually something to do with my stomach?
Kiedy na moim ciele nagle pojawiła się wysypka, na początku naturalnie założyłem, że to problem skórny. A co, jeśli przyczyna mojego swędzenia wiązała się w rzeczywistości z moim żołądkiem?
3. Dying Embers / Les Dernières Braises, Léa PULINI, France 2025, 4’01”
Magdelaine and her grandmother live a secluded life in their inn in the middle of the mountains. One cold night, as a violent storm rages outside, a traveler knocks at the door.
Magdelaine i jej babcia prowadzą ustronne życie w zajeździe położonym w samym sercu gór. Pewnej mroźnej nocy, gdy na zewnątrz szaleje gwałtowna burza, do drzwi puka podróżny.
4. Blessed, Birute SODEIKAITE, Sweden, Canada 2025, 7’42”
A tough, no-nonsense Buffalo has always seen himself as strong and fearless. But when his dream of fatherhood comes true, he's suddenly awkward, overwhelmed, and under constant judgment. Can he become the father he's always imagined or will his fears hold him back?
Buffalo zawsze uważał się za silnego i nieustraszonego. Jednak gdy spełnia się jego marzenie o ojcostwie, nagle staje się nieporadny, przytłoczony i nieustannie poddawany ocenie. Czy uda mu się stać się ojcem, o jakim zawsze marzył, czy też jego obawy go powstrzymają?
5. God Is Shy / Dieu est timide, Jocelyn CHARLES, France 2025, 15’34”
While travelling by train, Ariel and Paul are having some fun drawing their greatest fears when Gilda, a mysterious passenger, sits down with them and joins in. However, her own experience of fear does not seem to be as innocent as their drawings.
Podczas podróży pociągiem Ariel i Paul bawią się, rysując swoje największe lęki. Dołącza do nich Gilda, nieznajoma pasażerka. Okazuje się, że jej doświadczenia związane ze strachem nie są tak niewinne, jak rysunki Ariela i Paula.
6. CORE DUMP, Alona RODEH, Germany 2025, 6’06”
A surreal swarm of drones is scavenging for e-waste. Drawing on the speculative frameworks of climate fiction the film addresses the geopolitics of waste. It contemplates current warfare and the entanglement of ecological and geopolitical conditions.
Surrealistyczny rój dronów zbiera odpady elektroniczne. Czerpiąc z spekulatywnych ram literatury klimatycznej, film porusza temat geopolityki odpadów. Zastanawia się nad współczesnymi konfliktami zbrojnymi oraz powiązaniami między uwarunkowaniami ekologicznymi a geopolitycznymi.
7. Eclosión, Luis MORILLO, Dominican Republic, Spain 2026, 12’33”
In a forgotten lab, a brilliant, obsessed inventor creates the Hatchling. Fragile yet promising, it becomes both cherished and tested. As care turns to control, the film questions the cost of perfection and whether love can outlast obsession.
W zapomnianym laboratorium genialny, opętany obsesją wynalazca tworzy istotę o imieniu Hatchling. Jest ona tak samo delikatna, jak obiecująca. Staje się jednocześnie przedmiotem czułości i prób. Gdy troska przeradza się w kontrolę, film stawia pytanie o cenę doskonałości oraz o to, czy miłość może przetrwać obsesję.
8. Ball Face, Laurence THÉRIEN, United Kingdom, Canada 2026, 4’32”
Life throws curveballs, how you react decides if you make it through. We follow an elementary schoolgirl terrified of sports who survives a chaotic ball game by bouncing a ball off her face. By the end of the game, she’s completely transformed.
Życie rzuca kłody pod nogi. To, jak na nie zareagujesz decyduje o tym, czy dasz sobie radę. Film śledzi losy uczennicy szkoły podstawowej, która panicznie boi się sportu, i która przetrwała chaotyczny mecz, odbijając piłkę od własnej twarzy. Pod koniec meczu dziewczyna całkowicie się zmieniła.
9. Paper Trial, Don HERTZFELDT, USA 2026, 14’10”
A life, seen through paper.
Życie widziane przez pryzmat papieru.
Międzynarodowy Festiwal Filmów Animowanych w Annecy dociera do najodleglejszych zakątków świata dzięki programowi „Best of Annecy 2026”, który łączy najlepsze festiwalowe filmy krótkometrażowe – głównie zwycięzców ostatniej edycji – ze specjalnie przygotowaną sekwencją otwierającą, stworzoną przez studentów i studentki II roku paryskiej szkoły GOBELINS.
PROGRAM (73 min.):
1. La chambre aux coccinelles, GOBELINS Paris – Léana COURTOIS, Rachel Marazano, Adrienne MOURIER, Elio Nicoletti, Paola PITASSI, Capucine VILLAR, France 2026, 0’45”
A child moves from world to world, each representing a film genre, and grows up through her discoveries.
Bohaterka przemieszcza się z jednego świata do drugiego, z których każdy reprezentuje inny gatunek filmowy. Dzięki swoim odkryciom dorasta.
2. My Bellyaching Skin / Les Pelures d'estomac, Étienne BONNET, France 2026, 6’12”
When my body suddenly started breaking out in a rash, I naturally assumed at first that it was a skin problem. But what if the cause of my itching was actually something to do with my stomach?
Kiedy na moim ciele nagle pojawiła się wysypka, na początku naturalnie założyłem, że to problem skórny. A co, jeśli przyczyna mojego swędzenia wiązała się w rzeczywistości z moim żołądkiem?
3. Dying Embers / Les Dernières Braises, Léa PULINI, France 2025, 4’01”
Magdelaine and her grandmother live a secluded life in their inn in the middle of the mountains. One cold night, as a violent storm rages outside, a traveler knocks at the door.
Magdelaine i jej babcia prowadzą ustronne życie w zajeździe położonym w samym sercu gór. Pewnej mroźnej nocy, gdy na zewnątrz szaleje gwałtowna burza, do drzwi puka podróżny.
4. Blessed, Birute SODEIKAITE, Sweden, Canada 2025, 7’42”
A tough, no-nonsense Buffalo has always seen himself as strong and fearless. But when his dream of fatherhood comes true, he's suddenly awkward, overwhelmed, and under constant judgment. Can he become the father he's always imagined or will his fears hold him back?
Buffalo zawsze uważał się za silnego i nieustraszonego. Jednak gdy spełnia się jego marzenie o ojcostwie, nagle staje się nieporadny, przytłoczony i nieustannie poddawany ocenie. Czy uda mu się stać się ojcem, o jakim zawsze marzył, czy też jego obawy go powstrzymają?
5. God Is Shy / Dieu est timide, Jocelyn CHARLES, France 2025, 15’34”
While travelling by train, Ariel and Paul are having some fun drawing their greatest fears when Gilda, a mysterious passenger, sits down with them and joins in. However, her own experience of fear does not seem to be as innocent as their drawings.
Podczas podróży pociągiem Ariel i Paul bawią się, rysując swoje największe lęki. Dołącza do nich Gilda, nieznajoma pasażerka. Okazuje się, że jej doświadczenia związane ze strachem nie są tak niewinne, jak rysunki Ariela i Paula.
6. CORE DUMP, Alona RODEH, Germany 2025, 6’06”
A surreal swarm of drones is scavenging for e-waste. Drawing on the speculative frameworks of climate fiction the film addresses the geopolitics of waste. It contemplates current warfare and the entanglement of ecological and geopolitical conditions.
Surrealistyczny rój dronów zbiera odpady elektroniczne. Czerpiąc z spekulatywnych ram literatury klimatycznej, film porusza temat geopolityki odpadów. Zastanawia się nad współczesnymi konfliktami zbrojnymi oraz powiązaniami między uwarunkowaniami ekologicznymi a geopolitycznymi.
7. Eclosión, Luis MORILLO, Dominican Republic, Spain 2026, 12’33”
In a forgotten lab, a brilliant, obsessed inventor creates the Hatchling. Fragile yet promising, it becomes both cherished and tested. As care turns to control, the film questions the cost of perfection and whether love can outlast obsession.
W zapomnianym laboratorium genialny, opętany obsesją wynalazca tworzy istotę o imieniu Hatchling. Jest ona tak samo delikatna, jak obiecująca. Staje się jednocześnie przedmiotem czułości i prób. Gdy troska przeradza się w kontrolę, film stawia pytanie o cenę doskonałości oraz o to, czy miłość może przetrwać obsesję.
8. Ball Face, Laurence THÉRIEN, United Kingdom, Canada 2026, 4’32”
Life throws curveballs, how you react decides if you make it through. We follow an elementary schoolgirl terrified of sports who survives a chaotic ball game by bouncing a ball off her face. By the end of the game, she’s completely transformed.
Życie rzuca kłody pod nogi. To, jak na nie zareagujesz decyduje o tym, czy dasz sobie radę. Film śledzi losy uczennicy szkoły podstawowej, która panicznie boi się sportu, i która przetrwała chaotyczny mecz, odbijając piłkę od własnej twarzy. Pod koniec meczu dziewczyna całkowicie się zmieniła.
9. Paper Trial, Don HERTZFELDT, USA 2026, 14’10”
A life, seen through paper.
Życie widziane przez pryzmat papieru.
BRITISH FILM FESTIVAL: SPACER ŚLADAMI I TROPAMI ZJEDNOCZONEGO KRÓLESTWA
Brytyjczycy obecni byli w Poznaniu na długo przed erą British Film Festival. Warto lepiej poznać naszą wspólną historię!
Na kilka tygodni przed startem trzeciej edycji BFF (ta już między 10 a 15 listopada) zapraszamy na spacery, które przedstawią Wam zaskakujące ślady i tropy Zjednoczonego Królestwa w Poznaniu.
Spotkamy się 17 i 25 października, by na trasie startującej w Kinie Muza, a finiszującej na Cytadeli, odpowiedzieć sobie na pytania:
● kto tak naprawdę złamał kod enigmy - Polacy czy Brytyjczycy?
● dlaczego poznańską gazownię budował Anglik?
● czy Brytyjczycy walczyli w Powstaniu Wielkopolskim?
● gdzie urodził się Arkady Fiedler, autor kultowego DYWIZJONU 303?
● kim był Edward Bernard Raczyński?
● co wspólnego z Poznaniem mają bohaterowie kultowego filmu WIELKA UCIECZKA?
Poznańsko-brytyjskie ciekawostki przybliży Aleksandra Nyka - przewodniczka po Poznaniu.
Spacery odbędą się 17 października (sobota) i 25 października (niedziela) w godzinach 10:00 i 15:00.
Wszystkie spacery przeprowadzone zostaną na tej samej trasie.
Na kilka tygodni przed startem trzeciej edycji BFF (ta już między 10 a 15 listopada) zapraszamy na spacery, które przedstawią Wam zaskakujące ślady i tropy Zjednoczonego Królestwa w Poznaniu.
Spotkamy się 17 i 25 października, by na trasie startującej w Kinie Muza, a finiszującej na Cytadeli, odpowiedzieć sobie na pytania:
● kto tak naprawdę złamał kod enigmy - Polacy czy Brytyjczycy?
● dlaczego poznańską gazownię budował Anglik?
● czy Brytyjczycy walczyli w Powstaniu Wielkopolskim?
● gdzie urodził się Arkady Fiedler, autor kultowego DYWIZJONU 303?
● kim był Edward Bernard Raczyński?
● co wspólnego z Poznaniem mają bohaterowie kultowego filmu WIELKA UCIECZKA?
Poznańsko-brytyjskie ciekawostki przybliży Aleksandra Nyka - przewodniczka po Poznaniu.
Spacery odbędą się 17 października (sobota) i 25 października (niedziela) w godzinach 10:00 i 15:00.
Wszystkie spacery przeprowadzone zostaną na tej samej trasie.
CZAS, KTÓRY NIE NADSZEDŁ
Przyszłość jest teraz i nie ma w niej miejsca na starość, brzydotę i autentyczność. Pasujesz tu?
W świecie, w którym starzenie się stało się największym tabu, Sara i Oskar planowali zestarzeć się razem. On jednak – jak większość – poddał się rewolucyjnej kuracji antygeriatrycznej, zapewniającej młodość i miejsce w nowym społeczeństwie. Ona odmówiła, skazując się na życie w zamkniętym ośrodku izolacji. Po latach próba ucieczki Sary sprawia, że ponownie się spotykają. Dzieli ich wygląd, łączy brak odpowiedzi na pytania spychane przez lata na drugi plan. Czy uczucia mogą przetrwać czas i nieodwracalne decyzje? Czy można być wolnym i żyć prawdziwie w świecie, który odmawia prawa do przemijania?
W świecie, w którym starzenie się stało się największym tabu, Sara i Oskar planowali zestarzeć się razem. On jednak – jak większość – poddał się rewolucyjnej kuracji antygeriatrycznej, zapewniającej młodość i miejsce w nowym społeczeństwie. Ona odmówiła, skazując się na życie w zamkniętym ośrodku izolacji. Po latach próba ucieczki Sary sprawia, że ponownie się spotykają. Dzieli ich wygląd, łączy brak odpowiedzi na pytania spychane przez lata na drugi plan. Czy uczucia mogą przetrwać czas i nieodwracalne decyzje? Czy można być wolnym i żyć prawdziwie w świecie, który odmawia prawa do przemijania?
DEMONY | 11. UKRAINA! FESTIWAL FILMOWY
Akcja rozgrywa się w burzliwych latach po upadku Związku Radzieckiego. Bohaterką jest Nina – charyzmatyczna kobieta, która przygarnia bezdomnego rosyjskiego włóczęgę podającego się za pisarza. Mając nadzieję na wspólne nowe życie, szybko odkrywa, że mistyczna ziemia Połtawy – gdzie czarownice żyją obok zwykłych mieszkańców, a zmarli rozmawiają z żywymi – stopniowo ujawnia prawdziwą naturę mężczyzny, którego wpuściła do swojego domu.
DOPAŚĆ CARTERA | COOL BRITANNIA
Jack Carter pracuje dla londyńskich gangsterów. Gdy w Newcastle ginie jego brat, Carter przyjeżdża na pogrzeb. Wersja oficjalna mówi o wypadku po pijaku, tylko że Frank praktycznie nie pił. Carter zaczyna więc zadawać pytania, na które nikt nie ma najmniejszej ochoty mu odpowiadać, a każda kolejna odpowiedź prowadzi go bliżej prawdy, której sam wolałby nie poznać.
Debiutujący w pełnym metrażu Mike Hodges przyszedł do kina z telewizyjnego dokumentu i doskonale to widać. Zdjęcia powstały w 1970 roku w Newcastle, Gateshead i hrabstwie Durham – w autentycznych pubach, zakładach bukmacherskich, kamienicach i na promenadach, bez ani jednej pocztówkowej kompozycji. Architektura jest dzięki temu pełnoprawnym bohaterem filmu: brutalistyczny parking Trinity Square w Gateshead, w którym rozgrywa się jedna z kluczowych scen, wyburzono kilka dekad później, a DOPAŚĆ CARTERA jest dziś jednym z jego najważniejszych portretów. Film powstał dokładnie w momencie, w którym brytyjski przemysł filmowy się walił – MGM zamykało właśnie swoje studio w Borehamwood – i ta atmosfera końca czegoś przenika cały obraz. Jazzowy motyw Roya Budda, nagrany za sumę, która dziś nie wystarczyłaby na catering, stał się jedną z najbardziej rozpoznawalnych melodii w historii brytyjskiego kina.
W obsadzie, poza Michaelem Caine’em, warto zwrócić uwagę na Iana Hendry’ego i Johna Osborne’a, który gra bossa gangsterów z przerażającym spokojem i opanowaniem. Brytyjscy krytycy w czasach premiery mieli pretensje przede wszystkim o przemoc i o to, że bohater nie okazuje ani grama skruchy. Minęło pół wieku i dokładnie te dwie rzeczy robią z filmu Hodgesa klasyk: szesnaste miejsce na liście stu najlepszych brytyjskich filmów BFI, pierwsze w plebiscycie czytelników „Total Filmu”, jawny zachwyt Tarantino i Guya Ritchiego, a także remake z Sylvestrem Stallone’em, o którym lepiej szybko zapomnieć.
Debiutujący w pełnym metrażu Mike Hodges przyszedł do kina z telewizyjnego dokumentu i doskonale to widać. Zdjęcia powstały w 1970 roku w Newcastle, Gateshead i hrabstwie Durham – w autentycznych pubach, zakładach bukmacherskich, kamienicach i na promenadach, bez ani jednej pocztówkowej kompozycji. Architektura jest dzięki temu pełnoprawnym bohaterem filmu: brutalistyczny parking Trinity Square w Gateshead, w którym rozgrywa się jedna z kluczowych scen, wyburzono kilka dekad później, a DOPAŚĆ CARTERA jest dziś jednym z jego najważniejszych portretów. Film powstał dokładnie w momencie, w którym brytyjski przemysł filmowy się walił – MGM zamykało właśnie swoje studio w Borehamwood – i ta atmosfera końca czegoś przenika cały obraz. Jazzowy motyw Roya Budda, nagrany za sumę, która dziś nie wystarczyłaby na catering, stał się jedną z najbardziej rozpoznawalnych melodii w historii brytyjskiego kina.
W obsadzie, poza Michaelem Caine’em, warto zwrócić uwagę na Iana Hendry’ego i Johna Osborne’a, który gra bossa gangsterów z przerażającym spokojem i opanowaniem. Brytyjscy krytycy w czasach premiery mieli pretensje przede wszystkim o przemoc i o to, że bohater nie okazuje ani grama skruchy. Minęło pół wieku i dokładnie te dwie rzeczy robią z filmu Hodgesa klasyk: szesnaste miejsce na liście stu najlepszych brytyjskich filmów BFI, pierwsze w plebiscycie czytelników „Total Filmu”, jawny zachwyt Tarantino i Guya Ritchiego, a także remake z Sylvestrem Stallone’em, o którym lepiej szybko zapomnieć.
DOWŻENKO. PIERWSZE SPOJRZENIE | 11. UKRAINA! FESTIWAL FILMOWY
Odesa, 1926 rok. Miasto przeżywa niezwykły rozkwit – rozwijają się literatura, jazz, boks i przede wszystkim kino. Właśnie tutaj młody Oleksandr Dovzhenko stawia pierwsze kroki w świecie filmu.
Film opowiada o drodze młodego rysownika i pisarza, który stopniowo odkrywa kino jako swoją największą pasję i rozpoczyna karierę reżysera.
DOVZHENKO. FIRST SIGHT to pierwsza fabularna produkcja poświęcona legendarnemu ukraińskiemu reżyserowi Ołeksandrowi Dowżence.
Film opowiada o drodze młodego rysownika i pisarza, który stopniowo odkrywa kino jako swoją największą pasję i rozpoczyna karierę reżysera.
DOVZHENKO. FIRST SIGHT to pierwsza fabularna produkcja poświęcona legendarnemu ukraińskiemu reżyserowi Ołeksandrowi Dowżence.
HAMNET
Hit drugiej edycji British Film Festival i zdobywca nagrody publiczności na Festiwalu Filmowym w Toronto. Zainspirowany najsłynniejszą sztuką Williama Szekspira, wyreżyserowany przez Chloe Zhao (nagrodzona Oscarem za „NOMADLAND”) film jest wrażliwym i głębokim obrazem małżeństwa próbującego ukształtować się na nowo po śmierci dziecka. W rolach głównych zjawiskowy duet: Jessie Buckley i Paul Mescal.
HORROR DRACULI | BRITISH FILM FESTIVAL 2026
[PL]
Transylwania, rok 1885. Jonathan Harker (John Van Eyssen) przybywa do zamku hrabiego Draculi (Christopher Lee w roli, która przyniosła mu sławę i, nomen omen, nieśmiertelność) pod pretekstem uporządkowania tamtejszej kolekcji bibliotecznej. W rzeczywistości nie o książki mu chodzi. Jego misja jest dużo bardziej niebezpieczna. Mężczyzna planuje zgładzić arystokratę, który skrywa przerażającą naturę. Jest on, co tu dużo mówić, wampirem. Gdy Dracula odkrywa prawdziwe zamiary Harkera, postanawia – zrobiwszy najpierw to i owo – zająć się narzeczoną gościa, czyli Lucy Holmwood (Carol Marsh). Wkrótce nie tylko ona, ale i cała jej rodzina zostaje uwikłana w walkę ze złem. Pomaga im doktor Abraham Van Helsing (Peter Cushing), uczony próbujący przekonać otaczających go sceptyków, że za serią niepokojących wydarzeń stoi istota, której nie sposób pokonać konwencjonalnymi metodami (radę dają natomiast kwiaty czosnku, krucyfiksy, drewniane kołki i oczywiście światło słoneczne). HORROR DRACULI (1958) Terence’a Fishera to jedno z tych dzieł – obok na przykład PRZEKLEŃSTWA FRANKENSTEINA (1957) w reżyserii tego samego twórcy – które zdefiniowało brytyjskie kino grozy. Utwór ten powstał pod egidą wytwórni Hammer Film Productions, która, począwszy zresztą od tego momentu, wyspecjalizowała się w reinterpretowaniu znanych gotyckich opowieści poprzez dodanie do nich koloru (tak zwane niesamowitki z hollywoodzkiego okresu przedkodeksowego kojarzyły się z czernią i bielą). Ta decyzja artystyczna – banalna na pierwszy rzut oka, a przecież podbijająca efekt strachu i obrzydzenia (wreszcie czerwona krew na ekranie!) – wywróciła gatunek do góry nogami, czego HORROR DRACULI jest znakomitym przykładem.
[ENG]
Transylvania, 1885. Jonathan Harker (John Van Eyssen) arrives at Count Dracula’s castle under the pretext of cataloguing its library. Books, however, are not his real concern. His mission is far more dangerous: he intends to destroy the aristocrat, whose true nature is terrifying. Dracula is, quite simply, a vampire.
When Dracula discovers Harker’s true intentions, he decides – after doing a few things first – to turn his attention to the man’s fiancée, Lucy Holmwood (Carol Marsh). Soon, not only she, but her entire family, becomes embroiled in the battle against evil. Their ally is Dr Abraham Van Helsing (Peter Cushing), a scholar trying to convince the sceptics around him that behind a series of disturbing events lies a creature that cannot be defeated by conventional means (the remedies, however, are garlic, crucifixes, wooden stakes and, of course, sunlight).
Terence Fisher’s HORROR OF DRACULA (1958), alongside films such as his own THE CURSE OF FRANKENSTEIN (1957), helped define British horror. Produced by Hammer Film Productions, it marked the beginning of the studio’s distinctive approach to reimagining familiar Gothic tales through colour at a time when classic screen horror was still strongly associated with black and white.
The choice may seem straightforward, but it transformed the genre by intensifying both fear and disgust: blood could finally appear vividly red on screen. HORROR OF DRACULA remains one of the clearest examples of how decisively that shift changed the face of horror cinema.
Transylwania, rok 1885. Jonathan Harker (John Van Eyssen) przybywa do zamku hrabiego Draculi (Christopher Lee w roli, która przyniosła mu sławę i, nomen omen, nieśmiertelność) pod pretekstem uporządkowania tamtejszej kolekcji bibliotecznej. W rzeczywistości nie o książki mu chodzi. Jego misja jest dużo bardziej niebezpieczna. Mężczyzna planuje zgładzić arystokratę, który skrywa przerażającą naturę. Jest on, co tu dużo mówić, wampirem. Gdy Dracula odkrywa prawdziwe zamiary Harkera, postanawia – zrobiwszy najpierw to i owo – zająć się narzeczoną gościa, czyli Lucy Holmwood (Carol Marsh). Wkrótce nie tylko ona, ale i cała jej rodzina zostaje uwikłana w walkę ze złem. Pomaga im doktor Abraham Van Helsing (Peter Cushing), uczony próbujący przekonać otaczających go sceptyków, że za serią niepokojących wydarzeń stoi istota, której nie sposób pokonać konwencjonalnymi metodami (radę dają natomiast kwiaty czosnku, krucyfiksy, drewniane kołki i oczywiście światło słoneczne). HORROR DRACULI (1958) Terence’a Fishera to jedno z tych dzieł – obok na przykład PRZEKLEŃSTWA FRANKENSTEINA (1957) w reżyserii tego samego twórcy – które zdefiniowało brytyjskie kino grozy. Utwór ten powstał pod egidą wytwórni Hammer Film Productions, która, począwszy zresztą od tego momentu, wyspecjalizowała się w reinterpretowaniu znanych gotyckich opowieści poprzez dodanie do nich koloru (tak zwane niesamowitki z hollywoodzkiego okresu przedkodeksowego kojarzyły się z czernią i bielą). Ta decyzja artystyczna – banalna na pierwszy rzut oka, a przecież podbijająca efekt strachu i obrzydzenia (wreszcie czerwona krew na ekranie!) – wywróciła gatunek do góry nogami, czego HORROR DRACULI jest znakomitym przykładem.
[ENG]
Transylvania, 1885. Jonathan Harker (John Van Eyssen) arrives at Count Dracula’s castle under the pretext of cataloguing its library. Books, however, are not his real concern. His mission is far more dangerous: he intends to destroy the aristocrat, whose true nature is terrifying. Dracula is, quite simply, a vampire.
When Dracula discovers Harker’s true intentions, he decides – after doing a few things first – to turn his attention to the man’s fiancée, Lucy Holmwood (Carol Marsh). Soon, not only she, but her entire family, becomes embroiled in the battle against evil. Their ally is Dr Abraham Van Helsing (Peter Cushing), a scholar trying to convince the sceptics around him that behind a series of disturbing events lies a creature that cannot be defeated by conventional means (the remedies, however, are garlic, crucifixes, wooden stakes and, of course, sunlight).
Terence Fisher’s HORROR OF DRACULA (1958), alongside films such as his own THE CURSE OF FRANKENSTEIN (1957), helped define British horror. Produced by Hammer Film Productions, it marked the beginning of the studio’s distinctive approach to reimagining familiar Gothic tales through colour at a time when classic screen horror was still strongly associated with black and white.
The choice may seem straightforward, but it transformed the genre by intensifying both fear and disgust: blood could finally appear vividly red on screen. HORROR OF DRACULA remains one of the clearest examples of how decisively that shift changed the face of horror cinema.
Indywidualne warsztaty muzyczne - perkusja
INDYWIDUALNE ZAJĘCIA NAUKI GRY NA PERKUSJI
Zapraszamy na indywidualne lekcje gry na perkusji, które poprowadzi Kajetan Pilarski.
Perkusista, muzyk sesyjny, kompozytor, producent muzyczny i realizator dźwięku. Absolwent Państwowej Szkoły Muzycznej I i II st. w Koninie na specjalizacji perkusja jazzowa oraz Akademii Muzycznej w Poznaniu, gdzie studiował perkusję w zakresie muzyki jazzowej i estradowej. W 2021 roku zdobył I miejsce w konkursie Young Drum Hero.
Na co dzień pracuje jako muzyk sesyjny i realizator studyjny w C2Studio w Poznaniu, współpracując z artystami z Polski i zagranicy. Jest również wykładowcą Regionalnego Ośrodka Edukacji na kierunku Realizacja Nagrań i Nagłośnień.
Jako kompozytor i producent muzyczny tworzy muzykę m.in. do spektakli Konińskiego Teatru Tańca, z którym związany jest od 2019 roku. W swojej karierze scenicznej współdzielił scenę m.in. z Markiem Piekarczykiem, Piotrem Cugowskim, zespołem Trzynasta w Samo Południe, Danutą Błażejczyk oraz KIMI.
Informacje organizacyjne
Dla kogo: Dzieci od 12. roku życia oraz dorośli
Kiedy: Poniedziałki (godziny ustalane indywidualnie z uczestnikami).
Cennik:
W ramach miesięcznego karnetu: 50 zł / zajęcia
Poza karnetem: 80 zł / zajęcia (wymagany wcześniejszy kontakt w celu rezerwacji godziny)
Zapisy i kontakt
Telefon: 530 378 800
E-mail: domkultury@dkazk.pl
Uwaga: Liczba miejsc jest ograniczona. Skontaktuj się z Recepcją DK, aby zarezerwować dogodny termin!
Zapraszamy na indywidualne lekcje gry na perkusji, które poprowadzi Kajetan Pilarski.
Perkusista, muzyk sesyjny, kompozytor, producent muzyczny i realizator dźwięku. Absolwent Państwowej Szkoły Muzycznej I i II st. w Koninie na specjalizacji perkusja jazzowa oraz Akademii Muzycznej w Poznaniu, gdzie studiował perkusję w zakresie muzyki jazzowej i estradowej. W 2021 roku zdobył I miejsce w konkursie Young Drum Hero.
Na co dzień pracuje jako muzyk sesyjny i realizator studyjny w C2Studio w Poznaniu, współpracując z artystami z Polski i zagranicy. Jest również wykładowcą Regionalnego Ośrodka Edukacji na kierunku Realizacja Nagrań i Nagłośnień.
Jako kompozytor i producent muzyczny tworzy muzykę m.in. do spektakli Konińskiego Teatru Tańca, z którym związany jest od 2019 roku. W swojej karierze scenicznej współdzielił scenę m.in. z Markiem Piekarczykiem, Piotrem Cugowskim, zespołem Trzynasta w Samo Południe, Danutą Błażejczyk oraz KIMI.
Informacje organizacyjne
Dla kogo: Dzieci od 12. roku życia oraz dorośli
Kiedy: Poniedziałki (godziny ustalane indywidualnie z uczestnikami).
Cennik:
W ramach miesięcznego karnetu: 50 zł / zajęcia
Poza karnetem: 80 zł / zajęcia (wymagany wcześniejszy kontakt w celu rezerwacji godziny)
Zapisy i kontakt
Telefon: 530 378 800
E-mail: domkultury@dkazk.pl
Uwaga: Liczba miejsc jest ograniczona. Skontaktuj się z Recepcją DK, aby zarezerwować dogodny termin!
ISABEL | LATIN FILM FEST 2026
Isabel, sommelierka z São Paulo, pracuje w jednej z ekskluzywnych restauracji w mieście. I szczerze nienawidzi tego miejsca. Marzy o otwarciu kameralnego baru z winami, w którym to ona będzie decydować o tym, co trafi do kieliszków gości. Jej plany dojrzewają powoli jak wino w beczkach. Nadchodzi jednak moment, w którym musi zaryzykować i postawić wszystko na jedną kartę.
“Isabel” to pełna czułości i przewrotnego humoru opowieść o kobiecie, która walczy o swoje marzenia i umie rozkoszować się życiem, oraz o pozornej, zaskakującej codzienności. Film został wyprodukowany przez Rodrigo Teixeira, producenta m.in. nagrodzonego Oscarem “I’m Still Here”, i był pokazywany premierowo podczas tegorocznego Berlinale.
“Isabel” to pełna czułości i przewrotnego humoru opowieść o kobiecie, która walczy o swoje marzenia i umie rozkoszować się życiem, oraz o pozornej, zaskakującej codzienności. Film został wyprodukowany przez Rodrigo Teixeira, producenta m.in. nagrodzonego Oscarem “I’m Still Here”, i był pokazywany premierowo podczas tegorocznego Berlinale.
KOMENDANT FRITZ | LATIN FILM FEST 2026
Rok 1972. Uroczyste przekazanie karaibskiej Wyspy Ernesto Thälmanna NRD przez Máximo Lídera. Fritz, młody oficer Stasi, przybywa do Hawany ze specjalną misją. Zadaniem enerdowskiego agenta jest udaremnienie zamachu CIA na kubańskiego lidera. Jednak pod karaibskim słońcem nic nie działa tak, jak się spodziewa. Na dodatek poznaje tajemniczą Kubankę Lolę, która sprawia, że “zimna wojna” staje się o wiele gorętsza niż powinna…
“Komendant Fritz” to pełna humoru, gorącej muzyki i karaibskich klimatów satyra historyczna, w której prawda miesza się z fikcją, a brokat i błysk fleszy z komunistycznym reżimem. Film został nagrodzony m.in. na Festiwalu w Miami.
“Komendant Fritz” to pełna humoru, gorącej muzyki i karaibskich klimatów satyra historyczna, w której prawda miesza się z fikcją, a brokat i błysk fleszy z komunistycznym reżimem. Film został nagrodzony m.in. na Festiwalu w Miami.
LALKA
Dzieło Bolesława Prusa od blisko 140 lat rozpala emocje i wyobraźnię kolejnych pokoleń. Teraz ta ponadczasowa historia trafia na wielki ekran w nowej, spektakularnej, filmowej odsłonie. „Lalka” to zrealizowana z ogromnym rozmachem superprodukcja i najbardziej gwiazdorski film w historii polskiego kina, gdzie pośród wielu wybitnych nazwisk, w rolach głównych występują: Marcin Dorociński jako Stanisław Wokulski, gwiazda „Chłopów” – Kamila Urzędowska jako Izabela Łęcka oraz powracający na wielki ekran po 16 latach Marek Kondrat w roli Ignacego Rzeckiego. Nowa ekranizacja „Lalki” to opowiedziana ze współczesną wrażliwością przejmująca, uniwersalna historia o miłości i niespełnieniu, o aspiracjach i przemianie, o świecie, który właśnie się kończy. To film, który zdarza się raz na kilka dekad: epicki, pełen emocji, zrealizowany z imponującą scenografią, dopracowanymi w najdrobniejszych detalach kostiumami i charakteryzacją oraz prawdziwie gwiazdorską obsadą. Warszawa końca XIX wieku. Serce Stanisława Wokulskiego (Marcin Dorociński) owładnięte jest szaloną miłością do Izabeli Łęckiej (Kamila Urzędowska). On, dzięki fortunie zdobytej na wojnie, powraca do kraju i postanawia wkroczyć do świata wyższych sfer, aby zdobyć rękę ukochanej. Ona jest olśniewająca i wyniosła, lecz mimo arystokratycznego pochodzenia zmaga się z widmem finansowej ruiny. U boku Wokulskiego stoi jego wierny przyjaciel – Ignacy Rzecki (Marek Kondrat), romantyk, który z nostalgią obserwuje, jak świat ideałów ustępuje miejsca społecznym aspiracjom i bezwzględnej grze interesów. Wokulski wkracza w labirynt arystokratycznych salonów, gdzie każdy gest może być początkiem intrygi, a każde słowo – zapowiedzią zdrady. Stający na jego drodze rywDzieło Bolesława Prusa od blisko 140 lat rozpala emocje i wyobraźnię kolejnych pokoleń. Teraz ta ponadczasowa historia trafia na wielki ekran w nowej, spektakularnej, filmowej odsłonie. „Lalka” to zrealizowana z ogromnym rozmachem superprodukcja i najbardziej gwiazdorski film w historii polskiego kina, gdzie pośród wielu wybitnych nazwisk, w rolach głównych występują: Marcin Dorociński jako Stanisław Wokulski, gwiazda „Chłopów” – Kamila Urzędowska jako Izabela Łęcka oraz powracający na wielki ekran po 16 latach Marek Kondrat w roli Ignacego Rzeckiego. Nowa ekranizacja „Lalki” to opowiedziana ze współczesną wrażliwością przejmująca, uniwersalna historia o miłości i niespełnieniu, o aspiracjach i przemianie, o świecie, który właśnie się kończy. To film, który zdarza się raz na kilka dekad: epicki, pełen emocji, zrealizowany z imponującą scenografią, dopracowanymi w najdrobniejszych detalach kostiumami i charakteryzacją oraz prawdziwie gwiazdorską obsadą. Warszawa końca XIX wieku. Serce Stanisława Wokulskiego (Marcin Dorociński) owładnięte jest szaloną miłością do Izabeli Łęckiej (Kamila Urzędowska). On, dzięki fortunie zdobytej na wojnie, powraca do kraju i postanawia wkroczyć do świata wyższych sfer, aby zdobyć rękę ukochanej. Ona jest olśniewająca i wyniosła, lecz mimo arystokratycznego pochodzenia zmaga się z widmem finansowej ruiny. U boku Wokulskiego stoi jego wierny przyjaciel – Ignacy Rzecki (Marek Kondrat), romantyk, który z nostalgią obserwuje, jak świat ideałów ustępuje miejsca społecznym aspiracjom i bezwzględnej grze interesów. Wokulski wkracza w labirynt arystokratycznych salonów, gdzie każdy gest może być początkiem intrygi, a każde słowo – zapowiedzią zdrady. Stający na jego drodze rywale, niespodziewane sojusze i dramatyczne wybory wystawią na próbę jego marzenia i wiarę w ludzi. To opowieść o miłosnym zauroczeniu, które zmienia losy bohaterów i zaciera granice między sercem a rozumem.ale, niespodziewane sojusze i dramatyczne wybory wystawią na próbę jego marzenia i wiarę w ludzi. To opowieść o miłosnym zauroczeniu, które zmienia losy bohaterów i zaciera granice między sercem a rozumem.
LALKA | SENIOR W MUZIE
Dzieło Bolesława Prusa od blisko 140 lat rozpala emocje i wyobraźnię kolejnych pokoleń. Teraz ta ponadczasowa historia trafia na wielki ekran w nowej, spektakularnej, filmowej odsłonie. „Lalka” to zrealizowana z ogromnym rozmachem superprodukcja i najbardziej gwiazdorski film w historii polskiego kina, gdzie pośród wielu wybitnych nazwisk, w rolach głównych występują: Marcin Dorociński jako Stanisław Wokulski, gwiazda „Chłopów” – Kamila Urzędowska jako Izabela Łęcka oraz powracający na wielki ekran po 16 latach Marek Kondrat w roli Ignacego Rzeckiego. Nowa ekranizacja „Lalki” to opowiedziana ze współczesną wrażliwością przejmująca, uniwersalna historia o miłości i niespełnieniu, o aspiracjach i przemianie, o świecie, który właśnie się kończy. To film, który zdarza się raz na kilka dekad: epicki, pełen emocji, zrealizowany z imponującą scenografią, dopracowanymi w najdrobniejszych detalach kostiumami i charakteryzacją oraz prawdziwie gwiazdorską obsadą. Warszawa końca XIX wieku. Serce Stanisława Wokulskiego (Marcin Dorociński) owładnięte jest szaloną miłością do Izabeli Łęckiej (Kamila Urzędowska). On, dzięki fortunie zdobytej na wojnie, powraca do kraju i postanawia wkroczyć do świata wyższych sfer, aby zdobyć rękę ukochanej. Ona jest olśniewająca i wyniosła, lecz mimo arystokratycznego pochodzenia zmaga się z widmem finansowej ruiny. U boku Wokulskiego stoi jego wierny przyjaciel – Ignacy Rzecki (Marek Kondrat), romantyk, który z nostalgią obserwuje, jak świat ideałów ustępuje miejsca społecznym aspiracjom i bezwzględnej grze interesów. Wokulski wkracza w labirynt arystokratycznych salonów, gdzie każdy gest może być początkiem intrygi, a każde słowo – zapowiedzią zdrady. Stający na jego drodze rywDzieło Bolesława Prusa od blisko 140 lat rozpala emocje i wyobraźnię kolejnych pokoleń. Teraz ta ponadczasowa historia trafia na wielki ekran w nowej, spektakularnej, filmowej odsłonie. „Lalka” to zrealizowana z ogromnym rozmachem superprodukcja i najbardziej gwiazdorski film w historii polskiego kina, gdzie pośród wielu wybitnych nazwisk, w rolach głównych występują: Marcin Dorociński jako Stanisław Wokulski, gwiazda „Chłopów” – Kamila Urzędowska jako Izabela Łęcka oraz powracający na wielki ekran po 16 latach Marek Kondrat w roli Ignacego Rzeckiego. Nowa ekranizacja „Lalki” to opowiedziana ze współczesną wrażliwością przejmująca, uniwersalna historia o miłości i niespełnieniu, o aspiracjach i przemianie, o świecie, który właśnie się kończy. To film, który zdarza się raz na kilka dekad: epicki, pełen emocji, zrealizowany z imponującą scenografią, dopracowanymi w najdrobniejszych detalach kostiumami i charakteryzacją oraz prawdziwie gwiazdorską obsadą. Warszawa końca XIX wieku. Serce Stanisława Wokulskiego (Marcin Dorociński) owładnięte jest szaloną miłością do Izabeli Łęckiej (Kamila Urzędowska). On, dzięki fortunie zdobytej na wojnie, powraca do kraju i postanawia wkroczyć do świata wyższych sfer, aby zdobyć rękę ukochanej. Ona jest olśniewająca i wyniosła, lecz mimo arystokratycznego pochodzenia zmaga się z widmem finansowej ruiny. U boku Wokulskiego stoi jego wierny przyjaciel – Ignacy Rzecki (Marek Kondrat), romantyk, który z nostalgią obserwuje, jak świat ideałów ustępuje miejsca społecznym aspiracjom i bezwzględnej grze interesów. Wokulski wkracza w labirynt arystokratycznych salonów, gdzie każdy gest może być początkiem intrygi, a każde słowo – zapowiedzią zdrady. Stający na jego drodze rywale, niespodziewane sojusze i dramatyczne wybory wystawią na próbę jego marzenia i wiarę w ludzi. To opowieść o miłosnym zauroczeniu, które zmienia losy bohaterów i zaciera granice między sercem a rozumem.ale, niespodziewane sojusze i dramatyczne wybory wystawią na próbę jego marzenia i wiarę w ludzi. To opowieść o miłosnym zauroczeniu, które zmienia losy bohaterów i zaciera granice między sercem a rozumem.
LISTONOSZ PAT I WIELKI ŚWIAT | BRITISH FILM FESTIVAL 2026
[PL]
Od lat 80. Listonosz Pat należy do najbardziej rozpoznawalnych bohaterów dziecięcej telewizji – nie tylko brytyjskiej. Nierozerwalnie kojarzy się kolejnym pokoleniom widzów z czerwonym pocztowym wozem, kocim przyjacielem i malowniczymi drogami Zielonej Doliny. Odwiedzanie kolejnych mieszkańców i doręczanie przesyłek od początku były dla twórców pretekstem do opowiadania o sąsiedztwie i codziennej życzliwości.
Pełnometrażowy film LISTONOSZ PAT I WIELKI ŚWIAT zabiera znanego bohatera daleko poza zwyczajną pocztową trasę. Kiedy Pat traci oczekiwaną premię w pracy, dzięki której planował zabrać żonę na wymarzoną wycieczkę, niespodziewanie postanawia zgłosić się do telewizyjnego konkursu wokalnych talentów. Sukces wciąga go w świat kamer, występów i medialnej popularności. W tym samym czasie na poczcie zachodzą ogromne zmiany. W procesie bezwzględnej modernizacji pracowników mają zastąpić maszyny – w tym wymykające się spod kontroli roboty łudząco podobne do samego Pata.
Kinowy wielki świat jest wyraźnie oddalony od niespiesznego rytmu i charakteru serialowego pierwowzoru. Pościgi, roboty, korporacyjna intryga i pułapki sławy składają się na intensywną akcję, w centrum której Pat będzie musiał przypomnieć sobie o tym, co dla niego najważniejsze. Ostatecznie nawet w tak zaskakującym wydaniu ulubiony bohater pozostaje symbolem bliskich relacji, wzajemnej troski i poczucia przynależności.
TREŚCI WRAŻLIWE:
przedstawienia robotów o czerwonych oczach - sobowtórów listonosza Pata i Jessa – mogące wzbudzać strach u młodszych i bardziej wrażliwych widzów_ek; sceny zagrożenia bohaterów, niebezpiecznych pościgów, slapstickowych wypadków, eksplozji; pojedyncze obraźliwe lub stereotypizujące wypowiedzi;
[ENG]
Since the 1980s, Postman Pat has been one of the most recognisable characters in children’s television, not just in Britain but around the world. Generations of viewers grew up with his red post van, his cat Jess and the winding roads of Greendale. From the start, Pat’s daily rounds and delivering post served as a pretext for the creators to tell stories about the neighbourhood and everyday kindness.
POSTMAN PAT: THE MOVIE takes the familiar postman well beyond his usual route. When Pat misses out on the work bonus he had hoped would pay for a dream trip with his wife, he unexpectedly enters a television singing competition. His success draws him into a world of cameras, performances and sudden fame. Back at the sorting office, major changes are taking place. A ruthless modernisation drive threatens to replace staff with machines, including malfunctioning robots that look uncannily like Pat himself.
The film moves at a much faster pace than the television series. Chases, robots, corporate scheming and the temptations of fame all come into play, while Pat is forced to remember what matters most to him. Even in this more action-packed version of his world, he remains a symbol of friendship, care and belonging.
SENSITIVE CONTENT:
Red-eyed robot versions of Postman Pat and Jess, which may frighten younger or more sensitive viewers; scenes of characters in danger; chases; slapstick accidents; explosions; occasional insulting or stereotypical remarks.
Od lat 80. Listonosz Pat należy do najbardziej rozpoznawalnych bohaterów dziecięcej telewizji – nie tylko brytyjskiej. Nierozerwalnie kojarzy się kolejnym pokoleniom widzów z czerwonym pocztowym wozem, kocim przyjacielem i malowniczymi drogami Zielonej Doliny. Odwiedzanie kolejnych mieszkańców i doręczanie przesyłek od początku były dla twórców pretekstem do opowiadania o sąsiedztwie i codziennej życzliwości.
Pełnometrażowy film LISTONOSZ PAT I WIELKI ŚWIAT zabiera znanego bohatera daleko poza zwyczajną pocztową trasę. Kiedy Pat traci oczekiwaną premię w pracy, dzięki której planował zabrać żonę na wymarzoną wycieczkę, niespodziewanie postanawia zgłosić się do telewizyjnego konkursu wokalnych talentów. Sukces wciąga go w świat kamer, występów i medialnej popularności. W tym samym czasie na poczcie zachodzą ogromne zmiany. W procesie bezwzględnej modernizacji pracowników mają zastąpić maszyny – w tym wymykające się spod kontroli roboty łudząco podobne do samego Pata.
Kinowy wielki świat jest wyraźnie oddalony od niespiesznego rytmu i charakteru serialowego pierwowzoru. Pościgi, roboty, korporacyjna intryga i pułapki sławy składają się na intensywną akcję, w centrum której Pat będzie musiał przypomnieć sobie o tym, co dla niego najważniejsze. Ostatecznie nawet w tak zaskakującym wydaniu ulubiony bohater pozostaje symbolem bliskich relacji, wzajemnej troski i poczucia przynależności.
TREŚCI WRAŻLIWE:
przedstawienia robotów o czerwonych oczach - sobowtórów listonosza Pata i Jessa – mogące wzbudzać strach u młodszych i bardziej wrażliwych widzów_ek; sceny zagrożenia bohaterów, niebezpiecznych pościgów, slapstickowych wypadków, eksplozji; pojedyncze obraźliwe lub stereotypizujące wypowiedzi;
[ENG]
Since the 1980s, Postman Pat has been one of the most recognisable characters in children’s television, not just in Britain but around the world. Generations of viewers grew up with his red post van, his cat Jess and the winding roads of Greendale. From the start, Pat’s daily rounds and delivering post served as a pretext for the creators to tell stories about the neighbourhood and everyday kindness.
POSTMAN PAT: THE MOVIE takes the familiar postman well beyond his usual route. When Pat misses out on the work bonus he had hoped would pay for a dream trip with his wife, he unexpectedly enters a television singing competition. His success draws him into a world of cameras, performances and sudden fame. Back at the sorting office, major changes are taking place. A ruthless modernisation drive threatens to replace staff with machines, including malfunctioning robots that look uncannily like Pat himself.
The film moves at a much faster pace than the television series. Chases, robots, corporate scheming and the temptations of fame all come into play, while Pat is forced to remember what matters most to him. Even in this more action-packed version of his world, he remains a symbol of friendship, care and belonging.
SENSITIVE CONTENT:
Red-eyed robot versions of Postman Pat and Jess, which may frighten younger or more sensitive viewers; scenes of characters in danger; chases; slapstick accidents; explosions; occasional insulting or stereotypical remarks.
MARIINKA | 11. UKRAINA! FESTIWAL FILMOWY
Pieter-Jan De Pue przez dziewięć lat dokumentował życie ludzi związanych z Mariinką – miastem na wschodzie Ukrainy, którego mieszkańcy od ponad dekady żyją w cieniu wojny.
Natasha, utalentowana bokserka, zostaje wojskową medyczką. Angela, która straciła rodziców, zaczyna przewozić towary przez linię frontu. Bracia Mark i Ruslan znajdują się po przeciwnych stronach konfliktu, podczas gdy ich najmłodszy brat Daniil obserwuje wojnę z bezpiecznego domu zastępczego w Stanach Zjednoczonych.
Film realizowany przez dekadę na taśmie 16 mm łączy monumentalny obraz z bardzo osobistymi historiami ludzi, których życie zostało naznaczone wojną.
Nagrody
AUDIENCE – CPH 2026
Millenium Docs Against Gravity 2026:
Nagroda Prezydenta Miasta Gdyni (w Konkursie Głównym w Gdyni)
Nagroda Wolności ufundowana przez Miasto Poznań (w Konkursie Głównym w Poznaniu)
Natasha, utalentowana bokserka, zostaje wojskową medyczką. Angela, która straciła rodziców, zaczyna przewozić towary przez linię frontu. Bracia Mark i Ruslan znajdują się po przeciwnych stronach konfliktu, podczas gdy ich najmłodszy brat Daniil obserwuje wojnę z bezpiecznego domu zastępczego w Stanach Zjednoczonych.
Film realizowany przez dekadę na taśmie 16 mm łączy monumentalny obraz z bardzo osobistymi historiami ludzi, których życie zostało naznaczone wojną.
Nagrody
AUDIENCE – CPH 2026
Millenium Docs Against Gravity 2026:
Nagroda Prezydenta Miasta Gdyni (w Konkursie Głównym w Gdyni)
Nagroda Wolności ufundowana przez Miasto Poznań (w Konkursie Głównym w Poznaniu)
MIASTECZKO HALLOWEEN | ANIMUZA
ANIMUZA: MIASTECZKO HALLOWEEN / THE NIGHTMARE BEFORE CHRISTMAS
reż. Henry Selick, USA 1993, 76’
wiek: 9+
Dyniowy Król Miasteczka Halloween, Jack Skellington, znudzony powtarzalną rutyną Święta Strachu i Krzyku, chce zaangażować się i przejąć obchody Bożego Narodzenia. Jego radosna misja naraża na niebezpieczeństwo Świętego Mikołaja i jest początkiem koszmaru dla wszystkich grzecznych dzieci na całym świecie. Niezwykła animowana przypowieść Tima Burtona i Henry’ego Selicka z niezapomnianą ścieżką dźwiękową Danny’ego Elfmana.
Bored with the same old scare-and-scream routine, Pumpkin King Jack Skellington longs to spread the joy of Christmas. But his merry mission puts Santa in jeopardy and creates a nightmare for good little children everywhere. Experience Tim Burton and Henry Selick’s uncanny tale as it comes vividly to life right before your eyes!
reż. Henry Selick, USA 1993, 76’
wiek: 9+
Dyniowy Król Miasteczka Halloween, Jack Skellington, znudzony powtarzalną rutyną Święta Strachu i Krzyku, chce zaangażować się i przejąć obchody Bożego Narodzenia. Jego radosna misja naraża na niebezpieczeństwo Świętego Mikołaja i jest początkiem koszmaru dla wszystkich grzecznych dzieci na całym świecie. Niezwykła animowana przypowieść Tima Burtona i Henry’ego Selicka z niezapomnianą ścieżką dźwiękową Danny’ego Elfmana.
Bored with the same old scare-and-scream routine, Pumpkin King Jack Skellington longs to spread the joy of Christmas. But his merry mission puts Santa in jeopardy and creates a nightmare for good little children everywhere. Experience Tim Burton and Henry Selick’s uncanny tale as it comes vividly to life right before your eyes!
MIĘDZYNARODOWY DZIEŃ ANIMACJI | POKAZ FILMÓW KRÓTKOMETRAŻOWYCH | ANIMUZA
28 października obchodzimy Międzynarodowy Dzień Animacji – święto ustanowione przez międzynarodową organizację twórców filmu animowanego ASIFA (Association Internationale du Film d'Animation). Upamiętnia on pierwszy pokaz animacji, który odbył się w Grevin Museum w Paryżu w 1892 roku. Publiczność mogła wówczas zobaczyć „Theatre Optique” Emile’a Reynauda. Z tej okazji zapraszamy Was na pokaz 14 krótkometrażowych filmów animowanych wypełnionych skrajnymi emocjami, różnorodnymi technikami i zaskakującymi treściami. Kuratorem programu jest Piotr Kardas, dyrektor Festiwali O!PLA i RISING OF LUSITANIA.
W programie:
BRZYTWA / RAZORS (USA 2025, 04:39), reż. Griffin „The” Hansen
Mężczyzna z brzytwą w głowie zgłasza potrzebę naprawy.
CIŚNIENIE / PRESSURE (Brazylia 2023, 02:21), reż. Che Marcheti
Kobieta mierzy się z emocjami, które długo ukrywała i są o krok od ich przelania.
SZEPTY / SUSURROS (Francja 2025, 07:27), reż. Alexandra Pewinski, Marie Lombard, Florian Reignier, Emma Pluchard, Lisa Francillon i Alice Parmentier
Od polowań na czarownice w XVII-wiecznej Europie po uchylenie wyroku w sprawie Roe przeciwko Wade w Stanach Zjednoczonych w 2022 roku, „Susurros” opowiada historię dwóch kobiet, które zaszły w ciążę, mimo że tego nie chciały. Oddzielone od siebie czterema wiekami, Maria i Adeleida nieuchronnie splatają swoje losy. W cieniu obskurantyzmu historia się powtarza. Laureat Studenckiej Nagrody ASIFA 2026.
JAK INTELIGENTNE SĄ WRONY? / HOW SMART ARE CROWS? (Grecja 2025, 04:36), reż. Irida Zhonga
W jednej z bajek Ezopa wrona szuka wody. Dostrzega dzban, lecz znajdująca się w nim woda jest poza jej zasięgiem. Ptak zaczyna więc wrzucać do środka kamyki. Jeden po drugim wypierają one wodę, dzięki czemu wrona może ugasić pragnienie. To tylko jeden z wielu fascynujących przykładów inteligencji krukowatych. Katharina Brecht przygląda się temu, co czyni tę śmiałą i bystrą rodzinę ptaków śpiewających tak inteligentną.
GUARACY (Brazylia 2023, 12:08), reż. Eliete Della Violla, Daniel Bruson
Wnuczka zagłębia się w relację ze swoim dziadkiem, emerytowanym policjantem, który kocha muzykę, tworząc żywą mozaikę uczuć, wątpliwości oraz przeżytych, opowiedzianych i wyobrażonych wspomnień.
PRZYĆMIĆ / OUTSHINE (Tajwan 2026, 04:00), reż. Eliza Dorothy Russell Keating
Pewnego dnia w jednej z latarni morskich gaśnie światło. Gdy latarnik wymienia żarówkę na jeszcze jaśniejszą, budzi to ducha rywalizacji u jego kolegi z latarni po drugiej stronie wody. Wkrótce obaj wdają się w absurdalny pojedynek, prześcigając się w coraz bardziej wymyślnych ulepszeniach oświetlenia. W ferworze tej rywalizacji zdają się zapominać o swoich pierwotnych obowiązkach latarników...
JAK RODZI SIĘ RZEKA / HOW A RIVER IS BORN (Brazylia 2025, 08:33), reż. Luma Flôres
Ayla budzi się w górzystym krajobrazie, otoczona jedynie roślinnością i rzeką. Kierowana ciekawością i pragnieniem poznania tego miejsca, wyrusza w podróż pełną odkryć i nurkowania. Odkrywając gdzie jest, odkrywa również siebie.
KRAINA NICZYJA / LAND OF NO MAN (Tajwan, USA 2026, 03:50), reż. Muling Tzai, Olivia Lin
Samotna kapibara jest zagadywana przez przechodzące zwierzęta: „Czy nie czujesz się samotna?”.
KABUKI (Brazylia 2025, 14:37), reż. Tiago Minamisawa
Kabuki żyje w męskim ciele, którego nie rozpoznaje. Bez tożsamości budzi Duszę. W nietrwałości materialnego ciała, Transcenduje.
NADAL LUTY / STILL FEBRUARY (Niemcy 2026, 09:37), reż. Anya Ryzhkova
Wilkopodobna postać budzi się w świecie zagrożonym ogniem i rozkładem. Czuje, że wszystko wokół niej znika, nie rozumiejąc dlaczego – niemal ślepa, jest niezdolna dostrzec tego, co oczywiste. Ale wkrótce zaczyna dostrzegać prawdę: ogromne, niszczycielskie stopy tratują świat, podpalając wszystko, wciągając przeszłość i przyszłość w ciemność. W końcu pozostaje jej tylko jedno: uratować siebie.
ZANIM ZNIKNIESZ / BEFORE YOU GONE (Tajwan 2026, 08:16), reż. Xie Cha-Ping
Dziś, rok po Twoim odejściu, siedzę przed Tobą i opowiadam o historii naszej rodziny, a także o tym, jak bardzo za Tobą tęsknię i czego żałuję. Emocje splatają się tu z rzeczywistością i wspomnieniami, pozostawiając po sobie to, co nigdy nie zostało wypowiedziane. Film „Before you gon” wykorzystuje osobistą narrację, łącząc autentyczne obrazy z animacją rysunkową, by uchwycić emocje, które trudno utrwalić w samej pamięci.
<3 [MNIEJ NIŻ TRZY] / <3 [LESS THAN THREE] (Niemcy 2026, 02:35), reż. Petra Stipetić
Film o walce o przynależność wbrew wszelkim przeciwnościom.
POD WODĄ / UNDER WATER (Tajwan 2026, 15:10), reż. Jen-Hsiang Chuang
Wychudzone i wyczerpane dziewczęta są uwięzione w mrocznym lochu, gdzie nieustannie padają ofiarą przemocy ze strony przerażającej istoty. Wspierając się nawzajem, szukają drogi ucieczki, by ostatecznie uświadomić sobie, że towarzyszki pomagające im w tej wędrówce były w rzeczywistości odbiciami ich samych.
JA P... / HOLY SHIT! (Grecja 2025, 04:37), reż. Taxiarchis Deligiannis, Vasilis Tsiouvaras
Oglądamy współczesne Ateny w Grecji, gdzie stare budynki, biura, kina plenerowe itp. w szybkim tempie przekształcają się w hotele i inne miejsca noclegowe dla turystów. Miasto dusi się niezliczoną rzeszą turystów, którzy gromadzą się w hotelach, w różnych miejscach, na plażach, w barach, restauracjach itp. Panuje kompletny chaos, który z dnia na dzień się pogłębia. Nagle w różnych miejscach miasta z toalet i kanałów ściekowych wydobywają się śmierdzące opary w postaci chmur, powodując dyskomfort dla ludzi...
W programie:
BRZYTWA / RAZORS (USA 2025, 04:39), reż. Griffin „The” Hansen
Mężczyzna z brzytwą w głowie zgłasza potrzebę naprawy.
CIŚNIENIE / PRESSURE (Brazylia 2023, 02:21), reż. Che Marcheti
Kobieta mierzy się z emocjami, które długo ukrywała i są o krok od ich przelania.
SZEPTY / SUSURROS (Francja 2025, 07:27), reż. Alexandra Pewinski, Marie Lombard, Florian Reignier, Emma Pluchard, Lisa Francillon i Alice Parmentier
Od polowań na czarownice w XVII-wiecznej Europie po uchylenie wyroku w sprawie Roe przeciwko Wade w Stanach Zjednoczonych w 2022 roku, „Susurros” opowiada historię dwóch kobiet, które zaszły w ciążę, mimo że tego nie chciały. Oddzielone od siebie czterema wiekami, Maria i Adeleida nieuchronnie splatają swoje losy. W cieniu obskurantyzmu historia się powtarza. Laureat Studenckiej Nagrody ASIFA 2026.
JAK INTELIGENTNE SĄ WRONY? / HOW SMART ARE CROWS? (Grecja 2025, 04:36), reż. Irida Zhonga
W jednej z bajek Ezopa wrona szuka wody. Dostrzega dzban, lecz znajdująca się w nim woda jest poza jej zasięgiem. Ptak zaczyna więc wrzucać do środka kamyki. Jeden po drugim wypierają one wodę, dzięki czemu wrona może ugasić pragnienie. To tylko jeden z wielu fascynujących przykładów inteligencji krukowatych. Katharina Brecht przygląda się temu, co czyni tę śmiałą i bystrą rodzinę ptaków śpiewających tak inteligentną.
GUARACY (Brazylia 2023, 12:08), reż. Eliete Della Violla, Daniel Bruson
Wnuczka zagłębia się w relację ze swoim dziadkiem, emerytowanym policjantem, który kocha muzykę, tworząc żywą mozaikę uczuć, wątpliwości oraz przeżytych, opowiedzianych i wyobrażonych wspomnień.
PRZYĆMIĆ / OUTSHINE (Tajwan 2026, 04:00), reż. Eliza Dorothy Russell Keating
Pewnego dnia w jednej z latarni morskich gaśnie światło. Gdy latarnik wymienia żarówkę na jeszcze jaśniejszą, budzi to ducha rywalizacji u jego kolegi z latarni po drugiej stronie wody. Wkrótce obaj wdają się w absurdalny pojedynek, prześcigając się w coraz bardziej wymyślnych ulepszeniach oświetlenia. W ferworze tej rywalizacji zdają się zapominać o swoich pierwotnych obowiązkach latarników...
JAK RODZI SIĘ RZEKA / HOW A RIVER IS BORN (Brazylia 2025, 08:33), reż. Luma Flôres
Ayla budzi się w górzystym krajobrazie, otoczona jedynie roślinnością i rzeką. Kierowana ciekawością i pragnieniem poznania tego miejsca, wyrusza w podróż pełną odkryć i nurkowania. Odkrywając gdzie jest, odkrywa również siebie.
KRAINA NICZYJA / LAND OF NO MAN (Tajwan, USA 2026, 03:50), reż. Muling Tzai, Olivia Lin
Samotna kapibara jest zagadywana przez przechodzące zwierzęta: „Czy nie czujesz się samotna?”.
KABUKI (Brazylia 2025, 14:37), reż. Tiago Minamisawa
Kabuki żyje w męskim ciele, którego nie rozpoznaje. Bez tożsamości budzi Duszę. W nietrwałości materialnego ciała, Transcenduje.
NADAL LUTY / STILL FEBRUARY (Niemcy 2026, 09:37), reż. Anya Ryzhkova
Wilkopodobna postać budzi się w świecie zagrożonym ogniem i rozkładem. Czuje, że wszystko wokół niej znika, nie rozumiejąc dlaczego – niemal ślepa, jest niezdolna dostrzec tego, co oczywiste. Ale wkrótce zaczyna dostrzegać prawdę: ogromne, niszczycielskie stopy tratują świat, podpalając wszystko, wciągając przeszłość i przyszłość w ciemność. W końcu pozostaje jej tylko jedno: uratować siebie.
ZANIM ZNIKNIESZ / BEFORE YOU GONE (Tajwan 2026, 08:16), reż. Xie Cha-Ping
Dziś, rok po Twoim odejściu, siedzę przed Tobą i opowiadam o historii naszej rodziny, a także o tym, jak bardzo za Tobą tęsknię i czego żałuję. Emocje splatają się tu z rzeczywistością i wspomnieniami, pozostawiając po sobie to, co nigdy nie zostało wypowiedziane. Film „Before you gon” wykorzystuje osobistą narrację, łącząc autentyczne obrazy z animacją rysunkową, by uchwycić emocje, które trudno utrwalić w samej pamięci.
<3 [MNIEJ NIŻ TRZY] / <3 [LESS THAN THREE] (Niemcy 2026, 02:35), reż. Petra Stipetić
Film o walce o przynależność wbrew wszelkim przeciwnościom.
POD WODĄ / UNDER WATER (Tajwan 2026, 15:10), reż. Jen-Hsiang Chuang
Wychudzone i wyczerpane dziewczęta są uwięzione w mrocznym lochu, gdzie nieustannie padają ofiarą przemocy ze strony przerażającej istoty. Wspierając się nawzajem, szukają drogi ucieczki, by ostatecznie uświadomić sobie, że towarzyszki pomagające im w tej wędrówce były w rzeczywistości odbiciami ich samych.
JA P... / HOLY SHIT! (Grecja 2025, 04:37), reż. Taxiarchis Deligiannis, Vasilis Tsiouvaras
Oglądamy współczesne Ateny w Grecji, gdzie stare budynki, biura, kina plenerowe itp. w szybkim tempie przekształcają się w hotele i inne miejsca noclegowe dla turystów. Miasto dusi się niezliczoną rzeszą turystów, którzy gromadzą się w hotelach, w różnych miejscach, na plażach, w barach, restauracjach itp. Panuje kompletny chaos, który z dnia na dzień się pogłębia. Nagle w różnych miejscach miasta z toalet i kanałów ściekowych wydobywają się śmierdzące opary w postaci chmur, powodując dyskomfort dla ludzi...
MIŁOŚĆ, ŚMIERĆ I DOJRZEWANIE W CAMP MIASMA
Na dnie jeziora jest dziura. To z niej pochodzą filmy.
„Miłość, śmierć i dojrzewanie na Obozie Miasma”, rewelacja festiwalu w Cannes i najnowszy film w dorobku Jane Shoenbrun („W blasku ekranu”), otworzy dziewiątą edycję Octopus Film Festival! Będzie to oficjalna polska premiera filmu.
Młoda, utalentowana reżyserka Kris (Hannah Einbinder) dostaje od studia filmowego szansę życia – ma nakręcić remake kultowej serii horrorów „Camp Miasma”, która cieszyła się ogromną popularnością w latach osiemdziesiątych i dziewięćdziesiątych. Aby znaleźć inspirację, udaje się na spotkanie z Billy (Gillian Anderson), która grała główną rolę w pierwowzorze projektu. Wizyta u aktorki szybko przeradza się w coś więcej niż zwykły wywiad.
„Teenage Sex and Death at Camp Miasma” szturmem zdobyła serca widzów i krytyków na festiwalu w Cannes (100% pozytywnych recenzji na Rotten Tomatoes) i jest jednym z najbardziej oczekiwanych filmów nadchodzących wakacji.
Przygotujcie się na Małą Śmierć.
„Miłość, śmierć i dojrzewanie na Obozie Miasma”, rewelacja festiwalu w Cannes i najnowszy film w dorobku Jane Shoenbrun („W blasku ekranu”), otworzy dziewiątą edycję Octopus Film Festival! Będzie to oficjalna polska premiera filmu.
Młoda, utalentowana reżyserka Kris (Hannah Einbinder) dostaje od studia filmowego szansę życia – ma nakręcić remake kultowej serii horrorów „Camp Miasma”, która cieszyła się ogromną popularnością w latach osiemdziesiątych i dziewięćdziesiątych. Aby znaleźć inspirację, udaje się na spotkanie z Billy (Gillian Anderson), która grała główną rolę w pierwowzorze projektu. Wizyta u aktorki szybko przeradza się w coś więcej niż zwykły wywiad.
„Teenage Sex and Death at Camp Miasma” szturmem zdobyła serca widzów i krytyków na festiwalu w Cannes (100% pozytywnych recenzji na Rotten Tomatoes) i jest jednym z najbardziej oczekiwanych filmów nadchodzących wakacji.
Przygotujcie się na Małą Śmierć.
NAJLEPSZA OWSIANKA NA ŚWIECIE | SENIOR W MUZIE
Raz w roku do malowniczej wioski na północy Szkocji zjeżdżają się pasjonaci z całego świata, by rywalizować o tytuł mistrza świata w… przyrządzaniu owsianki! W filmie dokumentalnym „Najlepsza owsianka na świecie” za zaciętą kulinarną rywalizacją kryje się ciepła i pełna humoru opowieść o ekscentrycznych mieszkańcach, żywej tradycji, lokalnym dziedzictwie i wspólnocie, której częścią chciałoby się zostać po seansie.
Każdej jesieni senna górska wioska Carrbridge budzi się do życia, gdy miejscowi i zagraniczni zawodnicy podejmują kuchenną rękawicę i walczą o zaszczytną nagrodę Złotego Mieszadła w Mistrzostwach Świata w Gotowaniu Owsianki. Choć przepis wydaje się banalny – płatki owsiane, woda i sól – to sposobów na jej przyrządzanie jest multum. Co uczestnik, to inna metoda, filozofia i historia. Ale „Najlepsza owsianka na świecie” nie jest wyłącznie kroniką kulinarnych zmagań.
Dla lokalnej legendy, charyzmatycznego organizatora mistrzostw Charliego Millera, to wydarzenie znaczy o wiele więcej. Mężczyzna zbliża się do emerytury i zmaga się z problemami zdrowotnymi, jednak czuje odpowiedzialność wobec lokalnego komitetu owsiankowego i pragnie zabezpieczyć przyszłość zawodów – oraz własne dziedzictwo. O dobre imię walczy również Ian Bishop, który podejmuje ostatnią próbę zdobycia tytułu. Ale konkurencja nie śpi: niezrównana Lisa Williams, „królowa owsianki”, wraca, by odzyskać trofeum. Tymczasem nowa generacja uczestników – Toby Wilson, australijski szef kuchni znany z pomysłu na owsiankową tortillę, oraz Adam Kiani, uzbrojony w sekretną, odziedziczoną po babci technikę – zamierza zakwestionować owsiankowe status quo.
Ukazując życie niewielkiej szkockiej społeczności na tle zapierających dech w piersiach krajobrazów, film przywodzi na myśl dokumenty „Truflarze” czy „Kraina miodu” – tworzone z czułością i zrozumieniem dla swoich bohaterów. Urokliwa i pełna humoru „Najlepsza owsianka na świecie” to film, który wzrusza, otula i daje poczucie komfortu niczym miska gorącej owsianki w chłodny poranek.
Każdej jesieni senna górska wioska Carrbridge budzi się do życia, gdy miejscowi i zagraniczni zawodnicy podejmują kuchenną rękawicę i walczą o zaszczytną nagrodę Złotego Mieszadła w Mistrzostwach Świata w Gotowaniu Owsianki. Choć przepis wydaje się banalny – płatki owsiane, woda i sól – to sposobów na jej przyrządzanie jest multum. Co uczestnik, to inna metoda, filozofia i historia. Ale „Najlepsza owsianka na świecie” nie jest wyłącznie kroniką kulinarnych zmagań.
Dla lokalnej legendy, charyzmatycznego organizatora mistrzostw Charliego Millera, to wydarzenie znaczy o wiele więcej. Mężczyzna zbliża się do emerytury i zmaga się z problemami zdrowotnymi, jednak czuje odpowiedzialność wobec lokalnego komitetu owsiankowego i pragnie zabezpieczyć przyszłość zawodów – oraz własne dziedzictwo. O dobre imię walczy również Ian Bishop, który podejmuje ostatnią próbę zdobycia tytułu. Ale konkurencja nie śpi: niezrównana Lisa Williams, „królowa owsianki”, wraca, by odzyskać trofeum. Tymczasem nowa generacja uczestników – Toby Wilson, australijski szef kuchni znany z pomysłu na owsiankową tortillę, oraz Adam Kiani, uzbrojony w sekretną, odziedziczoną po babci technikę – zamierza zakwestionować owsiankowe status quo.
Ukazując życie niewielkiej szkockiej społeczności na tle zapierających dech w piersiach krajobrazów, film przywodzi na myśl dokumenty „Truflarze” czy „Kraina miodu” – tworzone z czułością i zrozumieniem dla swoich bohaterów. Urokliwa i pełna humoru „Najlepsza owsianka na świecie” to film, który wzrusza, otula i daje poczucie komfortu niczym miska gorącej owsianki w chłodny poranek.
OKRĄGŁY TYDZIEŃ | BRITISH FILM FESTIVAL 2026
[PL]
Pełnometrażowy debiut reżyserski Shane’a Madowsa jest kwintesencją tego, za co kochamy jego kino. Nakręcony w czerni i bieli film, mógłby być pretensjonalnym, artystycznym kaprysem. Tu jednak forma jest nierozłącznie powiązana z rzeczywistością bohaterów – podkreśla zarówno monotonię, jak i szarość ich świata, w którym trudno o naiwną nadzieję. Humor nieustannie sąsiaduje z agresją. W typowym angielskim miasteczku robotniczym, młodzież nie ma nic ciekawszego do roboty, niż pogrążać się w nałogach i formować się w „braterskie gangi”. Alan Darcy (Bob Hoskins) – który sam był kiedyś w podobnym miejscu – daje im kontrpropozycję. Otwiera ośrodek treningowy, w którym młodzi ludzie mogą zająć się czymś, co daje perspektywy. Oferuje im regularne treningi bokserskie, alternatywę dla przepełnionego przemocą świata i uformułowanie nowej rodziny. Patchworkowo sklejonych w tym obrazie chłopaków, zabiera na obóz integracyjny do Walii, co z czasem sprawie, że stają się drużyną, nie zbiorem przypadkowych odrzutków! Punktem kulminacyjnym tej historii będzie udział w profesjonalnych zawodach bokserskich, które są szansą pokazania, jaką drogę przebył tu każdy z bohaterów. Nakręcony w Nottingham i jego okolicach film, trafnie pokazuje społeczne konsekwencje przemian gospodarczych lat 80. i początku 90. Obecne są tu zarówno bezrobocie, jak i osłabienie lokalnych wspólnot, podyktowana frustracją przemoc w rodzinie, sztywny zarys ról męskich i żeńskich, jak i absolutny brak perspektyw dla młodych ludzi, tak charakterystyczny dla ery thatcheryzmu. Podczas rozdania nagród BAFTA w 1998 roku, film został nominowany do nagrody im. Alexandra Kordy dla najlepszego filmu brytyjskiego. Madows zdobył również nagrodę FIPRESCI na Festiwalu Filmowym w Wenecji w 1997 roku. To przykład brytyjskiego kina społecznego z lat 90., ale przede wszystkim opowieść o sporcie, który ma dać zagubionym młodym ludziom dyscyplinę, poczucie przynależności i alternatywę dla bezsensownej przemocy, która ich otacza. To również historia człowieka, który chciał dać młodszym to, czego sam nie zaznał: nadzieję, że można inaczej. Uwierzyć, że mogą być czymś więcej, niż produktem własnego środowiska i czasów, a to gdzie się urodzili i jak dorastają, nie przesądza o ich przyszłości. Nie byłby to jednak film Madowsa, gdyby nie zostawiał nas z charakterystycznym poczuciem goryczy. Ring ma być miejscem, które daje poczucie panowania nad gniewem i tego, że jest się do czegokolwiek potrzebnym na tym świecie. Ostatecznie, jesteśmy jednak tylko ludźmi.
[ENG]
Shane Meadows’ feature debut already contains many of the qualities that would come to define his cinema. Shot in black and white, the film could easily have felt like an affected artistic exercise. Instead, its visual style is inseparable from its characters, capturing both the monotony and the bleakness of a world where hope is in short supply. Humour and aggression sit side by side throughout.
In a typical English working-class town, young people have little to do beyond drifting into addiction and forming their own “brotherhoods”. Alan Darcy (Bob Hoskins), who once found himself in a similar position, offers them another way. He opens a boxing gym where they can train regularly, escape a world shaped by violence and begin to form a new kind of family. He takes this ragtag group of boys on a bonding trip to Wales and, over time, they become a team rather than a collection of outsiders. Their participation in a professional boxing tournament becomes the story’s climax and a chance to see just how far each of them has come.
Filmed in and around Nottingham, 24 7: TWENTY FOUR SEVEN captures the social consequences of the economic changes of the 1980s and early 1990s with striking accuracy. Unemployment, the erosion of local communities, frustration-fuelled domestic violence, rigid ideas of masculinity and femininity, and the complete lack of prospects for young people all form part of the landscape – hallmarks of the Thatcher era. At the 1998 BAFTA Awards, the film was nominated for the Alexander Korda Award for Best British Film, while Meadows received the FIPRESCI Prize at the 1997 Venice Film Festival. It is a fine example of 1990s British social-realist cinema, but above all a story about sport as a source of discipline, belonging and an alternative to the senseless violence surrounding these young men.
It is also the story of one man trying to give a younger generation what he never had himself: the hope that life can be different. Darcy wants them to believe they can become more than products of their environment and their time, and that where they were born or how they grew up does not have to determine their future. But this would not be a Shane Meadows film without its characteristic note of bitterness. The boxing ring is meant to offer a sense of control over anger and the feeling that one might still have a place in the world. In the end, though, we are only human.
Pełnometrażowy debiut reżyserski Shane’a Madowsa jest kwintesencją tego, za co kochamy jego kino. Nakręcony w czerni i bieli film, mógłby być pretensjonalnym, artystycznym kaprysem. Tu jednak forma jest nierozłącznie powiązana z rzeczywistością bohaterów – podkreśla zarówno monotonię, jak i szarość ich świata, w którym trudno o naiwną nadzieję. Humor nieustannie sąsiaduje z agresją. W typowym angielskim miasteczku robotniczym, młodzież nie ma nic ciekawszego do roboty, niż pogrążać się w nałogach i formować się w „braterskie gangi”. Alan Darcy (Bob Hoskins) – który sam był kiedyś w podobnym miejscu – daje im kontrpropozycję. Otwiera ośrodek treningowy, w którym młodzi ludzie mogą zająć się czymś, co daje perspektywy. Oferuje im regularne treningi bokserskie, alternatywę dla przepełnionego przemocą świata i uformułowanie nowej rodziny. Patchworkowo sklejonych w tym obrazie chłopaków, zabiera na obóz integracyjny do Walii, co z czasem sprawie, że stają się drużyną, nie zbiorem przypadkowych odrzutków! Punktem kulminacyjnym tej historii będzie udział w profesjonalnych zawodach bokserskich, które są szansą pokazania, jaką drogę przebył tu każdy z bohaterów. Nakręcony w Nottingham i jego okolicach film, trafnie pokazuje społeczne konsekwencje przemian gospodarczych lat 80. i początku 90. Obecne są tu zarówno bezrobocie, jak i osłabienie lokalnych wspólnot, podyktowana frustracją przemoc w rodzinie, sztywny zarys ról męskich i żeńskich, jak i absolutny brak perspektyw dla młodych ludzi, tak charakterystyczny dla ery thatcheryzmu. Podczas rozdania nagród BAFTA w 1998 roku, film został nominowany do nagrody im. Alexandra Kordy dla najlepszego filmu brytyjskiego. Madows zdobył również nagrodę FIPRESCI na Festiwalu Filmowym w Wenecji w 1997 roku. To przykład brytyjskiego kina społecznego z lat 90., ale przede wszystkim opowieść o sporcie, który ma dać zagubionym młodym ludziom dyscyplinę, poczucie przynależności i alternatywę dla bezsensownej przemocy, która ich otacza. To również historia człowieka, który chciał dać młodszym to, czego sam nie zaznał: nadzieję, że można inaczej. Uwierzyć, że mogą być czymś więcej, niż produktem własnego środowiska i czasów, a to gdzie się urodzili i jak dorastają, nie przesądza o ich przyszłości. Nie byłby to jednak film Madowsa, gdyby nie zostawiał nas z charakterystycznym poczuciem goryczy. Ring ma być miejscem, które daje poczucie panowania nad gniewem i tego, że jest się do czegokolwiek potrzebnym na tym świecie. Ostatecznie, jesteśmy jednak tylko ludźmi.
[ENG]
Shane Meadows’ feature debut already contains many of the qualities that would come to define his cinema. Shot in black and white, the film could easily have felt like an affected artistic exercise. Instead, its visual style is inseparable from its characters, capturing both the monotony and the bleakness of a world where hope is in short supply. Humour and aggression sit side by side throughout.
In a typical English working-class town, young people have little to do beyond drifting into addiction and forming their own “brotherhoods”. Alan Darcy (Bob Hoskins), who once found himself in a similar position, offers them another way. He opens a boxing gym where they can train regularly, escape a world shaped by violence and begin to form a new kind of family. He takes this ragtag group of boys on a bonding trip to Wales and, over time, they become a team rather than a collection of outsiders. Their participation in a professional boxing tournament becomes the story’s climax and a chance to see just how far each of them has come.
Filmed in and around Nottingham, 24 7: TWENTY FOUR SEVEN captures the social consequences of the economic changes of the 1980s and early 1990s with striking accuracy. Unemployment, the erosion of local communities, frustration-fuelled domestic violence, rigid ideas of masculinity and femininity, and the complete lack of prospects for young people all form part of the landscape – hallmarks of the Thatcher era. At the 1998 BAFTA Awards, the film was nominated for the Alexander Korda Award for Best British Film, while Meadows received the FIPRESCI Prize at the 1997 Venice Film Festival. It is a fine example of 1990s British social-realist cinema, but above all a story about sport as a source of discipline, belonging and an alternative to the senseless violence surrounding these young men.
It is also the story of one man trying to give a younger generation what he never had himself: the hope that life can be different. Darcy wants them to believe they can become more than products of their environment and their time, and that where they were born or how they grew up does not have to determine their future. But this would not be a Shane Meadows film without its characteristic note of bitterness. The boxing ring is meant to offer a sense of control over anger and the feeling that one might still have a place in the world. In the end, though, we are only human.
PALESTYNA 36 | POKAZ SPECJALNY Z DYSKUSJĄ
Rok 1936, mieszkańcy Palestyny powstają przeciwko brytyjskim rządom. Jusuf dzieli swoje życie pomiędzy Jerozolimą a życiem na prowincji, marząc o przyszłości wolnej od wojennej zawieruchy. W miarę jak rośnie liczba żydowskich osadników uciekających przed falą antysemityzmu w Europie, Palestyńczycy jednoczą się w akcie największego oporu w 30-letniej historii brytyjskiego panowania. Wszystkie strony stoją w obliczu nieuchronnej konfrontacji. Nadchodzą kluczowe chwile dla przyszłości Imperium Brytyjskiego i Palestyny.
Pokaz specjalny jest częścią ogólnopolskiej premiery filmu „Palestyna 36". Film wprowadzony do polskich kin dzięki Portalowi Immersja oraz FFIPP Poland.
Po pokazie odbędzie się dyskusja z gościem - Przemysławem Wielgoszem. Spotkanie poprowadzi Natalia Zajączkowska.
Pokaz specjalny jest częścią ogólnopolskiej premiery filmu „Palestyna 36". Film wprowadzony do polskich kin dzięki Portalowi Immersja oraz FFIPP Poland.
Po pokazie odbędzie się dyskusja z gościem - Przemysławem Wielgoszem. Spotkanie poprowadzi Natalia Zajączkowska.
PIEŚNI LASU
Twórca filmu „DUCH ŚNIEGÓW”, w którym zakochała się polska publiczność, powraca z nową produkcją zanurzoną w tajemniczym świecie przyrody. Zostaniemy przeniesieni lasu Wogezów, w którym reżyser razem z ojcem i synem eksplorują leśne zwierzęta i uwieczniają ich ruch oraz dźwięk. To kojący obraz natury nietkniętej przez człowieka i przekazywanych z pokolenia na pokolenia inspirujących opowieści.
PIEŚNI LASU | SENIOR W MUZIE
Twórca filmu „DUCH ŚNIEGÓW”, w którym zakochała się polska publiczność, powraca z nową produkcją zanurzoną w tajemniczym świecie przyrody. Zostaniemy przeniesieni lasu Wogezów, w którym reżyser razem z ojcem i synem eksplorują leśne zwierzęta i uwieczniają ich ruch oraz dźwięk. To kojący obraz natury nietkniętej przez człowieka i przekazywanych z pokolenia na pokolenia inspirujących opowieści.
PRIMETIME
Robert Pattinson w elektryzującej roli, która ma przynieść mu pierwszą w karierze nominację do Oscara. Inspirowany prawdziwymi wydarzeniami, trzymający w napięciu thriller o cienkiej granicy między ambicją i żądzą sukcesu a obsesją, która zamienia się w niebezpieczną grę.
Chris Hansen (Robert Pattinson), charyzmatyczny reporter, przenika do podziemnego świata przestępczego i pragnie zmienić oblicze telewizji. Z czasem jednak ulega własnej obsesji i w drodze na szczyt popularności zaczyna zatracać swój pierwotny cel.
Chris Hansen (Robert Pattinson), charyzmatyczny reporter, przenika do podziemnego świata przestępczego i pragnie zmienić oblicze telewizji. Z czasem jednak ulega własnej obsesji i w drodze na szczyt popularności zaczyna zatracać swój pierwotny cel.
PUCIO KOCHA ZWIERZAKI | DZIECIAKI, DO KINA!
Pucio wraca do kin! Tym razem obok rodziny Pucia w ważnych rolach wystąpią pies Funio, kot Mimi oraz cała ferajna zwierzaków. Przygotujcie się na mnóstwo śmiechu, wakacyjnych przygód i rodzinnych wzruszeń!
U Pucia jak zwykle dużo się dzieje. Spędza wakacje u dziadków na wsi i sadzi swoje pierwsze drzewo, a podczas spaceru w parku rusza z Misią na misję ratunkową, by odnaleźć psa sąsiada. Kiedy ich własny, ukochany Funio gorzej się czuje, rodzeństwo robi, co w ich mocy, by poprawić mu humor. Wygląda jednak na to, że czas odwiedzić weterynarza! Emocji nie zabraknie również w przedszkolu: Pucio pomoże nowej koleżance Malinie odnaleźć się w grupie i razem z kolegami odkryje, że nie trzeba tańczyć idealnie – liczy się wyobraźnia i radość z bycia razem.
„Pucio kocha zwierzaki” to ekranizacja bestsellerowej serii książek dr Marty Galewskiej-Kustry z ilustracjami Joanny Kłos. Opowieści o Puciu, publikowane przez Wydawnictwo „Nasza Księgarnia”, w lekki, mądry i pełen humoru sposób oswajają tematy bliskie wszystkim przedszkolakom. W animacji ponownie usłyszymy gwiazdorską obsadę dubbingową: m.in. Joannę Pach-Żbikowską, Małgorzatę Sochę i Artura Barcisia, oraz wyjątkową oprawę muzyczną autorstwa Grzegorza Turnaua.
Odcinki, które zobaczymy w trakcie seansów:
Pucio u weterynarza – reż. Anna Błaszczyk
Pucio i Malina w przedszkolu – reż. Marta Stróżycka
Pucio i pojazdy – reż. Marta Stróżycka
Pucio i kołysanka dla samolotu – reż. Marta Stróżycka
Pucio tańczy – reż. Anna Błaszczyk
Pucio sadzi drzewo – reż. Katarzyna Agopsowicz
Pucio i późny spacer – reż. Dominik Litwiniak
U Pucia jak zwykle dużo się dzieje. Spędza wakacje u dziadków na wsi i sadzi swoje pierwsze drzewo, a podczas spaceru w parku rusza z Misią na misję ratunkową, by odnaleźć psa sąsiada. Kiedy ich własny, ukochany Funio gorzej się czuje, rodzeństwo robi, co w ich mocy, by poprawić mu humor. Wygląda jednak na to, że czas odwiedzić weterynarza! Emocji nie zabraknie również w przedszkolu: Pucio pomoże nowej koleżance Malinie odnaleźć się w grupie i razem z kolegami odkryje, że nie trzeba tańczyć idealnie – liczy się wyobraźnia i radość z bycia razem.
„Pucio kocha zwierzaki” to ekranizacja bestsellerowej serii książek dr Marty Galewskiej-Kustry z ilustracjami Joanny Kłos. Opowieści o Puciu, publikowane przez Wydawnictwo „Nasza Księgarnia”, w lekki, mądry i pełen humoru sposób oswajają tematy bliskie wszystkim przedszkolakom. W animacji ponownie usłyszymy gwiazdorską obsadę dubbingową: m.in. Joannę Pach-Żbikowską, Małgorzatę Sochę i Artura Barcisia, oraz wyjątkową oprawę muzyczną autorstwa Grzegorza Turnaua.
Odcinki, które zobaczymy w trakcie seansów:
Pucio u weterynarza – reż. Anna Błaszczyk
Pucio i Malina w przedszkolu – reż. Marta Stróżycka
Pucio i pojazdy – reż. Marta Stróżycka
Pucio i kołysanka dla samolotu – reż. Marta Stróżycka
Pucio tańczy – reż. Anna Błaszczyk
Pucio sadzi drzewo – reż. Katarzyna Agopsowicz
Pucio i późny spacer – reż. Dominik Litwiniak
RISA I BUDKA TELEFONICZNA | LATIN FILM FEST 2026
Risa to wyjątkowo samodzielna 10-latka, która mieszka z mamą (w tej roli gwiazda latynoamerykańskiej muzyki, Cazzu) w miasteczku na krańcu świata. Tam, gdzie wszystko się kończy, a co innego zaczyna. Dziewczynka odkrywa, że nieczynna budka telefoniczna pozwala rozmawiać ze zmarłymi. Każdy rozmówca ma swoją historię, niedokończoną sprawę w świecie żywych. Risa pomaga spełnić zmarłym ich prośby, a w zamian oczekuje tylko jednego - rozmowy z własnym ojcem. Jej pomocnikami zostają lekko depresyjny sąsiad (Diego Peretti) oraz chomik.
Film pełen małych, czułych gestów, okraszonych realizmem magicznym i z muzyką argentyńskiego zespołu rockowego Babasónicos w tle. “Risa i budka telefoniczna” zdobył nagrodę na najlepszego filmu i najlepszego reżysera na argentyńskim festiwalu w Mar del Plata, gdzie został przyjęty owacją na stojąco.
Film pełen małych, czułych gestów, okraszonych realizmem magicznym i z muzyką argentyńskiego zespołu rockowego Babasónicos w tle. “Risa i budka telefoniczna” zdobył nagrodę na najlepszego filmu i najlepszego reżysera na argentyńskim festiwalu w Mar del Plata, gdzie został przyjęty owacją na stojąco.
ROZWAŻNA I ROMANTYCZNA
Georgeia Oakley jest reżyserką nowej interpretacji Rozważnej i romantycznej Jane Austen. To produkcja Working Title, oparta na scenariuszu Diany Reid, w rolach głównych zobaczymy: Daisy Edgar-Jones, Esmé Creed-Miles, Caitríonę Balfe, Franka Dillane’a, Herberta Nordruma, Bodhi Rae Breathnach, George’a MacKaya oraz Fionę Shaw.
Akcja, osadzona w Anglii epoki georgiańskiej, podąża za losami zamożnego pana Dashwooda, który umiera, pozostawiając swoją drugą żonę oraz trzy córki w trudnej sytuacji finansowej. Kobiety przenoszą się do skromnej wiejskiej posiadłości, gdzie dwie starsze siostry rywalizują o względy różnych adoratorów, poszukując prawdziwej miłości.
Producentami filmu są: Tim Bevan i Eric Fellner z Working Title, a także India Flint z November Pictures oraz Jo Wallett z Kiddo Films. Working Title i Focus wcześniej współpracowały przy filmowej adaptacji Dumy i uprzedzenia z 2005 roku, która zdobyła cztery nominacje do Oscara, oraz przy kinowej wersji Emmy z 2020 roku.
Rozważna i romantyczna trafiła na ekrany również w 1995 roku ze studia Sony Pictures Classics — film w reżyserii Anga Lee, ze scenariuszem Emmy Thompson, nagrodzonej Oscarem za najlepszy scenariusz adaptowany. Thompson zagrała także Elinor Dashwood, a Kate Winslet wcieliła się w Marianne. Produkcja otrzymała w sumie siedem nominacji do Oscara i zarobiła ponad 134 miliony dolarów na świecie.
Akcja, osadzona w Anglii epoki georgiańskiej, podąża za losami zamożnego pana Dashwooda, który umiera, pozostawiając swoją drugą żonę oraz trzy córki w trudnej sytuacji finansowej. Kobiety przenoszą się do skromnej wiejskiej posiadłości, gdzie dwie starsze siostry rywalizują o względy różnych adoratorów, poszukując prawdziwej miłości.
Producentami filmu są: Tim Bevan i Eric Fellner z Working Title, a także India Flint z November Pictures oraz Jo Wallett z Kiddo Films. Working Title i Focus wcześniej współpracowały przy filmowej adaptacji Dumy i uprzedzenia z 2005 roku, która zdobyła cztery nominacje do Oscara, oraz przy kinowej wersji Emmy z 2020 roku.
Rozważna i romantyczna trafiła na ekrany również w 1995 roku ze studia Sony Pictures Classics — film w reżyserii Anga Lee, ze scenariuszem Emmy Thompson, nagrodzonej Oscarem za najlepszy scenariusz adaptowany. Thompson zagrała także Elinor Dashwood, a Kate Winslet wcieliła się w Marianne. Produkcja otrzymała w sumie siedem nominacji do Oscara i zarobiła ponad 134 miliony dolarów na świecie.
ROZWAŻNA I ROMANTYCZNA | SENIOR W MUZIE
Film brytyjskiej reżyserki, która niedawno zadebiutowała filmem „BLUE JEAN”, a teraz adaptuje prozę samej Jane Austen. To opowieść o trzech córkach Dashwoodów, które tracą swojego zamożnego ojca i zaczynają się mierzyć z problemami finansowymi. Są zmuszone szukać szczęścia w wiejskiej posiadłości, gdzie ze sobą rywalizują, aby odnaleźć kochającego partnera. W obsadzie pojawiają się cenione gwiazdy, m.in. Daisy Edgar-Jones, George MacKay i Fiona Shaw.
RÓŻA
„Róża” jest przewrotną opowieścią o cenie wolności i o odwadze życia na własnych zasadach. Kwestionujący patriarchalny przywilej i binarny podział płci, chłodno analizujący mechanizmy społeczne, film Markusa Schleinzera okazuje się zaskakująco współczesny. Choć minimalistyczny, to pieczołowicie odtwarza detale życia XVII-wiecznej niemieckiej wsi, a eleganckie, surowe zdjęcia budują gęstą atmosferę narastającego zagrożenia. Schleinzer, podobnie jak Robert Eggers, jest mistrzem stylizacji i niepokojącej aury. Dla obu historia bywa pretekstem do filmowej przypowieści o naszych czasach. „Róża” składa hołd tym, którzy przetarli nam ścieżki, ale też przypomina, że prawo do bycia sobą jest zdobyczą, o którą wciąż trzeba walczyć.
SILENT FLOOD | 11. UKRAINA! FESTIWAL FILMOWY
Nad Dniestrem w zachodniej Ukrainie żyje zamknięta, pacyfistyczna wspólnota religijna, która od pokoleń zachowuje tradycyjny sposób życia. Mieszkańcy pracują na roli, korzystają z koni i nie używają elektryczności.
Ich spokojny świat zostaje skonfrontowany z dwiema potężnymi siłami – powodzią i wojną. Film obserwuje wspólnotę z niezwykłą bliskością, pokazując, jak wydarzenia współczesne przenikają do świata, który przez lata próbował pozostać poza zewnętrzną rzeczywistością.
Nagrody
IDFA Award for Best Cinematography – International Competition, IDFA 2025
Silver Horn – Krakow Film Festival
Ich spokojny świat zostaje skonfrontowany z dwiema potężnymi siłami – powodzią i wojną. Film obserwuje wspólnotę z niezwykłą bliskością, pokazując, jak wydarzenia współczesne przenikają do świata, który przez lata próbował pozostać poza zewnętrzną rzeczywistością.
Nagrody
IDFA Award for Best Cinematography – International Competition, IDFA 2025
Silver Horn – Krakow Film Festival
THE ROOM RETURNS | NAJLEPSZE Z NAJGORSZYCH
Co się stanie, gdy jeden z najsłynniejszych „najgorszych filmów świata” trafi w ręce naprawdę świetnych aktorów?
Oryginalny „The Room” Tommy’ego Wiseau z 2003 roku przeszedł do historii kina nie do końca z powodów, o jakich marzą twórcy. Produkcja pochłonęła około 6 milionów dolarów i wiele miesięcy zdjęć, a osobliwe dialogi, niezrozumiałe decyzje bohaterów i legendarne już sceny sprawiły, że film stał się światowym fenomenem i jednym z największych kultowych hitów kina „tak złego, że aż dobrego”.
„The Room Returns” bierze tę samą historię i przeprowadza na niej fascynujący eksperyment. Tym razem film powstał praktycznie bez budżetu, a zdjęcia zrealizowano w mniej niż 12 godzin. W rolę Johnny’ego wciela się Bob Odenkirk, gwiazda „Better Call Saul” i „Breaking Bad”, a obok niego występują m.in. Bella Heathcote, Kate Siegel oraz Greg Sestero – jedyny aktor z obsady oryginalnego „The Room”, który powrócił w nowej wersji, tym razem w zupełnie innej roli.
W projekt zaangażował się również jeden z najważniejszych współczesnych twórców horroru, Mike Flanagan, reżyser „Doktor Sen”, „Oculus” i twórca „Nawiedzonego domu na wzgórzu”. Flanagan został producentem wykonawczym filmu, a przy okazji sam stanął przed kamerą jako Peter – psycholog i przyjaciel Johnny’ego i Marka.
Nie było prób. Aktorzy mieli do dyspozycji promptery i zadanie, które brzmi niemal niemożliwie: zagrać tekst Tommy’ego Wiseau całkowicie serio.
I właśnie tu zaczyna się cała zabawa. Twórcy nie dystansują się od materiału, nie mrugają do widza i nie zamieniają „The Room” w parodię. Przeciwnie – aktorzy rzucają się w tę historię z pełnym zaangażowaniem, śmiertelną powagą i niemal szekspirowskim patosem. Bob Odenkirk naprawdę próbuje sprawić, żeby każda z tych słynnych kwestii zabrzmiała wiarygodnie.
Czy genialny aktor może uratować fatalny dialog? Czy świetny warsztat aktorski jest w stanie zmienić jeden z najbardziej osobliwych scenariuszy w historii kina? A może właśnie wtedy absurd „The Room” ujawnia swoją pełną moc?
„The Room Returns” jest jednocześnie hołdem, filmowym eksperymentem i kolejnym rozdziałem jednej z najbardziej nieprawdopodobnych historii popkultury. A wszystko powstało w szczytnym celu – jako charytatywny projekt Acting for a Cause.
Oryginalny „The Room” Tommy’ego Wiseau z 2003 roku przeszedł do historii kina nie do końca z powodów, o jakich marzą twórcy. Produkcja pochłonęła około 6 milionów dolarów i wiele miesięcy zdjęć, a osobliwe dialogi, niezrozumiałe decyzje bohaterów i legendarne już sceny sprawiły, że film stał się światowym fenomenem i jednym z największych kultowych hitów kina „tak złego, że aż dobrego”.
„The Room Returns” bierze tę samą historię i przeprowadza na niej fascynujący eksperyment. Tym razem film powstał praktycznie bez budżetu, a zdjęcia zrealizowano w mniej niż 12 godzin. W rolę Johnny’ego wciela się Bob Odenkirk, gwiazda „Better Call Saul” i „Breaking Bad”, a obok niego występują m.in. Bella Heathcote, Kate Siegel oraz Greg Sestero – jedyny aktor z obsady oryginalnego „The Room”, który powrócił w nowej wersji, tym razem w zupełnie innej roli.
W projekt zaangażował się również jeden z najważniejszych współczesnych twórców horroru, Mike Flanagan, reżyser „Doktor Sen”, „Oculus” i twórca „Nawiedzonego domu na wzgórzu”. Flanagan został producentem wykonawczym filmu, a przy okazji sam stanął przed kamerą jako Peter – psycholog i przyjaciel Johnny’ego i Marka.
Nie było prób. Aktorzy mieli do dyspozycji promptery i zadanie, które brzmi niemal niemożliwie: zagrać tekst Tommy’ego Wiseau całkowicie serio.
I właśnie tu zaczyna się cała zabawa. Twórcy nie dystansują się od materiału, nie mrugają do widza i nie zamieniają „The Room” w parodię. Przeciwnie – aktorzy rzucają się w tę historię z pełnym zaangażowaniem, śmiertelną powagą i niemal szekspirowskim patosem. Bob Odenkirk naprawdę próbuje sprawić, żeby każda z tych słynnych kwestii zabrzmiała wiarygodnie.
Czy genialny aktor może uratować fatalny dialog? Czy świetny warsztat aktorski jest w stanie zmienić jeden z najbardziej osobliwych scenariuszy w historii kina? A może właśnie wtedy absurd „The Room” ujawnia swoją pełną moc?
„The Room Returns” jest jednocześnie hołdem, filmowym eksperymentem i kolejnym rozdziałem jednej z najbardziej nieprawdopodobnych historii popkultury. A wszystko powstało w szczytnym celu – jako charytatywny projekt Acting for a Cause.
THE SOCIAL RECKONING. W SIECI KONSEKWENCJI
Zobaczymy kontynuację filmu Aarona Sorkina „The Social Network” pod tytułem „The Social Reckoning. W sieci konsekwencji”, której premiera kinowa zaplanowana jest na 9 października 2026 roku.
Aaron Sorkin otrzymał Oscara za scenariusz adaptowany do filmu „The Social Network”.
W nowym filmie zobaczymy nominowanego do Oscara Jeremy’ego Stronga, który wcieli się w rolę Marka Zuckerberga; lauretkę Oscara, Mikey Madison, która wcieli się w rolę Frances Haugen; oraz laureata Złotego Globu i Emmy Jeremy’ego Allena White’a, który zagra reportera Wall Street Journal Jeffa Horowitza, autora serii artykułów znanych jako „The Facebook Files”. Te opublikowane w październiku 2021 r. reportaże ujawniły wewnętrzne funkcjonowanie Facebooka i wiele szkód spowodowanych przez tę platformę.
Aaron Sorkin otrzymał Oscara za scenariusz adaptowany do filmu „The Social Network”.
W nowym filmie zobaczymy nominowanego do Oscara Jeremy’ego Stronga, który wcieli się w rolę Marka Zuckerberga; lauretkę Oscara, Mikey Madison, która wcieli się w rolę Frances Haugen; oraz laureata Złotego Globu i Emmy Jeremy’ego Allena White’a, który zagra reportera Wall Street Journal Jeffa Horowitza, autora serii artykułów znanych jako „The Facebook Files”. Te opublikowane w październiku 2021 r. reportaże ujawniły wewnętrzne funkcjonowanie Facebooka i wiele szkód spowodowanych przez tę platformę.
VINCENT. LEGENDA OCEANU | DZIECIAKI, DO KINA!
Wielkie głębiny, jeszcze większe wyzwania i… humbak szukający własnego głosu! Nastoletni Vincent musi kontynuować misję swojego ojca, legendarnego Magicznego Wieloryba, którego śpiew chronił oceany. Niestety, zamiast tego niezwykłego daru ma jedynie wyjątkowy talent do… wpadania w tarapaty!
Kiedy starożytny Lewiatan budzi się ze snu i zaczyna mącić w podwodnym królestwie, Vincent musi zebrać w sobie odwagę i przejąć stery. Na szczęście nie płynie sam. U boku ma Waltera – najbardziej zrzędliwą rybę pod słońcem i pod wodą, oraz Darię – niesłychanie pyskatą i nieustraszoną orkę. Ta genialnie niedobrana ekipa wyrusza w epicką, pełną humoru i niesamowitych zwrotów akcji podróż, by odnaleźć mityczną pieśń zdolną przywrócić ład w oceanie. To podwodny wyścig z czasem wymagający przede wszystkim sprytu i lojalności oraz pomagający odkryć własną, unikalną siłę.
„Vincent. Legenda oceanu” jest zrealizowanym z rozmachem i przepięknym wizualnie widowiskiem, które idealnie łączy dynamiczną akcję z uniwersalnym humorem. To doskonała propozycja na pełen pozytywnych emocji seans kinowy dla całej rodziny.
Kiedy starożytny Lewiatan budzi się ze snu i zaczyna mącić w podwodnym królestwie, Vincent musi zebrać w sobie odwagę i przejąć stery. Na szczęście nie płynie sam. U boku ma Waltera – najbardziej zrzędliwą rybę pod słońcem i pod wodą, oraz Darię – niesłychanie pyskatą i nieustraszoną orkę. Ta genialnie niedobrana ekipa wyrusza w epicką, pełną humoru i niesamowitych zwrotów akcji podróż, by odnaleźć mityczną pieśń zdolną przywrócić ład w oceanie. To podwodny wyścig z czasem wymagający przede wszystkim sprytu i lojalności oraz pomagający odkryć własną, unikalną siłę.
„Vincent. Legenda oceanu” jest zrealizowanym z rozmachem i przepięknym wizualnie widowiskiem, które idealnie łączy dynamiczną akcję z uniwersalnym humorem. To doskonała propozycja na pełen pozytywnych emocji seans kinowy dla całej rodziny.
Warsztaty komiksowe
Na warsztatach komiksowych będziemy tworzyć narrację za pomocą rysunku. Nauczymy się podstaw i różnych technik rysunkowych, a także dowiemy się jakie znaczenie ma odpowiedni plan wydarzeń, kadr oraz typografia. Uczestnicy na każdych zajęciach dostaną zadania rozwijające kreatywność, wyobraźnię oraz pewność siebie poprzez twórczą zabawę.
Warsztaty teatralne 4-6 lat
CZYM JEST TEATR KIDS?
To więcej niż zajęcia! Podczas warsztatów dzieci wyruszają w podróż do świata humorystycznych spektakli. Tworzą własne opowieści, uczą się wierszy i piosenek oraz wspólnie z bohaterami szukają kreatywnych rozwiązań. Na zajęciach pojawiają się lalki teatralne, rekwizyty i muzyka, by w pełni rozwijać dziecięcą wyobraźnię.
CO ROZWINIE TWOJE DZIECKO?
ODWAGĘ – ośmieli się przed publicznością i zyska pewność siebie.
KREATYWNOŚĆ – nauczy się myśleć nieszablonowo i znajdować własne rozwiązania.
WSPÓŁPRACĘ – pozna siłę wspólnego działania i przyjaźni.
WYOBRAŹNIĘ – rozwinie swój potencjał twórczy i otworzy się na nowe pomysły.
PRAWIDŁOWĄ DYKCJĘ– dzięki zabawom z wierszami i piosenkami.
Warsztaty poprowadzi Magda Młynarczyk.
Pedagożka teatralna, reżyserka. Absolwentka reżyserii teatru lalek w Akademii Sztuk Teatralnych im. S. Wyspiańskiego, filia we Wrocławiu. Ukończyła teatrologię na Uniwersytecie Wrocławskim oraz studio pantomimy we Wrocławskim Teatrze Pantomimy im. H. Tomaszewskiego. Przez wiele lat koordynowała projekty i współprowadziła Fundację Pantomima. Autorskie spektakle i projekty realizuje w Teatrze Formalina, którego jest założycielką. Realizowała spektakle m.in. w Ach!Teatrze, Instytucie im. J. Grotowskiego, Czasoprzestrzeni, Muzeum Teatralnym we Wrocławiu, Teatrze Capitol we Wrocławiu, Teatrze Guliwer w Warszawie, Lubuskim Teatrze w Zielonej Górze, Teatrze Rabcio czy Teatrze Figur w Krakowie. Jako pedagożka działa w założonej przez siebie grupie Teatrowo oraz w Studiu Sztuki Aktorskiej STA.
W pracy teatralnej z najmłodszymi czerpię z ich wrodzonych umiejętności i predyspozycji, starając się wesprzeć dzieci w ich rozwoju. Staram się słuchać ich potrzeb i podążać za nimi, nie oceniając i wspierając ich wrażliwość i indywidualność. Bardzo ważne jest dla mnie rozwijanie wyobraźni dzieci, uważności oraz otwieranie ich na pomysły innych.
Warsztaty będą odbywały się 1x w tygodniu i zakończone będą lekcją pokazową dla rodziców.
Informacje dodatkowe:
Godziny:
- godz. 16:15 dla dzieci w wieku 4-6 lat
- godz. 17:00 dla dzieci z klas I-III/ grupa zakończy cykl warsztatów stworzeniem własnego przedstawienia/etiudy. Prosimy zatem o systematyczny udział w zajęciach
To więcej niż zajęcia! Podczas warsztatów dzieci wyruszają w podróż do świata humorystycznych spektakli. Tworzą własne opowieści, uczą się wierszy i piosenek oraz wspólnie z bohaterami szukają kreatywnych rozwiązań. Na zajęciach pojawiają się lalki teatralne, rekwizyty i muzyka, by w pełni rozwijać dziecięcą wyobraźnię.
CO ROZWINIE TWOJE DZIECKO?
ODWAGĘ – ośmieli się przed publicznością i zyska pewność siebie.
KREATYWNOŚĆ – nauczy się myśleć nieszablonowo i znajdować własne rozwiązania.
WSPÓŁPRACĘ – pozna siłę wspólnego działania i przyjaźni.
WYOBRAŹNIĘ – rozwinie swój potencjał twórczy i otworzy się na nowe pomysły.
PRAWIDŁOWĄ DYKCJĘ– dzięki zabawom z wierszami i piosenkami.
Warsztaty poprowadzi Magda Młynarczyk.
Pedagożka teatralna, reżyserka. Absolwentka reżyserii teatru lalek w Akademii Sztuk Teatralnych im. S. Wyspiańskiego, filia we Wrocławiu. Ukończyła teatrologię na Uniwersytecie Wrocławskim oraz studio pantomimy we Wrocławskim Teatrze Pantomimy im. H. Tomaszewskiego. Przez wiele lat koordynowała projekty i współprowadziła Fundację Pantomima. Autorskie spektakle i projekty realizuje w Teatrze Formalina, którego jest założycielką. Realizowała spektakle m.in. w Ach!Teatrze, Instytucie im. J. Grotowskiego, Czasoprzestrzeni, Muzeum Teatralnym we Wrocławiu, Teatrze Capitol we Wrocławiu, Teatrze Guliwer w Warszawie, Lubuskim Teatrze w Zielonej Górze, Teatrze Rabcio czy Teatrze Figur w Krakowie. Jako pedagożka działa w założonej przez siebie grupie Teatrowo oraz w Studiu Sztuki Aktorskiej STA.
W pracy teatralnej z najmłodszymi czerpię z ich wrodzonych umiejętności i predyspozycji, starając się wesprzeć dzieci w ich rozwoju. Staram się słuchać ich potrzeb i podążać za nimi, nie oceniając i wspierając ich wrażliwość i indywidualność. Bardzo ważne jest dla mnie rozwijanie wyobraźni dzieci, uważności oraz otwieranie ich na pomysły innych.
Warsztaty będą odbywały się 1x w tygodniu i zakończone będą lekcją pokazową dla rodziców.
Informacje dodatkowe:
Godziny:
- godz. 16:15 dla dzieci w wieku 4-6 lat
- godz. 17:00 dla dzieci z klas I-III/ grupa zakończy cykl warsztatów stworzeniem własnego przedstawienia/etiudy. Prosimy zatem o systematyczny udział w zajęciach
Warsztaty teatralne dla klas I-III
CZYM JEST TEATR KIDS?
To więcej niż zajęcia! Podczas warsztatów dzieci wyruszają w podróż do świata humorystycznych spektakli. Tworzą własne opowieści, uczą się wierszy i piosenek oraz wspólnie z bohaterami szukają kreatywnych rozwiązań. Na zajęciach pojawiają się lalki teatralne, rekwizyty i muzyka, by w pełni rozwijać dziecięcą wyobraźnię.
CO ROZWINIE TWOJE DZIECKO?
ODWAGĘ – ośmieli się przed publicznością i zyska pewność siebie.
KREATYWNOŚĆ – nauczy się myśleć nieszablonowo i znajdować własne rozwiązania.
WSPÓŁPRACĘ – pozna siłę wspólnego działania i przyjaźni.
WYOBRAŹNIĘ – rozwinie swój potencjał twórczy i otworzy się na nowe pomysły.
PRAWIDŁOWĄ DYKCJĘ– dzięki zabawom z wierszami i piosenkami.
Warsztaty poprowadzi Magda Młynarczyk.
Pedagożka teatralna, reżyserka. Absolwentka reżyserii teatru lalek w Akademii Sztuk Teatralnych im. S. Wyspiańskiego, filia we Wrocławiu. Ukończyła teatrologię na Uniwersytecie Wrocławskim oraz studio pantomimy we Wrocławskim Teatrze Pantomimy im. H. Tomaszewskiego. Przez wiele lat koordynowała projekty i współprowadziła Fundację Pantomima. Autorskie spektakle i projekty realizuje w Teatrze Formalina, którego jest założycielką. Realizowała spektakle m.in. w Ach!Teatrze, Instytucie im. J. Grotowskiego, Czasoprzestrzeni, Muzeum Teatralnym we Wrocławiu, Teatrze Capitol we Wrocławiu, Teatrze Guliwer w Warszawie, Lubuskim Teatrze w Zielonej Górze, Teatrze Rabcio czy Teatrze Figur w Krakowie. Jako pedagożka działa w założonej przez siebie grupie Teatrowo oraz w Studiu Sztuki Aktorskiej STA.
W pracy teatralnej z najmłodszymi czerpię z ich wrodzonych umiejętności i predyspozycji, starając się wesprzeć dzieci w ich rozwoju. Staram się słuchać ich potrzeb i podążać za nimi, nie oceniając i wspierając ich wrażliwość i indywidualność. Bardzo ważne jest dla mnie rozwijanie wyobraźni dzieci, uważności oraz otwieranie ich na pomysły innych.
Warsztaty będą odbywały się 1x w tygodniu i zakończone będą lekcją pokazową dla rodziców.
Informacje dodatkowe:
Godziny:
- godz. 16:15 dla dzieci w wieku 4-6 lat
- godz. 17:00 dla dzieci z klas I-III/ grupa zakończy cykl warsztatów stworzeniem własnego przedstawienia/etiudy. Prosimy zatem o systematyczny udział w zajęciach
To więcej niż zajęcia! Podczas warsztatów dzieci wyruszają w podróż do świata humorystycznych spektakli. Tworzą własne opowieści, uczą się wierszy i piosenek oraz wspólnie z bohaterami szukają kreatywnych rozwiązań. Na zajęciach pojawiają się lalki teatralne, rekwizyty i muzyka, by w pełni rozwijać dziecięcą wyobraźnię.
CO ROZWINIE TWOJE DZIECKO?
ODWAGĘ – ośmieli się przed publicznością i zyska pewność siebie.
KREATYWNOŚĆ – nauczy się myśleć nieszablonowo i znajdować własne rozwiązania.
WSPÓŁPRACĘ – pozna siłę wspólnego działania i przyjaźni.
WYOBRAŹNIĘ – rozwinie swój potencjał twórczy i otworzy się na nowe pomysły.
PRAWIDŁOWĄ DYKCJĘ– dzięki zabawom z wierszami i piosenkami.
Warsztaty poprowadzi Magda Młynarczyk.
Pedagożka teatralna, reżyserka. Absolwentka reżyserii teatru lalek w Akademii Sztuk Teatralnych im. S. Wyspiańskiego, filia we Wrocławiu. Ukończyła teatrologię na Uniwersytecie Wrocławskim oraz studio pantomimy we Wrocławskim Teatrze Pantomimy im. H. Tomaszewskiego. Przez wiele lat koordynowała projekty i współprowadziła Fundację Pantomima. Autorskie spektakle i projekty realizuje w Teatrze Formalina, którego jest założycielką. Realizowała spektakle m.in. w Ach!Teatrze, Instytucie im. J. Grotowskiego, Czasoprzestrzeni, Muzeum Teatralnym we Wrocławiu, Teatrze Capitol we Wrocławiu, Teatrze Guliwer w Warszawie, Lubuskim Teatrze w Zielonej Górze, Teatrze Rabcio czy Teatrze Figur w Krakowie. Jako pedagożka działa w założonej przez siebie grupie Teatrowo oraz w Studiu Sztuki Aktorskiej STA.
W pracy teatralnej z najmłodszymi czerpię z ich wrodzonych umiejętności i predyspozycji, starając się wesprzeć dzieci w ich rozwoju. Staram się słuchać ich potrzeb i podążać za nimi, nie oceniając i wspierając ich wrażliwość i indywidualność. Bardzo ważne jest dla mnie rozwijanie wyobraźni dzieci, uważności oraz otwieranie ich na pomysły innych.
Warsztaty będą odbywały się 1x w tygodniu i zakończone będą lekcją pokazową dla rodziców.
Informacje dodatkowe:
Godziny:
- godz. 16:15 dla dzieci w wieku 4-6 lat
- godz. 17:00 dla dzieci z klas I-III/ grupa zakończy cykl warsztatów stworzeniem własnego przedstawienia/etiudy. Prosimy zatem o systematyczny udział w zajęciach
WERSAL | LATIN FILM FEST 2026
Kiedy młody meksykański polityk przegrywa wybory prezydenckie, zaszywa się wraz z żoną w swojej imponującej wiejskiej posiadłości. W idyllicznych okolicznościach ich żądza władzy narasta, a para przepoczwarza się w duet despotycznych monarchów. “Wersal” to groteskowa opowieść o mrocznych pragnieniach i klasowości. To także wyjątkowo prawdziwa satyra na władzę, okraszona barokowym twistem i teatralną przesadą.
W roli głównej Cuautli Jiménez, znany m.in. z pokazywanej podczas pierwszej edycji LFF “Finlandii” oraz produkcji takich jak “Narcos: Meksyk” oraz “Niech żyje Meksyk”. Producentem filmu jest Nicolás Celis, twórca nagrodzonej Oscarem “Romy” Alfonsa Cuarona.
W roli głównej Cuautli Jiménez, znany m.in. z pokazywanej podczas pierwszej edycji LFF “Finlandii” oraz produkcji takich jak “Narcos: Meksyk” oraz “Niech żyje Meksyk”. Producentem filmu jest Nicolás Celis, twórca nagrodzonej Oscarem “Romy” Alfonsa Cuarona.
WSZYSTKO NA SPRZEDAŻ | WAJDA: RE-WIZJE
W trakcie realizacji pewnego filmu aktor grający w nim główną rolę opuszcza plan filmowy i nie wraca na zdjęcia. Reżyser (Andrzej Łapicki) organizuje dalszą pracę nad filmem, jeździ samochodem po Warszawie i jej okolicach, spotyka się kolejno z żoną (Beata Tyszkiewicz), dawną partnerką Aktora (Elżbieta Czyżewska) oraz przyjacielem (Daniel Olbrychski), próbując zrozumieć przyczyny ucieczki i jednocześnie znaleźć sposób na dokończenie filmu. Coraz bardziej zagubiony i bezradny, czuje coraz większą obcość względem środowiskowych koterii, towarzyskich animozji i kłamstwa, w którym pławią się członkowie ekipy. Nad ranem dociera do bohaterów informacja o tragicznej śmierci aktora. Film trzeba jednak kręcić dalej.
Wszystko na sprzedaż to autotematyczna opowieść o utracie przyjaciela i wielkiego aktora. W tym bardzo osobistym filmie, do którego Wajda po raz pierwszy samodzielnie napisał oryginalny scenariusz, reżyser snuje refleksję nad fenomenem Zbigniewa Cybulskiego, portretuje rodzime środowisko filmowe oraz – jedyny raz w tak bezpośredni sposób – mówi o samym sobie. W alter ego Wajdy wcielił się Andrzej Łapicki, a pozostali aktorzy nasycają swoje postaci własnymi doświadczeniami i cechami charakterów. Dzięki temu Wszystko na sprzedaż staje się intymną, ale zarazem brawurowo nakręconą, ekspresyjną i najbardziej modernistyczną w karierze Wajdy odpowiedzią na słowa, które o reżyserze miał wygłosić niedługo przed śmiercią Cybulski: „powiedzcie mu, że jeszcze za mną zatęskni”.
[ENG]
During the film production, the actor playing the leading role suddenly leaves the set and never returns. The director (Andrzej Łapicki) tries to keep the project alive, driving through Warsaw and its surroundings and meeting, one after another, the actor’s wife (Beata Tyszkiewicz), his former partner (Elżbieta Czyżewska), and a close friend (Daniel Olbrychski), attempting both to understand the reasons for the disappearance and to find a way to complete the film. Increasingly lost and helpless, he feels ever more alienated from the cliques, social rivalries, and pervasive lies of the film community. By dawn, news reaches the characters of the actor’s tragic death—but the film must go on.
Everything for Sale is a self-reflective story about the loss of a friend and a great actor. In this deeply personal work, for which Wajda wrote an original screenplay on his own for the first time, the director considers the phenomenon of Zbigniew Cybulski, portrays the Polish film milieu, and—more directly than ever before—speaks about himself. Wajda’s alter ego is played by Andrzej Łapicki, while the remaining actors infuse their roles with their own experiences and personality traits. As a result, Everything for Sale becomes an intimate yet boldly shot, expressive, and the most overtly modernist film of Wajda’s career—a cinematic response to the words Cybulski was said to have uttered shortly before his death: “Tell him he’ll miss me yet.”
Wszystko na sprzedaż to autotematyczna opowieść o utracie przyjaciela i wielkiego aktora. W tym bardzo osobistym filmie, do którego Wajda po raz pierwszy samodzielnie napisał oryginalny scenariusz, reżyser snuje refleksję nad fenomenem Zbigniewa Cybulskiego, portretuje rodzime środowisko filmowe oraz – jedyny raz w tak bezpośredni sposób – mówi o samym sobie. W alter ego Wajdy wcielił się Andrzej Łapicki, a pozostali aktorzy nasycają swoje postaci własnymi doświadczeniami i cechami charakterów. Dzięki temu Wszystko na sprzedaż staje się intymną, ale zarazem brawurowo nakręconą, ekspresyjną i najbardziej modernistyczną w karierze Wajdy odpowiedzią na słowa, które o reżyserze miał wygłosić niedługo przed śmiercią Cybulski: „powiedzcie mu, że jeszcze za mną zatęskni”.
[ENG]
During the film production, the actor playing the leading role suddenly leaves the set and never returns. The director (Andrzej Łapicki) tries to keep the project alive, driving through Warsaw and its surroundings and meeting, one after another, the actor’s wife (Beata Tyszkiewicz), his former partner (Elżbieta Czyżewska), and a close friend (Daniel Olbrychski), attempting both to understand the reasons for the disappearance and to find a way to complete the film. Increasingly lost and helpless, he feels ever more alienated from the cliques, social rivalries, and pervasive lies of the film community. By dawn, news reaches the characters of the actor’s tragic death—but the film must go on.
Everything for Sale is a self-reflective story about the loss of a friend and a great actor. In this deeply personal work, for which Wajda wrote an original screenplay on his own for the first time, the director considers the phenomenon of Zbigniew Cybulski, portrays the Polish film milieu, and—more directly than ever before—speaks about himself. Wajda’s alter ego is played by Andrzej Łapicki, while the remaining actors infuse their roles with their own experiences and personality traits. As a result, Everything for Sale becomes an intimate yet boldly shot, expressive, and the most overtly modernist film of Wajda’s career—a cinematic response to the words Cybulski was said to have uttered shortly before his death: “Tell him he’ll miss me yet.”
Youth Novels
Youth Novels – duet, który w swojej twórczości łączy minimalistyczną elektronikę, emocjonalny wokal i pełne napięcia kompozycje.Zespół w tym roku wydał swój debiutancki album (20 marca), a za jego miks i mastering odpowiada Chris Allen, wcześniej współpracujący z zespołem przy EP-ce Blue, a także znany z pracy z RY X, Ólafurem Arnaldsem i Calvinem Harrisem.Oprócz tego zespół ma na swoim koncie trzy EP-ki, w tym wspomniana „Blue”, której brzmienie współtworzyli Chris Allen i Jason Mitchell. Youth Novels wydał również kilka singli, w tym „What If” oraz „Woman", który zgromadził 2,3 mln odsłuchań na Spotify.Kolejne utwory, „Skin Rework” nagrane z Samem Thompsonem (The XX, Ellie Goulding) w Air Studios w Londynie oraz „Hands” stworzone we współpracy z holenderskim producentem Ferrym Corstenem (FERR), także zdobyły uznanie. Ich singiel „2NITE” powstał przy współpracy z utalentowanym niemieckim producentem i muzykiem Frankiem Wiedemannem.
Duet zagrał na Open’er Festiwal, OFF Festival, Spring Break i Męskim Graniu, supportowali też wielu artystów, m. in. Hooverphonic, Father John Misty czy Oh Wonder.W ich muzyce można usłyszeć inspiracje zespołami takimi jak Daughter czy London Grammar, ale w ich twórczości dominuje autentyczność i własna, rozpoznawalna wrażliwość.
Duet zagrał na Open’er Festiwal, OFF Festival, Spring Break i Męskim Graniu, supportowali też wielu artystów, m. in. Hooverphonic, Father John Misty czy Oh Wonder.W ich muzyce można usłyszeć inspiracje zespołami takimi jak Daughter czy London Grammar, ale w ich twórczości dominuje autentyczność i własna, rozpoznawalna wrażliwość.
ZA ZWYCIĘSTWO! | 11. UKRAINA! FESTIWAL FILMOWY
W niedalekiej przyszłości wojna w Ukrainie dobiegła końca. Roman, reżyser filmowy, pozostaje w kraju, podczas gdy jego żona i córka rozpoczynają nowe życie w Wiedniu. Próbuje wrócić do pracy i jednocześnie odbudować relację z rodziną.
Valentyn Vasyanovych tworzy osobistą, gorzką i momentami absurdalną opowieść o Ukrainie po wojnie. Film stawia pytania o przyszłość kraju, pamięć, społeczne podziały i rolę sztuki w świecie, który próbuje się odrodzić.
W roli głównej występuje sam Valentyn Vasyanovych, jeden z najbardziej uznanych i utalentowanych reżyserów ukraińskich, znanych z takich filmów jak Atlantyda czy Reflection.
Nagrody
Best Feature Film - Odesa Film Festival 2026
Platform Prize – Toronto International Film Festival 2025
Valentyn Vasyanovych tworzy osobistą, gorzką i momentami absurdalną opowieść o Ukrainie po wojnie. Film stawia pytania o przyszłość kraju, pamięć, społeczne podziały i rolę sztuki w świecie, który próbuje się odrodzić.
W roli głównej występuje sam Valentyn Vasyanovych, jeden z najbardziej uznanych i utalentowanych reżyserów ukraińskich, znanych z takich filmów jak Atlantyda czy Reflection.
Nagrody
Best Feature Film - Odesa Film Festival 2026
Platform Prize – Toronto International Film Festival 2025
ZAPOMNIANA WYSPA | DZIECIAKI, DO KINA!
To komedia przygodowa, która przenosi bohaterów na dawno zapomnianą, magiczną wyspę.
Warto walczyć o najlepszą przyjaźń.
DreamWorks Animation, studio, które stworzyło niezapomniane więzi między chłopcem a smokiem w filmie „Jak wytresować smoka”, ogrem i osłem w animacji„Shrek” oraz robotem i gąsiątkiem w „Dzikim robocie”. Teraz przedstawia olśniewającą i wzruszającą historię o dwójce przyjaciół na całe życie, którzy muszą się zjednoczyć.
Nowy film został napisany i wyreżyserowany przez nominowanych do Oscara® Joela Crawforda i Januela Mercado, a jego producentem jest nominowany do Oscara® Mark Swift, twórca filmu „Kot w butach: Ostatnie życzenie”.
Nagrodzone nagrodą Grammy i Oscarem® H.E.R. i Liza Soberano użyczają głosu Jo i Raissie. To przyjaciółki od najmłodszych lat, które właśnie kończą szkołę średnią i stoją u progu zupełnie nowych etapów życia.
Podczas wspólnego świętowania ostatniego wieczoru przed rozstaniem dziewczyny przypadkiem odkrywają tajemniczy portal, który przenosi je na magiczną wyspę Nakali. To niezwykła kraina pełna fantastycznych i mitycznych stworzeń, o których od dzieciństwa słyszały w opowieściach przekazywanych przez ich filipińskie rodziny.
Niektóre z tych postaci staną się przyjaciółmi, inne wrogami. Jo i Raissa muszą stawić czoła najgroźniejszemu stworzeniu na wyspie.
Kiedy odkryją, że wspomnienia ich przyjaźni są ceną za powrót do domu, Jo i Raissa będą ścigać się, by znaleźć sposób na opuszczenie wyspy, zanim zapomną o sobie na zawsze.
Warto walczyć o najlepszą przyjaźń.
DreamWorks Animation, studio, które stworzyło niezapomniane więzi między chłopcem a smokiem w filmie „Jak wytresować smoka”, ogrem i osłem w animacji„Shrek” oraz robotem i gąsiątkiem w „Dzikim robocie”. Teraz przedstawia olśniewającą i wzruszającą historię o dwójce przyjaciół na całe życie, którzy muszą się zjednoczyć.
Nowy film został napisany i wyreżyserowany przez nominowanych do Oscara® Joela Crawforda i Januela Mercado, a jego producentem jest nominowany do Oscara® Mark Swift, twórca filmu „Kot w butach: Ostatnie życzenie”.
Nagrodzone nagrodą Grammy i Oscarem® H.E.R. i Liza Soberano użyczają głosu Jo i Raissie. To przyjaciółki od najmłodszych lat, które właśnie kończą szkołę średnią i stoją u progu zupełnie nowych etapów życia.
Podczas wspólnego świętowania ostatniego wieczoru przed rozstaniem dziewczyny przypadkiem odkrywają tajemniczy portal, który przenosi je na magiczną wyspę Nakali. To niezwykła kraina pełna fantastycznych i mitycznych stworzeń, o których od dzieciństwa słyszały w opowieściach przekazywanych przez ich filipińskie rodziny.
Niektóre z tych postaci staną się przyjaciółmi, inne wrogami. Jo i Raissa muszą stawić czoła najgroźniejszemu stworzeniu na wyspie.
Kiedy odkryją, że wspomnienia ich przyjaźni są ceną za powrót do domu, Jo i Raissa będą ścigać się, by znaleźć sposób na opuszczenie wyspy, zanim zapomną o sobie na zawsze.
ZEJŚCIE | BRITISH FILM FESTIVAL 2026
[PL]
Uwaga! Seans odbędzie się na pływalni: wszyscy uczestnicy pokazu zobowiązani się do pojawienia się na miejscu w adekwatnym stroju i z ręcznikiem.
Film będzie można oglądać zarówno "na sucho" - z brzegu basenu, jak i z materacy i siedzisk w wodzie.
ZEJŚCIE (2005), drugi i do dziś najbardziej znany film Neila Marshalla, to opowieść o sześciu przyjaciółkach, które wyruszają na wyprawę speleologiczną w Appalachach, gdzieś na terenie Karoliny Północnej. Dla zmagającej się z traumą Sarah (Shauna Macdonald), która rok wcześniej straciła męża i córkę, ekspedycja ma być próbą powrotu do normalności. Pod przewodnictwem Juno (Natalie Mendoza) kobiety zapuszczają się w system nigdy dotąd niepenetrowanych jaskiń, gdzie jeden zły ruch oznacza utratę orientacji, a ta z kolei – walkę o przetrwanie. W ciasnych korytarzach kumpele muszą zmierzyć się nie tylko z zagrożeniami podziemnego świata – a tych oczywiście nie brakuje – lecz także z narastającą nieufnością, dawnymi urazami oraz sekretami, które podważają więzi między nimi. Im dalej w nieznane, tym mniejsze szanse na ratunek. Marshall przekształca jaskinię w przestrzeń przypominającą piekło lub przynajmniej czyścieć, a zatem miejsce zawieszone poza zwyczajnym porządkiem świata, takie, w którym bohaterki zostają zmuszone do konfrontacji z przeszłością oraz związanymi z nią lękami i poczuciem winy. Tytułowe zejście oznacza więc zarówno fizyczną podróż w głąb ziemi, jak i wędrówkę ku najciemniejszym zakamarkom psychiki, gdzie moralność zdaje się nie istnieć. Z tym wszystkim zaś koresponduje warstwa wizualna, oparta na klaustrofobicznych kompozycjach i oszczędnym oświetleniu. Im bliżej jądra planety, tym większa potworność: i obcej otchłani, i samych ludzi. Czy w takich warunkach istnieje nadzieja na odkupienie czy wręcz odrodzenie?
[ENG]
Please note! The screening will take place at the swimming pool: all attendees are required to arrive wearing appropriate clothing and bringing a towel.
The film can be watched either ‘from the dry’ – from the poolside – or from air mattresses and seats in the water.
Released in 2005, THE DESCENT was Neil Marshall’s second feature and remains his best-known film. It follows six friends on a caving expedition in the Appalachians, somewhere in North Carolina. For Sarah (Shauna Macdonald), still struggling with the trauma of losing her husband and daughter a year earlier, the trip is meant to be a step back towards normality. Led by Juno (Natalie Mendoza), the women venture into a previously unexplored cave system, where one wrong move can mean losing their bearings – and losing their bearings can mean a fight for survival.
Deep underground, they must confront not only the dangers of the caves themselves, of which there are plenty, but also growing mistrust, old resentments and secrets that begin to strain the bonds between them. The farther they descend into the unknown, the slimmer their chances of escape.
Marshall turns the cave into something resembling hell, or at least purgatory: a space outside the ordinary order of things, where the women are forced to confront their pasts, along with the fears and guilt bound up in them. The ‘descent’ referred to in the title thus signifies both a physical journey deep into the earth and a journey into the darkest recesses of the psyche, where morality seems to be non-existent.
The visual style reinforces this sense of entrapment, with claustrophobic compositions and sparse lighting closing in around the characters. The deeper they go, the more monstrous both the unfamiliar abyss and the people themselves become. In a place like this, is there still room for redemption – or even rebirth?
Uwaga! Seans odbędzie się na pływalni: wszyscy uczestnicy pokazu zobowiązani się do pojawienia się na miejscu w adekwatnym stroju i z ręcznikiem.
Film będzie można oglądać zarówno "na sucho" - z brzegu basenu, jak i z materacy i siedzisk w wodzie.
ZEJŚCIE (2005), drugi i do dziś najbardziej znany film Neila Marshalla, to opowieść o sześciu przyjaciółkach, które wyruszają na wyprawę speleologiczną w Appalachach, gdzieś na terenie Karoliny Północnej. Dla zmagającej się z traumą Sarah (Shauna Macdonald), która rok wcześniej straciła męża i córkę, ekspedycja ma być próbą powrotu do normalności. Pod przewodnictwem Juno (Natalie Mendoza) kobiety zapuszczają się w system nigdy dotąd niepenetrowanych jaskiń, gdzie jeden zły ruch oznacza utratę orientacji, a ta z kolei – walkę o przetrwanie. W ciasnych korytarzach kumpele muszą zmierzyć się nie tylko z zagrożeniami podziemnego świata – a tych oczywiście nie brakuje – lecz także z narastającą nieufnością, dawnymi urazami oraz sekretami, które podważają więzi między nimi. Im dalej w nieznane, tym mniejsze szanse na ratunek. Marshall przekształca jaskinię w przestrzeń przypominającą piekło lub przynajmniej czyścieć, a zatem miejsce zawieszone poza zwyczajnym porządkiem świata, takie, w którym bohaterki zostają zmuszone do konfrontacji z przeszłością oraz związanymi z nią lękami i poczuciem winy. Tytułowe zejście oznacza więc zarówno fizyczną podróż w głąb ziemi, jak i wędrówkę ku najciemniejszym zakamarkom psychiki, gdzie moralność zdaje się nie istnieć. Z tym wszystkim zaś koresponduje warstwa wizualna, oparta na klaustrofobicznych kompozycjach i oszczędnym oświetleniu. Im bliżej jądra planety, tym większa potworność: i obcej otchłani, i samych ludzi. Czy w takich warunkach istnieje nadzieja na odkupienie czy wręcz odrodzenie?
[ENG]
Please note! The screening will take place at the swimming pool: all attendees are required to arrive wearing appropriate clothing and bringing a towel.
The film can be watched either ‘from the dry’ – from the poolside – or from air mattresses and seats in the water.
Released in 2005, THE DESCENT was Neil Marshall’s second feature and remains his best-known film. It follows six friends on a caving expedition in the Appalachians, somewhere in North Carolina. For Sarah (Shauna Macdonald), still struggling with the trauma of losing her husband and daughter a year earlier, the trip is meant to be a step back towards normality. Led by Juno (Natalie Mendoza), the women venture into a previously unexplored cave system, where one wrong move can mean losing their bearings – and losing their bearings can mean a fight for survival.
Deep underground, they must confront not only the dangers of the caves themselves, of which there are plenty, but also growing mistrust, old resentments and secrets that begin to strain the bonds between them. The farther they descend into the unknown, the slimmer their chances of escape.
Marshall turns the cave into something resembling hell, or at least purgatory: a space outside the ordinary order of things, where the women are forced to confront their pasts, along with the fears and guilt bound up in them. The ‘descent’ referred to in the title thus signifies both a physical journey deep into the earth and a journey into the darkest recesses of the psyche, where morality seems to be non-existent.
The visual style reinforces this sense of entrapment, with claustrophobic compositions and sparse lighting closing in around the characters. The deeper they go, the more monstrous both the unfamiliar abyss and the people themselves become. In a place like this, is there still room for redemption – or even rebirth?
ZIEMIA OBIECANA | WAJDA: RE-WIZJE
Brawurowo zrealizowana adaptacja niemal zapomnianej powieści Władysława Reymonta, przedstawiająca na tle gwałtownie rozwijającej się pod koniec XIX wieku Łodzi losy trzech przyjaciół: Niemca Maksa, Żyda Moryca i Polaka Karola. Bohaterowie decydują się założyć w mieście własną fabrykę włókienniczą, co nie jest w smak żydowskiej, niemieckiej i rosyjskiej konkurencji. Po drodze Karol Borowiecki uwodzi Lucy Zuckerową, ponętną żonę starego fabrykanta, wykorzystując romans do zdobycia kapitału, a Moryc Welt prowadzi ryzykowne spekulacje finansowe i handlowe w środowisku żydowskim, balansując na granicy bankructwa i oszustwa. Równolegle Maks Baum negocjuje z niemieckimi przemysłowcami, próbując uratować podupadający rodzinny interes, a wielcy finansiści, Bucholz, Grünspan i Müller, próbują pozyskać młodych i ambitnych do swych interesów. Ostatecznie Borowiecki dla realizacji swych planów decyduje się sprzedać rodzinny majątek, przeprowadzić narzeczoną Ankę do Łodzi i oddać wzniosłe wartości wilczym regułom kapitalizmu.
Ten olśniewający plastycznie, narracyjnie i aktorsko film wygrywa we wszystkich rankingach na najlepszy film w historii polskiej kinematografii. Siła reżyserii Andrzeja Wajdy, zdolność do pomieszczenia w jednym filmie tak wielu wątków i ogromne bogactwo inscenizacyjne zasłużyły na najwyższe laury. Sama sekwencja w teatrze jest dziś postrzegana jako jedno z największych osiągnięć filmowej narracji, w ramach której reżyser, na niewielkiej przestrzeni, zdołał połączyć kilkadziesiąt postaci i wątków. Wśród nagród brakło tylko Oscara, bo choć film był faworytem, to na skutek nieuprawnionych oskarżeń o antysemityzm przegrał walkę o tę statuetkę.
[ENG]
A brilliant adaptation of a now largely forgotten novel by Władysław Reymont, the film traces the intertwined fates of three friends against the backdrop of the rapidly industrializing city of Łódź at the end of the nineteenth century: the German Maks, the Jew Moryc, and the Pole Karol. Determined to establish their own textile factory, they soon find themselves at odds with powerful Jewish, German, and Russian competitors who dominate the local market. Along the way, Karol Borowiecki seduces Lucy Zucker, the alluring wife of an aging industrialist, using the affair to secure capital, while Moryc Welt engages in risky financial and commercial schemes within the Jewish business milieu, constantly teetering on the edge of bankruptcy and fraud. At the same time, Maks Baum negotiates with German manufacturers in an attempt to save his family’s declining enterprise, as influential financiers such as Bucholz, Grünspan, and Müller seek to draw the ambitious young men into their own ruthless ventures. In pursuit of his plans, Borowiecki ultimately chooses to sell his family estate, bring his fiancée Anka to Łódź, and subject lofty ideals to the harsh, predatory rules of capitalism.
Visually dazzling, narratively expansive, and driven by extraordinary performances, the film consistently tops rankings of the greatest works in the history of Polish cinema. Andrzej Wajda’s mis-en-scène, his ability to weave together a multitude of storylines, and the sheer richness of the film’s staging earned it the highest acclaim. The famous theatre sequence alone is now regarded as one of the crowning achievements of cinematic storytelling, compressing dozens of characters and narrative threads into a single, tightly choreographed space. The only major prize missing from its long list of honours was the Academy Award, which the film narrowly lost despite being a frontrunner, amid unfair accusations of antisemitism.
Ten olśniewający plastycznie, narracyjnie i aktorsko film wygrywa we wszystkich rankingach na najlepszy film w historii polskiej kinematografii. Siła reżyserii Andrzeja Wajdy, zdolność do pomieszczenia w jednym filmie tak wielu wątków i ogromne bogactwo inscenizacyjne zasłużyły na najwyższe laury. Sama sekwencja w teatrze jest dziś postrzegana jako jedno z największych osiągnięć filmowej narracji, w ramach której reżyser, na niewielkiej przestrzeni, zdołał połączyć kilkadziesiąt postaci i wątków. Wśród nagród brakło tylko Oscara, bo choć film był faworytem, to na skutek nieuprawnionych oskarżeń o antysemityzm przegrał walkę o tę statuetkę.
[ENG]
A brilliant adaptation of a now largely forgotten novel by Władysław Reymont, the film traces the intertwined fates of three friends against the backdrop of the rapidly industrializing city of Łódź at the end of the nineteenth century: the German Maks, the Jew Moryc, and the Pole Karol. Determined to establish their own textile factory, they soon find themselves at odds with powerful Jewish, German, and Russian competitors who dominate the local market. Along the way, Karol Borowiecki seduces Lucy Zucker, the alluring wife of an aging industrialist, using the affair to secure capital, while Moryc Welt engages in risky financial and commercial schemes within the Jewish business milieu, constantly teetering on the edge of bankruptcy and fraud. At the same time, Maks Baum negotiates with German manufacturers in an attempt to save his family’s declining enterprise, as influential financiers such as Bucholz, Grünspan, and Müller seek to draw the ambitious young men into their own ruthless ventures. In pursuit of his plans, Borowiecki ultimately chooses to sell his family estate, bring his fiancée Anka to Łódź, and subject lofty ideals to the harsh, predatory rules of capitalism.
Visually dazzling, narratively expansive, and driven by extraordinary performances, the film consistently tops rankings of the greatest works in the history of Polish cinema. Andrzej Wajda’s mis-en-scène, his ability to weave together a multitude of storylines, and the sheer richness of the film’s staging earned it the highest acclaim. The famous theatre sequence alone is now regarded as one of the crowning achievements of cinematic storytelling, compressing dozens of characters and narrative threads into a single, tightly choreographed space. The only major prize missing from its long list of honours was the Academy Award, which the film narrowly lost despite being a frontrunner, amid unfair accusations of antisemitism.
Jeśli chcesz na bieżąco otrzymywać informacje o wydarzeniach, zapisz się do NEWSLETTERA.
Wysyłamy tylko istotne informacje o nowościach, zmianach lub odwołanych wydarzenia.